Finn O'Hara is een gevestigde fotograaf die, ondanks de twijfel en aarzeling die vaak in een creatieve geest blijft hangen, een grote sprong maakte in filmregie. In feite was het zijn fotografiewerk dat hem voor het eerst ertoe aanzette om verhalen in bredere dimensies te vertellen. Of het nu stilstaand of live-action is, O'Hara's werk is zeer filmisch en verhaalgericht, consequent geleid door artistieke intuïtie en een 'creatief geestesoog'.
O'Hara's fotografie is opgenomen in nationale en wereldwijde publicaties, waaronder Esquire en Vogue India , en hij regisseerde ook advertenties en korte films voor grote spelers als Budweiser en Sport Chek. We hadden de gelegenheid om met O'Hara te praten over het vinden van iemands 'creatieve zelfvertrouwen', de kracht van open communicatie en vloeiend zijn tijdens het creatieve proces.
Shutterstock:het is 2014 en je hebt jezelf gevestigd als een go-to lensman voor grote wereldwijde merken en prominente verkooppunten zoals Esquire en De New York Times — wat is cruciaal geweest voor uw succes?
Finn O'Hara: Levenservaring. Ik kwam later in mijn leven, eind twintig, in de fotografie terecht en het maakte deel uit van een algemene herstructurering in mijn leven, simpelweg omdat ik het leven niet met spijt wilde leiden. Ik had veel bewondering voor en was verzot op fotografie. Ik wilde stoppen met fantaseren over het zijn van een fotograaf en gewoon dingen in het spel brengen. Ik wilde beginnen met fotograferen, dus ik begon het gewoon te vragen.
Wat ik naar mijn foto's kon brengen, was een meer algemeen begrip van hoe dingen werkten. Ik heb wat gereisd, ik ben verhuisd en ik heb een meer volwassen achtergrond aan mijn lens kunnen geven. Dat hielp. Ik moest meteen beginnen met mezelf op de markt te brengen en het vanaf het begin uit te zoeken.
Wat is belangrijk om als creatieveling te overwegen bij het vertegenwoordigen van een merk?
Je moet jezelf eruit halen. Ik denk dat als je met een merk werkt, je echt met een beroemdheid werkt; het is vergelijkbaar in die zin dat u met een beheerde identiteit werkt. Je moet je daar gewoon de hele weg heel bewust van zijn. Het gaat niet om jou - het gaat eigenlijk allemaal om hen. Dus wat je naar dat merk of dat individu brengt, is echt een gevoel voor stijl en een gevoel van dat begrip van hoe ze willen worden geportretteerd en hoe je ze wilt portretteren, en daar een heel open dialoog over voeren. Begrijpen wat hun plan is en begrijpen hoe je dat kunt dienen, is de belangrijkste sleutel.
Hoe bepaal je artistiek welke boodschap je wilt overbrengen en hoe je deze wilt overbrengen?
Als het om merken gaat, hebben ze een heel specifiek idee van wat ze willen. Ik krijg niet veel merken die zeggen:"We weten het niet, kun je ons helpen?" Ik heb het geluk dat ik met een aantal grote merken mag werken die een heel duidelijk beeld hebben van hoe ze graag geportretteerd worden. Dus eigenlijk gaat het erom al die stukjes te nemen en er een heel specifieke lens aan te geven. Bij fotografie snijd je zoveel weg en concentreer je je er echt op.
Er komt veel vertrouwen bij kijken. Soms moet je heel expressief zijn in hoe je het gaat behandelen, wat wordt gedaan door middel van processen, documentatie en pre-productievergaderingen. Dat helpt over het algemeen om de artistieke punten te lokaliseren. Je wilt niet dat ze in de war raken over hoe het eruit zal zien, dus het is de beste manier om dat te voorkomen door het volledig uit te leggen, of het nu in woorden of afbeeldingen is, naar je beste vermogen.
Veel mensen kunnen fotografietechnieken en kneepjes van het vak leren, maar zijn het intuïtie en inzicht in visuele aanwijzingen die een geweldige fotograaf maken?
Voor mij zou ik zeggen:ja. Bij diep nadenken denk ik dat het een besef is dat ik mijn hele leven een waarnemer ben geweest en fotografie heeft me in staat gesteld om daarnaar te handelen - om een scherpe en zeer gedetailleerde waarnemer te zijn. Door te oefenen en fotografie te omarmen, en door naar donkere hoeken te gaan en naar buiten te komen met beelden, het toevertrouwen van opdrachten, heb ik creatief zelfvertrouwen ontwikkeld. Dat is een zeer commerciële manier om over creativiteit te praten, maar dat is in wezen wat het is:een combinatie van creatief vertrouwen en probleemoplossing.
Toen je de overstap maakte naar het regisseren van commercials en korte films, heb je gezegd dat je fotografie je heeft geholpen de sprong te wagen. Hoe heb je als fotograaf je voorbereid op de rol?
Regie is als 3D-schaken; dat is de enige manier waarop ik het kan beschrijven. Het omvat veel meer niveaus van beeldtaal. Het is grappig, want ik merkte dat ik foto's maakte die een verhaal hadden, en ik wilde dat het verhaal er een was dat de waarnemer of de kijker een beetje moest verkennen. Ik merkte dat ik deze verhalen aan het ontwikkelen was en toen ging er een klein lampje branden. Ik dacht:"Weet je, dit is wat film is. Dit is wat live-actie is.”
Zo was het ook met regisseren. Daar ging ik niet voor naar school, maar met goed mentorschap en een beetje aanmoediging was het ineens iets waar ik mee begon te sporten. De beste analogie is dat het was alsof ik uit vorm was en dacht:"Dat kan ik op geen enkele manier doen." En het kost tijd om te verkennen, maar na verloop van tijd, en met concentratie en goede werkgewoonten, ontwikkelt het zich.
Je hebt je film- en fotografiemethoden ook beschreven als 'een rauw en altijd verbeterend proces'. Kun je uitleggen wat je bedoelt?
"Raw" in de zin dat ik nooit helemaal toegewijd ben aan één manier om een afbeelding te maken; ‘rauw’ in de zin dat mijn concepten volledig manipulatief of transformationeel zijn. Als ik een opdracht krijg, heb ik een vrij goed idee van wat ik zou willen doen, maar soms als ik daar kom, worden mijn ideeën getransformeerd. Het idee werkt mogelijk niet in die specifieke omgeving.
Ik zie veel manieren om een creatief probleem op te lossen en veel manieren om afbeeldingen en live-action werk te leveren, maar ik ben graag open en ik denk niet dat er een tijdschema is voor wanneer ik een creatieve richting moet kiezen. Ik kwam tot het besef dat het oké is om open te staan voor zoveel mogelijk ideeën en technieken.
Wat is cruciaal om in gedachten te houden voor iemand die wil overstappen van fotograaf naar regisseur?
Ik denk dat een van de grootste problemen die ik had, was dat ik het werk niet volledig begreep. Ik vond het idee van de regisseur allemaal heel mooi, maar ik had geen idee wat de baan eigenlijk was. En niemand was erg expliciet met het idee totdat ik (uitvoerend producent) Geoff Cornish ontmoette bij Suneeva. Het was een veel langzamer gesprek met visie die naar de horizon keek, in plaats van wat er vlak voor je gezicht of tien minuten van tevoren gebeurde.
Het begrijpen van de baan was voor mij op dat moment het meest cruciaal. Begrijpen wat het dagelijkse deel van het werk was. Het grootste deel is echt begrijpen hoe je iets boeiends kunt maken. Het begrijpen van de 'advertentie van 30 seconden' en het distilleren voor wat het is, heeft me veel geholpen om korte verhalen te begrijpen. Voor mij was het cruciaal om de verteldimensie te verbreden die ik al deed in de fotografie, maar nu verder kon gaan. Dat was de grootste uitdaging bij het maken van de sprong naar regie.
Ontdek meer van Finn O'Hara's werk op zijn website op finnohara.com.