Ben je ooit gehypnotiseerd geweest? Als je ooit naar de bioscoop bent geweest en je volledig in het verhaal bent opgegaan, dan is dat zo. Een goed gemonteerde film doet precies dat, en het is geen slechte zaak. Het spreekt tot de verbeelding op een manier die de hersenen virtueel overneemt. We geven ons over aan het verhaal en vergeten de realiteit totdat de aftiteling ons terug naar de aarde brengt.
In feite is dit hypnotiserende effect vaak zo krachtig, dat we een schok ervaren als de voortgang van beelden wordt onderbroken als dingen niet soepel van het ene idee naar het andere gaan.
Als je ooit in een bioscoop bent en de film breekt helaas af, dan ken je het gevoel. Van totale onderdompeling naar een groot, oogverblindend wit scherm in een handomdraai; het gekreun dat volgt is het geluid van pure frustratie.
Dus als u bewegende beelden in uw eigen niet-lineaire editor begint te bewerken, helpt het als u aandacht schenkt aan de technieken die in de loop van de tijd zijn ontwikkeld en die het publiek aanmoedigen om zich te verdiepen in de stroom van actie.
De basis
Veel technieken die visuele flow stimuleren vallen onder de noemer 'matching action'. Ze zijn eigenlijk niets meer dan een reeks eenvoudige regels die ervoor zorgen dat de kijker gefocust blijft en de actie van de ene scène naar de andere vloeit.
Een van de meest basale soorten matchacties is ervoor te zorgen dat elk schot een logische voortgang volgt.
Overweeg de traditionele volgorde van een persoon die door een deur loopt. De gebruikelijke progressie die men zou gebruiken zou kunnen zijn:
Opname 1 – Een brede opname van een acteur die een deur nadert.
Opname 2 – Een close-up van de deurklink en een hand die reikt om hem te grijpen.
Opname 3 – Een medium shot van de hand die de deur opentrekt en de persoon die erdoor loopt.
Foto 4 - Een omgekeerde hoek van binnenuit de deur die het personage laat zien dat de nieuwe kamer binnenkomt.
Foto 5 - Een brede opname met de deur dicht en het karakter dat in de nieuwe kamer is gevestigd.
Deze opnameprogressie is eenvoudig. We weten hoe het is om een kamer binnen te gaan, dus iedereen heeft dezelfde verwachting van welke scène welke volgt. Wat het verschil maakt tussen een goede en een slechte scènestroom, is de precieze timing van elke scène; hoeveel beeldmateriaal je toestaat voor en na elke centrale actie.
Kijk naar de volgorde in figuur 2A. Er is een opzettelijke fout gemaakt in de in- en uit-punten tussen de twee opnamen om een veelvoorkomende bewerkingsfout aan te tonen.
Merk op dat op het Uit-punt van het eerste schot, de hand van het personage net begint te stijgen naar de deurklink, maar op het In-punt van het volgende schot, is de hand al op het handvat. Een rechte snede op deze punten in actie zou een sprong opleveren die gehaast zou aanvoelen.
In plaats daarvan zou een ervaren redacteur de actie in Shot 1 laten doorgaan totdat de hand dichter bij de deurkruk komt (Figuur 2B) of het In-punt van Shot 2 naar voren verplaatsen in de actie om wat buffer tussen de scènes. Snijden aan de deurklink voordat de hand het frame betreedt, en vervolgens de hand de scène laten betreden en de hendel vastpakken, zou overeenkomen met de actie die het publiek verwacht, zelfs als de tijd tussen die acties minder is dan realtime.
En dat is een belangrijk punt. Snijden tussen verwachte scènes in een stroom betekent niet dat je altijd een realtime relatie tussen hen moet onderhouden. Het publiek merkt het vaak niet als je de tijd uit een reeks haalt, zolang de actie maar soepel verloopt en logisch van de ene scène naar de andere stroomt.
Pas op jezelf
Het algemene doel van elke editor zou moeten zijn om te begrijpen wat elke scène nodig heeft om bij te dragen aan het programma en om ervoor te zorgen dat deze precies lang genoeg op het scherm blijft (en niet één frame langer) om het doel van de scène te bereiken.
Een duidelijk teken van amateurmontage zijn scènes die te lang duren. De vuistregel voor scènetempo is hetzelfde als bij alle goede films:als het het publiek niet helpt de actie te volgen of het verhaal verder te helpen, verwijder het dan.
Als je eersteklas editors aan het werk ziet, merk je hun obsessie met het perfect trimmen van scènes. Ze stellen meestal een eerste bewerkingspunt in en stellen vervolgens een afspeellus in die door het bewerkingspunt loopt. Vervolgens spelen ze de overgang keer op keer af terwijl ze hun Trim Edit-toetsenbordcommando's gebruiken om frames van de kop en staart af te knippen totdat de bewerking precies goed aanvoelt en elk onnodig frame verdwenen is.
De actie bijsnijden
Dit is nog een andere plaats waar moderne editors het veel gemakkelijker hebben dan vroeger, toen het trimmen van frames het snijden van celluloid-filmstroken betekende. Tegenwoordig kun je met een paar tikken op het toetsenbord In- en Uit-punten manipuleren en individuele frames in een scène bijsnijden, zodat er echt geen excuus meer is om je bewerkingen niet in te voeren.
Veel van de toonaangevende softwarepakketten van vandaag gaan zelfs nog verder en bieden displays met twee vensters, zodat de editor in realtime voorvertoningen van zowel inkomende als uitgaande opnamen kan zien. Dit is een geweldige functie als u wilt zien hoe het trimmen van invloed is op de opnamen aan beide zijden van een bewerkingspunt.
Als je de geweldige films van gisteren en vandaag bekijkt, zul je ontdekken dat ze allemaal iets gemeen hebben. Of het tempo van de scènes nu snel of langzaam is, filmeditors gebruiken deze bijpassende actietechnieken om hun verhalen in beweging te houden. Ze stemmen de sfeer van de uitvoeringen af op het tempo van de bewerkingen om elke scène (of reeks scènes) zijn eigen natuurlijke ritme te geven.
Het herkennen en vinden van het ideale visuele ritme voor een reeks opnamen, en het bewerken ervan zodat het vloeiend van scène naar scène stroomt, is het verschil tussen iemand die scènes aan elkaar rijgt, en een echte visuele verhalenverteller.
[Sidebar:Breaking the Line]
Een ander element van bijpassende actie is het besef dat bewegingen die op het scherm plaatsvinden altijd een waargenomen richting zullen hebben.
Als de film dat idee schendt, hebben onze hersenen moeite om dingen met elkaar te verbinden . Stel je voor dat jij en je videoclub een schooltoneelstuk opnemen met de titel Groenten zijn onze vrienden. Omdat er veel vrijwilligers zijn, besluit je dat je naast de videocamera's in het publiek, een camera op het podium plaatst, achter het decor, gericht op het publiek.
Het is tijd voor de grote entree van meneer Tomaat. Hij komt van links binnen en gaat naar rechts. Zowel de upstage als de downstage camera's draaien en hebben Mr. Tomato in een losse close-up.
In de postproductie zou je merken dat als je tussen die twee opnamen doorknipt, Mr. Tomato van links naar rechts beweegt in de publieksfoto's, maar van rechts naar links bewegend in de upstage camera-opnames.
Dat wordt 'de lijn doorbreken' genoemd. Kijkers verwachten dat acties op het scherm een gerichte stroom hebben. Door het cameraperspectief aan één kant van een denkbeeldige lijn te houden die evenwijdig aan de actie loopt, blijft dat gevoel van flow behouden.
Als je de lijn moet doorbreken, gebruik dan een neutrale opname met het personage rechtstreeks naar of weg van de camera gericht als buffer, zodat de richtingsstroom van de scène even stopt.
[Zijbalk:Uitsneden]
Een andere techniek waarmee een editor het programma in beweging kan houden, is het gebruik van cutaway-shots of B-roll.
In ons eerdere voorbeeld, in plaats van te snijden van de close-up van de hand naar de shot met omgekeerde hoek van het personage dat binnenkomt de kamer, je zou een uitsnede kunnen gebruiken. Een opengewerkte opname van een persoon die aan een bureau in de kamer zit en naar de deuropening kijkt, kan de scène in beweging houden en tegelijkertijd een nieuw personage introduceren. Door de cutaway opnieuw te gebruiken, kun je de lengte van de scène verkorten, omdat het publiek zal verwachten dat de deuropeningsactie tijdens de cutaway doorgaat.
Het tempo van de scène is altijd afhankelijk van de inhoud van de scène zelf. Als je een scène knipt van een moeder die een pasgeboren baby in slaap wiegt, zou het tempo van de scène doorgaans veel langzamer zijn dan wanneer je een achtervolgingsscène zou knippen.
Ervaren redacteuren besteden veel aandacht aan scènepacing , begrijpend dat dit het verschil kan zijn tussen een publiek dat volledig betrokken is bij het verhaal en een publiek dat wiebelt op hun stoel.