Heb je je ooit afgevraagd hoe elementen van een foto samenkomen om een succesvol beeld te vormen? In dit artikel bekijken we hoe je de zeven principes van kunst en design kunt gebruiken.
Deze ontwerpprincipes helpen je om betere, interessantere afbeeldingen te maken.
Wat zijn de 7 principes van kunst en design?
De 7 principes van kunst en design zijn balans, ritme, patroon, nadruk, contrast, eenheid en beweging. Gebruik de elementen van kunst en design – lijn, vorm/vorm, ruimte, waarde, kleur en textuur – om een compositie als geheel te creëren.
De elementen van kunst en design zijn de instrumenten van beeldend kunstenaars. De principes van kunst en design geven weer hoe een kunstenaar deze tools gebruikt om beeldende kunst te maken.
Door de 7 principes van kunst en design toe te passen, kunnen fotografen een samenhangend beeld creëren dat is gebaseerd op de fundamenten van de kunsttheorie.
Laten we elk principe nader bekijken.
7. Saldo
Balans wordt gebruikt om het visuele gewicht van een afbeelding te illustreren. Het kan een foto verenigen of verdeeldheid creëren. Een zorgvuldig uitgebalanceerd beeld geeft een foto een gevoel van stabiliteit. Een onevenwichtig beeld zorgt voor verdeeldheid of onrust.
Beide toepassingen zijn oké, afhankelijk van het gewenste resultaat.
U kunt op drie manieren balans bereiken:
- symmetrie – beide zijden van een afbeelding weerspiegelen hetzelfde onderwerp, zoals een spiegelbeeld.
- Asymmetrie – contrasterende elementen brengen het beeld in evenwicht. Bijvoorbeeld een sterk gestructureerd oppervlak aan de ene kant van een afbeelding, gecompenseerd door een glad, mat oppervlak aan de andere kant.
- Radiale balanssymmetrie – elementen op gelijke afstand van elkaar rond een centraal punt, zoals spaken op een wiel.
Balans is sensueel omdat het goed of fout 'voelt'. Als je de balans in een afbeelding wilt benadrukken, probeer dan je camera te bewegen om verschillende perspectieven te krijgen.
U kunt ook proberen verschillende textuur- en kleurvelden te fotograferen. Wees niet bang om een beetje te experimenteren.
6. Ritme
In veel opzichten lijkt compositie in muziek erg op compositie in fotografie. Het fotografische concept van ritme leent veel van de muziektheorie.
Net als een muzikant die de noten op een muziekblad leest, regelen onderwerpen in een ruimte de manier waarop we naar een foto kijken.
Het ritme dicteert de terugkerende of georganiseerde/ongeorganiseerde verdeling van visuele elementen in een afbeelding.
Probeer eens de muzieknotatie te visualiseren om een gevoel van ritme in uw fotografie te introduceren.
De spaties, correlaties en verschillen tussen onderwerpen in een foto als deze weerspiegelen noten op een bladmuziek.
5. Patroon
Het patroon geeft betekenis aan de visuele wereld door middel van regelmaat. Van door de mens gemaakte objecten tot organisch materiaal en abstractie.
Ontwerpelementen kunnen op een voorspelbare manier worden georganiseerd om een patroon te vormen. Simpel gezegd, patronen zijn herhalingen van de elementen kunst en design. Deze werken samen in één frame.
Het menselijk oog is gekalibreerd om patronen op te sporen. Dit kan verrassende emotionele reacties oproepen bij een kijker.
Patronen zijn een actief principe van kunst en design, ze tillen een afbeelding van de pagina. Het opnemen van patronen in je fotografie gaat net zo goed over ontdekken als over fotografische techniek.
Kijk uit naar architecturale en stedelijke kenmerken of organische onderwerpen zoals bloemen. Als je eenmaal begint te zoeken, zul je versteld staan van de overvloed aan patronen om je heen.
4. Nadruk
Nadruk vormt het middelpunt van de belangstelling in een afbeelding. Kleur, ruimte, textuur en lijn werken samen om de focus van een afbeelding te bepalen.
Er zijn veel manieren om de nadruk te leggen op een foto. Ruimtelijke nadruk betreft de oriëntatie van een onderwerp binnen het fotografische kader.
Een eenzaam onderwerp in het midden van een afbeelding zal de aandacht trekken. Het is het gemakkelijkst beschikbare onderdeel van de foto.
Bij een foto met een aantal onderwerpen leidt selectieve groepering het oog van de kijker naar bepaalde brandpunten.
De grootte van een onderwerp bepaalt ook de manier waarop de kijker een foto ‘leest’. Een groter onderwerp suggereert een nabijheid van het oppervlak van de foto. Het trekt meer aandacht dan dat van een kleiner onderwerp op de achtergrond.
Het opnemen van grootte vertelt een verhaal over de lichamelijkheid van de onderwerpen in een foto en voegt diepte en perspectief toe.
Kleur is een ander hulpmiddel dat de nadruk kan leggen. Een felgekleurd onderwerp in een donkere scène geeft een gevoel van levendigheid en leven aan een afbeelding. Het trekt de aandacht van de kijker.
3. Contrast
Contrast ontstaat wanneer twee of meer tegengestelde elementen in een foto aanwezig zijn. Licht tegen donker, warm tegen koel.
Maar contrast omvat ook fysieke elementen. De textuur is een andere manier om het principe van contrast in fotografie te gebruiken. Het opnemen van twee of meer texturen in een foto introduceert niet alleen tactiliteit, maar creëert ook een gevoel van plaats.
Een ronde waterdruppel die op de pluizige ranken van een plant rust, is een voorbeeld van een tekstueel contrasterend onderwerp.
Contrasterende onderwerpen brengen het verhaal naar een foto. Je kunt ook attributen als scherpte en zachtheid, oud en nieuw of gebogen en recht naast elkaar proberen te plaatsen.
2. Eenheid
Unity beschrijft de visuele relatie tussen elementen in een foto. Het helpt bij het creëren van een samenhangend beeld.
Het gebruik van vergelijkbare kleuren of tonen, concepten of elementen cultiveert een gevoel van eenheid.
Verdeeldheid is het tegenovergestelde. Slechte uitsnede, onhandige perspectieven of over- en onderbelichting verstoren een afbeelding en kunnen voor onenigheid zorgen.
Een ander aspect dat aan een uniform beeld ten grondslag ligt, is het duidelijke idee van een fotografisch resultaat. Een fotografisch resultaat, of doel, is het geïdealiseerde mentale beeld van een foto voordat deze wordt genomen.
Door een resultaat vooraf te visualiseren, kan een fotograaf een duidelijker beeld krijgen van het doel van een foto. Dit stelt een fotograaf op zijn beurt in staat om meer controle over het beeld te krijgen.
1. Beweging
De term 'beweging' in de fotografie beschrijft vaak de relatie tussen de sluitertijd van de camera en een onderwerp. Als het om kunst en design gaat, verwijst beweging naar het pad dat het oog van de kijker aflegt tijdens het lezen van een foto.
Beweging wordt gevormd door de elementen en principes van kunst en design. Een fotograaf kan bepalen hoe een kijker een foto in zich opneemt.
Het gebruik van lijnen in fotografie creëert bijvoorbeeld 'visuele snelwegen' die het oog van de kijker leiden.
Gekartelde lijnen creëren opwinding en verschuiven de blik van de kijker van het ene punt naar het andere. Gebogen lijnen zijn subtieler. Deze verminderen de snelheid waarmee een foto wordt bekeken.
Het begrijpen van de aard en psychologie van het menselijk zicht is een belangrijk onderdeel van het beheersen van bewegingen. Het menselijk oog is bijvoorbeeld gevoeliger voor bepaalde kleuren dan voor andere.
Rood trekt de aandacht. Zachte blues is zachter en subtieler. Beweging kan gestuurd worden door selectief kleurgebruik en verzadiging.
Er zijn veel verschillende manieren om het oog van de kijker door een foto te leiden. Beweging bestudeert zowel de aard van het oog als de psychologie achter hoe we visuele informatie opnemen.
Conclusie
De zeven principes van kunst en design in de fotografie; balans, ritme, patroon, nadruk, contrast, eenheid en beweging, vormen de basis van beeldende kunst.
Door de zeven principes te gebruiken, krijgt u meer controle over uw fotografische praktijk. Dit zal leiden tot betere foto's en meer fotografische mogelijkheden.