Beheers het vertellen van videoverhalen met de Hollywood-look

Er valt een stilte over een menigte wanneer een klassiek opgenomen film verschijnt op- scherm. Het is diezelfde verstilde verwachting die rond het kampvuur hangt als iemand zegt:"Er was eens ..." terwijl we onze volledige aandacht besteden aan vermaak. De vertelmagie van de filmmaker is een zorgvuldig geperfectioneerd ambacht dat de Hollywood-look wordt genoemd. Trouwvideo's, vakantiehoogtepunten en bedrijfspresentaties kunnen allemaal profiteren van de klassieke technieken van het witte doek.

Iedereen, ongeacht je ervaringsniveau, kan de Hollywood-look bereiken door subtiele technieken te gebruiken. Elke opname en elke bewerking moet tellen. Hollywood vertrouwt op enorme bedragen om "productiewaarde" te bereiken, maar voor u is de enige vereiste uw zorgvuldige blik. In dit artikel leer je wat deze technieken zijn en hoe je ze kunt gebruiken om een ​​klassieke video te maken.

Bouw uw videovocabulaire op

Een meester-videograaf maakt geen klassieke video door totaal ongerelateerde items aan elkaar te rijgen, evenmin als een journalist een prijswinnend verhaal schrijft vol onzinwoorden. Omdat video zo realistisch is, vergeten we vaak dat het een complexe taal is van afbeeldingen in plaats van woorden. Wanneer we al onze videobeelden van een hele dag fotograferen, hebben we meestal willekeurige opnamen over de band verspreid. Afgespeeld "zoals het is", is onze video net zo verwarrend en net zo saai als een zin die bestaat uit onzinwoorden. Wat is de oplossing? Een plan.

Elke keer dat de camera rolt, moet er een nieuwe opname worden toegevoegd die de logica van een bepaalde reeks voortzet. Net als het structureren van woorden om een ​​zin te maken, suggereert elk shot de woorden die erna komen.

Foto's om te bewerken, bewerken vanuit uw foto's

Je video kan over van alles gaan, maar in elke scène heb je een specifiek idee. In plaats van je kijkers pedant te informeren, kun je ze in je video betrekken bij kleine drama's. Je zult ze entertainen en je informatie helpen in hun gedachten te blijven.

Stel je een specifieke situatie voor:je hebt een scène in je video nodig waarin ABC Machining snel reageert op de behoefte van een klant. Een machinist, John, zal het bedrijf een menselijk gezicht geven. Je zou John aan het werk kunnen zien terwijl een voice-over verteller het publiek vertelt hoe snel hij en het bedrijf reageren op de behoeften van de klant. Dit is gemakkelijk te fotograferen, gemakkelijk te bewerken en uiteindelijk saai voor het publiek.

Als je wat meer tijd hebt, waarom zou je het publiek dan niet een verhaal vertellen? Het is 16.45 uur en John lijkt klaar om snel naar huis te gaan. De winkeltelefoon gaat en John noteert snel wat informatie op een blocnote. Een klant heeft een machinaal bewerkt onderdeel nodig en dat is een noodgeval. John freest het onderdeel efficiënt en geeft het aan de klant als hij de achterdeur binnenkomt. John heeft goed werk geleverd tot 5:25, maar de klant is blij en John is trots. Hij doet het licht uit en gaat naar huis. Het verschil in Hollywood ontstaat door niet alleen na te denken over de foto's, maar ook door hoe ze bij elkaar passen.

Opnames, medium- en close-upopnamen maken

Door je opnamen in een visueel nauwere volgorde te ordenen, geef je je publiek de kans zich te oriënteren op de locatie en je verhaal. In onze machinistenvideo kan een eerste opname voor deze reeks de buitenkant van ABC Machining zijn, met het bord duidelijk zichtbaar, of een weids uitzicht op de werkvloer zelf. Zodra het publiek begrijpt waar we zijn, vertelt een medium shot hen naar wie of wat ze moeten zoeken, en laat de camera de zichtlijn gemakkelijk volgen. Reserveer close-ups voor echt belangrijke punten die u wilt maken. In dit geval zouden we een reeks van drie close-ups nodig hebben:de klok die bijna vijf uur nadert, de rinkelende telefoon en het geschrokken gezicht van John zouden het publiek alle details vertellen die nodig zijn om het drama op te zetten.

Schermrichting

Schermregie gaat niet over regisseren; het gaat erom welke kant je personages op gaan binnen het frame. Als je er zeker van wilt zijn dat John vooruitgang boekt, laat hem dan bij elk schot in dezelfde richting bewegen. Als hij vanaf de rechterkant van het frame binnenkomt en naar links beweegt, zou John bij elk volgend schot in de reeks van rechts naar links moeten bewegen. Zelfs als je deze delen op aparte plaatsen fotografeert, kun je door altijd van rechts naar links te bewegen het gevoel creëren dat John soepel achter elkaar door de plant beweegt.

In de uitsnijruimte

Als u uw band opneemt met de bedoeling deze te bewerken, moet u bij elke opname een aantal keuzes maken. Vergeet niet om de camera voor en na elke opname minstens 10 seconden te laten rollen, zodat je ruimte hebt om de opname in de montageruimte te verplaatsen.

Tenzij je het publiek wilt schokken, moet elke opname vallen op een plek waar het ritme van je reeks niet wordt verstoord. De beste truc van het vak is snijden op actie. Door te zoeken naar beweging in het frame en deze vanaf je eerste opname aan je tweede opname te koppelen, merkt het publiek niet eens dat je de camerahoek hebt gewijzigd.

Als John de telefoon opneemt aan het begin van onze reeks moet een reeks vrij ongelijksoortige materialen soepel en begrijpelijk in elkaar vloeien. Vanuit een close-up van de telefoon beweegt Johns hand naar binnen. Terwijl hij de hoorn grijpt en begint op te nemen, kunnen we een bredere foto van hem maken aan de telefoon. Door in het bredere schot te snijden op het moment dat hij de hoorn oppakt, strijken we elke verstoring in de reeks glad. Deze brede opname zou tegelijkertijd de klok op de achtergrond kunnen onthullen. Om het belang van de klok voor John vast te stellen, hebben we een close-up van zijn gezicht gemaakt. Zijn oog flikkert even naar de muur. Dat is het moment waarop we naar een close-up van de klok kijken. Door John's actie te onderbreken, heeft hij onze aandacht op de klok gericht en een soepele overgang gemaakt die de kijkers niet schrikt.

Op de maat snijden

Door je opnamen af ​​te stemmen op het ritme van de achtergrondmuziek, kun je een ritme in je bewerkingen krijgen. Om dit te bereiken, heb je een bewerkingssysteem nodig dat zowel tijdcode als A/V-dub ondersteunt (de mogelijkheid om video te kopiëren zonder de bestaande audio te vernietigen, en omgekeerd). Je legt eerst de muziek voor je gemonteerde tape neer en zorgt er later voor dat elke nieuwe clip begint op het moment van de beat in de muziek.

Dit bereikt u in een bewerking met twee vingers tussen uw camera en videorecorder zonder bewerkingscontroller is erg moeilijk. Zelfs als je precies op het juiste moment op de pauzeknop zou kunnen drukken, moet je rekening houden met de pauze-naar-opname-vertraging van je platenspeler. Als je een bewerkingsdeck van behoorlijke kwaliteit hebt, zal het waarschijnlijk een pre-roll willen uitvoeren vóór elke bewerking om ervoor te zorgen dat de band op snelheid is voordat de opname begint.

Op de musical aansluiten beat is nog eenvoudiger met een niet-lineair bewerkingssysteem. Je markeert de beats van muziek en sleept en zet je nieuwe shots eenvoudig neer op een tijdlijn om het tempo van de soundtrack aan te passen.

De visuele beat is verwant aan de beat in comedy - een kleine dode hoek waardoor de vorige foto (of grap) tot je doordringt. In tegenstelling tot het snijden bij actie, zoek je naar de kleine dode hoeken tussen beweging. Bij deze adempauzes kun je alles wegsnijden (gerelateerd of niet). Omdat er een korte pauze is (de "beat") verwacht het publiek niet dat de beweging in de huidige opname doorgaat. Dit is net zo handig voor documentaires (waar je veel verschillende materialen door elkaar mixt) als voor drama (waar je het tempo en de stroom van het verhaal moet beheersen).

Afgezien van deze subtielere stukjes Hollywood-'grammatica', er zijn een aantal andere 'woorden en zinnen' die je kunnen helpen je verhaal te vertellen. Hieronder vindt u een lijst met enkele van de meest voorkomende (en nuttige) "zinnen" die tot uw beschikking staan:

De kneepjes van de Hollywood-look kunnen je werk naadloos en klassiek laten lijken - en dat is geen illusie. Het is aan u; als u uw publiek toespreekt in de verhalende taal die ze begrijpen, weet u zeker dat ze uw boodschap begrijpen.