9 essentiële bezuinigingen die elke video-editor moet weten

In dit video-tutorial, bekijk enkele van de basissnitten die elke editor zou moeten kennen voordat hij aan zijn volgende videoproject begint.

Bovenste afbeelding via fedota1 .

Voor buitenstaanders en beginners is montage misschien wel een van de meest onbegrepen elementen van filmmaken. Velen gaan ervan uit dat bewerken niets meer is dan het verwijderen van de slechte en verkorte clips. Oppervlakkig gezien is dat misschien waar, maar als we die veronderstellingen omzetten in vragen, komen we dichter bij de kunst van het bewerken. Wat is een slecht moment? Met hoeveel kan ik die clip inkorten? Deze kernvragen, en uiteindelijk de antwoorden, zullen de manier waarop de media worden verteerd veranderen.

Of je nu aan het bewerken bent op Premiere, Final Cut Pro X, Resolve of Avid, het bewerken is bezaaid met belangrijke beslissingen die je verhaal aanzienlijk ten goede komen of een enorm nadeel worden. Dit zijn verteltechnieken, geen technische details voor specifieke software. Het zijn de fundamenten die ervoor zorgen dat uw project zijn stem vindt en zich onderscheidt van de rest. Laten we eens kijken naar de basisprincipes die elke redacteur moet kennen.

Standaard Knip

In een zin of twee:De fundamentele start van het editen is de standaard snit. Dit is de snede tussen twee verschillende clips naast elkaar.

Zie het als "schot, reactieschot." Het is slechts het einde van de ene actie en het begin van een andere. Dit kan tijdens de scène zijn of van scène tot scène. Er is hier niet veel toegevoegde betekenis, maar het is essentieel om te weten wanneer een snede als deze nuttig kan zijn - of zelfs noodzakelijk. Als je een commercial of een bedrijfsvideo knipt, breng je hoogstwaarschijnlijk alleen basisinformatie op een zeer gestructureerde manier over zonder enige overdrijving of gedoe.

Hoewel het oefenen van bewerkingssoftware kan worden geleerd (je kunt DaVinci Resolve hier leren), kan het idee van wanneer je enigszins moet knippen dat niet. Tot op zekere hoogte is het een intuïtief gevoel. En net als tekenen kost het tijd om het onder de knie te krijgen. Ik raad echter een boek aan van de beroemde redacteur Walter Murch met de titel In the Blink of an Eye:A Perspective on Film Editing . Over de 146 pagina's heen, Murch, de redacteur van Apocalypse Now en Jarhead , behandelt de basisprincipes over het gevoel van wanneer te snijden, en hoe u kunt helpen de intuïtie van uw redacteur te koesteren.

J-Cut

In een zin of twee:een J-cut zorgt ervoor dat audio van de volgende videoclip de volgende opname ingaat voordat de eerste opname is voltooid.

De J-cut is een bewerking die je absoluut moet gebruiken om scènes aan elkaar te knopen. Soms zul je merken dat je bewerking abrupt aanvoelt, ook al is het praktisch gezond. Dit kan een bewerking zijn die een strandlandschap verbindt met het interieur van een auto waar twee mensen een gesprek voeren. Hoewel een standaard snit geschikt is, kan de nevenschikking van het rustige strand naar het lawaaierige auto-interieur scherp aanvoelen. Door een J-cut te gebruiken, zou je deze bewerking minder intens kunnen maken door de audio onder clip 1 te verplaatsen en deze langzaam naar vol volume te laten faden tot het begin van clip 2. Dit is een J-cut.

Bovendien zou een J-snede (&L-snede) worden gebruikt in een gespreksscène om audio uit de volgende clip in te voegen om het gesprek natuurlijk te laten lijken. Als we alleen naar het personage gaan wanneer ze spreken, kan de scène mechanisch aanvoelen.

Zoals aangegeven in het diagram, ontleent de J-snede zijn naam aan het feit dat de audio van clip 2 onder clip 1 verschuift voordat clip 1 is afgelopen en een J-vorm creëert.
Het idee hier is om je publiek naar de volgende opname te leiden met het geluid. Het is een eenvoudig maar duidelijk effect dat een wereld van verschil zal maken als je het in actie ziet en hoort.

L-Cut

In een paar zinnen:bij een L-cut loopt het geluid van de eerste opname over in de tweede opname.

Er is niet veel te zeggen over de L-cut, en dat komt omdat ik alles heb uitgelegd onder de J-Cut-sectie. Ja, de L-cut is net als de J-cut. Maar in plaats van dat de audio van clip 2 clip 1 binnenkomt, sleept de L-cut de audio van de huidige clip naar de volgende opname en creëert een L-vorm.

Buiten conversatiescènes kan dit effect, hoewel het het tegenovergestelde is van de J-cut, een heel andere impact hebben op hoe mensen uw scènes horen en zien. Als we het voorbeeld van de J-Cut gebruiken, nodigt het horen van de audio uit de auto ons eerst uit voor de volgende scène. Als we een L-snede zouden gebruiken en audio hebben van clip 1, het strand, volg ons dan naar clip 2, de auto. Het zou een gevoel van melancholie of nostalgie over die locatie bevorderen. Het personage is mentaal nog steeds op het strand, terwijl hij fysiek in de auto zit.

Bekijk onze tutorial hieronder voor meer informatie over J &L-cuts.

De drie sneden hierboven leggen de basis voor de meeste bewerkingen, en buiten een paar overgangen zijn er niet veel andere regelingen voor je media. Wat echter kan verandering is hoe uw bewerkingen worden waargenomen, en dit wordt bepaald door wat u naast de actieve opname bewerkt.

Laten we eens kijken naar een aantal technieken die door de profs worden gebruikt.

Jump Cut

In een zin of twee:een jump-cut is waar een enkele opname vooruit in zichzelf wordt gesneden, waardoor het onderwerp sporadisch door het frame verschijnt. Meestal gebruikt om een ​​verschuiving in de tijd aan te duiden.

De jumpcut biedt een snelle en vermakelijke manier om je publiek vast te houden. De techniek is eenvoudig:neem een ​​lange clip (long take) en knip deze uit, zodat je personages in de tijd rondspringen. Het is een schokkend gezicht, maar dankzij komedies en YouTube-vloggers is de sprong in ons collectieve onderbewustzijn ingebakken als een haalbare manier om een ​​scène te versnellen.

Vanwege het opdringerige karakter van de jumpcut, is het geen techniek die we vaak zien in televisie of film. Dat komt omdat het ons bewust maakt van de bewerking. Wanneer het in film is gebruikt, dient het meestal voor een komisch effect.

Echter, zoals opgemerkt door filmmaker David F. Sandberg (Shazam ), heeft het ook de bedoeling om praktische producten in horror- en actiefilms uit te proberen.

Montage

In een paar zinnen:de montage is een serie clips die een verandering in tijd, persoon of locatie laten zien.

De montage is verschenen in enkele van de beste actiefilms, komedies en zelfs horrorfilms in een filmisch hoofdbestanddeel. De montage toont het verstrijken van de tijd en legt de karakterontwikkeling op de meest vloeiende manier vast.

Gebruikt in actiefilms, of in films die de nostalgische gelijkenis van een actiemontage uit de jaren 80 proberen op te roepen, wordt deze snit meestal gebruikt om de hoofdrolspeler te laten zien die traint voor het volgende grote ding. Terwijl Rocky was niet de eerste film die een montage gebruikte, het is moeilijk om de impact te betwisten die de boksfilm had op de populariteit van montages, vooral met het supersterthema van "Gonna Fly Now".

Sinds Rocky is de trainingsmontage in talloze media gebruikt, van stop-motion tot anime.

U kunt op verschillende manieren een montage maken. Waar de jump-cut afhankelijk is van locatie en scène, is de montage een opeenvolging. Klap een pakkend nummer over beelden van je personages die een doel proberen te bereiken. Snijd het in stukjes, houd het op de juiste lengte en je hebt een succesvolle montage. Zorg er bij lange tijdsverloop voor dat u clips met een kruis oplost

Als je een trainingsmontage filmt, zorg er dan voor dat je het volgende opneemt voor een meer uitgebreide montagesequentie:

• Meerdere kostuums
• Verschillende tijden van de dag
• Verschillende weerpatronen

Cutting on Action

In een of twee zinnen:het snijden van de actie is waar je van het ene schot naar een andere hoek zou snijden die vloeiend overeenkomt met de actie van het eerste schot

Misschien wel de meest significante en bekende snit is "bezuinigen op actie". Dus wat is het? Het is gewoon dat:midden in een personage snijden dat een actie uitvoert, zoals bewegen, het hoofd draaien, schoppen, springen, rennen, enz. Het is gewoon een naadloze manier om de ogen van het publiek van het ene shot naar het andere te brengen zonder te beseffen dat er ooit een snee. Deze cut is alleen mogelijk als je voldoende dekking hebt, inclusief brede, close en medium shots. Dit geeft je meer om mee te werken wanneer je aan het bewerken bent.

In het bovenstaande voorbeeld volgt de cut-on-actie de swing van de honkbalspeler. Omdat de snede overeenkomt met de actie van de vorige opname, heeft deze een gevoel van kinetische energie.

Bekijk minstens zestig seconden van het hoofdgevecht van de Captain America:Winter Soldier volgorde hieronder. Minder actie helpt bij het bevorderen van een gevoel van energie met de bewerkingen.

Actie is van nature kinetisch. Je gooit een steen naar een raam, het raam zal breken en de steen zal aan de andere kant naar beneden vallen. Als omstander kijken is echter passief, en filmmaken stelt je in staat om deze momenten actief te maken. Bij het maken van films moet actie niet alleen worden gezien; het moet ook gevoeld worden.

De term actie definieert echter niet iets dat actiegericht is, zoals een baksteen die door het raam wordt gegooid. Het kan zo simpel zijn als een detective die een aktetas opent, gefilmd met een medium shot, en als de koffer half open is, maken we een close-up. Maar de actie van het openen van de behuizing blijft overal consistent, waardoor de kinetische energie van de beweging behouden blijft.

Cross-cutting

In een paar zinnen:Crossing cutting is een vorm van montage waarbij twee sequenties op verschillende locaties tegelijkertijd plaatsvinden.

Hoewel het uitdagender lijkt dan het is, is cross-cutting een perfecte manier om twee verhalen tegelijk te vertellen. Meestal spelen deze twee verhalen zich tegelijkertijd af, dus je zult tussen beide in gaan. De techniek is zo simpel als een personage laten zien dat iets doet, dan naar een ander personage op een andere locatie snijden om iets anders te doen, en dan terugknippen naar het eerste personage. Het perfectioneren van de timing en verhalende "speelklok" kan moeilijk zijn, maar het is een uitstekende manier om twee verhalen tegelijk te vertellen. Het doel van cross-cutting is om spanning op te bouwen en een gevoel van reikwijdte te creëren - een wereld die groot genoeg is om te bekijken.

Een van de meest opvallende voorbeelden van cross-cutting is Christopher Nolan's Inception . Tegen het einde van de film worden de personages verplaatst door verschillende lagen van 'droomwerelden' en worden de gebeurtenissen van elke wereld in elkaar gevoeld. Tijdens de laatste act knippen we voortdurend heen en weer tussen tijdlijnen.

Vanwege de aard van transversaal werken, werkt het alleen met een nauwgezette planning. Als je erover nadenkt om een ​​verhaal te maken waarbij dwarsdoorsneden zijn betrokken, zou een snelle tip zijn om eerst beide bewerkingen samen te stellen en vervolgens de gecompileerde reeksen samen te bewerken.

Cutaways

In een zin of twee:een cutaway is de onderbreking van een continu gefilmde sequentie door weg te snijden naar een shot van iets anders.

Cutaways dienen meer als opvulling dan iets anders en zijn opnamen die in een scène worden ingevoegd die de kijker helpen de omgeving van de personages te begrijpen. Dit doe je door op locatie uit de B-roll te trekken. Cutaways kunnen breed, close-ups of medium shots zijn. Zorg er wel voor dat je niet in het midden van een substantiële regel of moment wegsnijdt.

In de bovenstaande clip is er helaas midden in de reeks cameratrillingen. Als we echter naar een tussenvoegsel snijden, kunnen we de (fictieve) operatorfout maskeren.

Er is niet veel informatie die moet worden uitgelegd over cutaways; ze doen precies zoals de titel. Ik merk vaak dat cutaways als pleister kunnen dienen als er een probleem is met de beelden, maar we hebben nog steeds de audio nodig. Misschien schopt iemand tegen het statief en schudt de camera abrupt, of beweegt het talent te ver onscherp. Als dat zo is, gebruik dan een cutaway om de fout te maskeren. Zoals aangegeven, kunt u dit natuurlijk alleen doen als het materiaal al is opgenomen.

Match Cut

In een zin of twee:een match-cut is een bewerking waarbij elementen uit de vorige opname worden gebruikt om de volgende scène over te zetten. De vervolgscène is meestal geheel anders dan de eerste scène.

Misschien wel de meest visueel aantrekkelijke snit, met de match-cut kun je de ogen van de kijker naar de volgende opname brengen voordat ze zich realiseren dat het is gebeurd. Het idee is simpel:je knipt terwijl je personage beweegt of iets doet en voltooit de beweging op een andere plaats of met een ander personage in de volgende opname. Dit zorgt voor een vloeiende beweging waardoor de ogen van uw publiek in elke gewenste richting blijven bewegen.

De match-cut wordt niet vaak gebruikt omdat het de aandacht vestigt op de bewerking; het wordt merkbaar wanneer u wilt dat de bewerking onzichtbaar blijft. Bij correct gebruik en correct gebruik heeft de matchcut uiteindelijk geleid tot enkele van de meest memorabele cuts in de bioscoop. Misschien wel het meest opvallende voorbeeld is in 2001:A Space Odyssey met de bot-naar-ruimtestation match gesneden.

Hoewel het voornamelijk wordt gebruikt met visuals, kan een match-cut ook met geluid worden geïmplementeerd. Een snel voorbeeld is een ondergedoken schurk die op het punt staat zijn geweer af te vuren op de hoofdpersoon, en net als hij de trekker overhaalt, snijden we naar de dong van een kerkklok op een andere locatie. Omdat de dong van de bel en de knal van het pistool dezelfde luide hoorbare eigenschappen delen, zal de snede naadloos op elkaar aansluiten.

Voor meer informatie over het bewerken van tips en trucs, bekijk hier enkele van onze eerdere berichtgeving:

• Hoe u uw eigen videoclips kunt bewerken
• 5 snelle tips om aan de slag te gaan in After Effects
• Lawaaierige video opruimen in 30 seconden
• 10 soorten opnamen en hoeken die elke filmmaker zou moeten kennen
• Video-editor-toolkit:220+ gratis animaties, voorinstellingen, overlays en meer