Voordat jij of ik ooit een camera pakten, waren onze fotografische voorouders (en moeders) aan het fotograferen, leerden en baanden ze nieuwe paden voor ons om te volgen. Ik heb daar altijd veel troost in gevonden. Wetende dat we deel uitmaken van een lange rij van fotografen en beeldmakers, zou ons een gevoel van trots moeten geven. Door pure wil en vastberadenheid hebben ze moeilijke tijden, mislukkingen en soms controverses doorstaan om ons een ongelooflijke voorsprong te geven om betere fotografen te worden.
Ironisch genoeg zijn veel van deze reuzen van de fotografie, net als de meeste andere mensen met grote invloed, niet zo begonnen aan het begin van hun carrière. Velen hadden gewoon een baan nodig, anderen hadden een uitlaatklep nodig voor hun artistieke neigingen, en weer anderen... nou, ze hadden gefaald in wat ze aanvankelijk wilden worden.
In deze editie van wat ik liefdevol ben gaan noemen, The Master's Series, zullen we kijken naar twee geweldige fotografen die niet gemakkelijk aan hun bekendheid kwamen. Je leert van hun zuurverdiende wijsheid enkele tips die je kunnen helpen om je eigen fotografie te verbeteren.
Robert Capa
Capa door Gerda Taro
Robert Capa, die eigenlijk op deze wereld is geboren onder de naam Endre Friedmann, was een Hongaarse fotograaf en fotojournalist. Zijn passie was om oorlogsfotografie aan de massa te geven op een persoonlijke en persoonlijke manier die nog nooit eerder was gezien. Hij werd geboren in oktober 1913 en kwam vroegtijdig aan zijn einde op 25 mei 1954. In die 41 jaar maakte Capa foto's in het heetst van de strijd gedurende vijf oorlogen. Zijn werk definieerde vrijwel het beeld dat we hebben van de Tweede Wereldoorlog, inclusief de invasie van Normandië vanaf de frontlinies van Omaha Beach.
In 1947 maakte Capa deel uit van een groep fotografen die in Parijs samenkwamen om Magnum Photos te vormen. Onder de leden van de groep waren grootheden als Henri Cartier-Bresson, George Rodger, David "Chim" Seymour en William Vandivert. Magnum zou het eerste wereldwijde bureau worden voor freelance fotografen en fotojournalisten.
Lessen die u kunt leren van Robert Capa
Jezelf positioneren voor de foto
Vergroot uw kansen om betere foto's te maken door uzelf in een positie te plaatsen om ze te maken. Als ik zeg “betere positie” bedoel ik dit zowel figuurlijk als letterlijk. Capa stond bekend om zijn uitspraak:"Als je foto's niet goed genoeg zijn, ben je niet dichtbij genoeg." Capa stond bekend als onverschrokken en zou meteen in actie komen om zijn foto's te maken. Als algemene richtlijn geldt dat als u dicht bij uw onderwerp komt, niet alleen de kwaliteit van een afbeelding wordt verbeterd, maar ook de visuele impact op de kijker wordt vergroot.
Dat gezegd hebbende, jezelf in de positie brengen om beter werk te produceren, betekent ook dat je moet weten welke foto je probeert te maken. Zorg dat u voorbereid bent om de foto te maken, d.w.z. de juiste lens, statief, machtigingen, enz. Zorg er ten slotte voor dat u weet wat er moet gebeuren om een optimale belichting te krijgen.
Zelf creatief promoten
Waarom hield Andre Friedmann op Andre Friedmann te zijn en werd Robert Capa? Het antwoord is simpelweg betere marketing. Als je van het uitzonderlijk linguïstische type bent, is het je misschien opgevallen dat Capa het Hongaarse woord voor haai is. Toen Capa een jongen was, was dat de bijnaam die zijn vrienden hem gaven. Zie je, Capa kreeg niet veel aandacht onder zijn voornaam, dus werd een nieuwe persona uitgevonden als dekmantel voor zijn werk. Deze nieuwe persona was die van de beroemde maar volledig fictieve Amerikaanse fotograaf Robert Capa, die op dat moment zogenaamd door Europa aan het touren was. Klanten vonden het geweldig. Al snel stroomde het werk binnen en Capa was op weg om een fotografische legende te worden.
Dit betekent niet dat je moet stoppen jezelf te zijn om succesvoller te zijn als fotograaf. Het betekent alleen dat je soms een beetje creativiteit naar buiten moet brengen als je jezelf als artiest verkoopt. Werk in zekere zin aan het creëren van je eigen identiteit als fotograaf. Cultiveer je eigen stijl. Zorg ervoor dat je alleen je beste werk laat zien. Vertel het verhaal van de foto in plaats van hem alleen te laten zien. Wees charismatisch en gastvrij voor uw klanten en wees niet bang om positief (niet opschepperig) over uzelf en uw werk te spreken.
Wees niet altijd geobsedeerd door technische perfectie
Dit kan een zeer moeilijke taak zijn om te beheersen. Het is gemakkelijk om verstrikt te raken in het precies goed krijgen van je diafragma of ervoor te zorgen dat er niet te veel korrel is bij die ISO. Als het gaat om fotojournalistieke beelden, zoals straatfotografie, moeten de emoties en de sfeer van een scène of onderwerp je eerste aandacht trekken. In de hoeveelheid tijd die nodig is om die focus aan te passen, kan het moment voorbijgaan. Het belangrijkste is om jezelf te leren dat een goede belichting van een geweldig moment bijna altijd een geweldige belichting van een middelmatige scène zal overtreffen.
Dit schot had beter gefocust kunnen zijn, maar ik heb misschien de blik van concentratie gemist.
Mentor degenen die willen leren
Dit is een biggie, en misschien wel een van de belangrijkste dingen die je van Robert Capa kunt leren om jezelf te helpen groeien als fotograaf. Capa besefte dat fotografie nooit vooruit zou komen als er geen nieuwe fotografen zouden komen om de plaats van hemzelf en zijn collega's in te nemen als hun tijd verstreken was. Dus besteedde hij een groot deel van zijn tijd aan het netwerken met en het onderwijzen van andere fotografen in het vak.
Wanneer je mentor bent of op een andere manier van jezelf geeft om een nieuwe fotograaf te helpen zichzelf te verbeteren, heb je misschien onbewust een enorme impact op de kunst van fotografie. Waardering voor het doorgeven van fotografische principes en technieken is misschien wel de grootste bijdrage die een fotograaf aan de wereld kan leveren.
Jerry Uelsmann
Afbeelding met dank aan Indiana University
Om te zeggen dat deze volgende fotograaf een interessant persoon is, is zowel correct als een ronduit ontoereikende beschrijving. Jerry Uelsmann, geboren op 11 juni 1934 in Detroit, is een van die grote artiesten die net onder de radar van de mainstream vliegt, maar wiens werk echt uniek en inspirerend is. Zoals velen was zijn opkomst in de fotografiewereld traag en nauwgezet. Hij ontdekte fotografie als tiener. Naar eigen zeggen geloofde hij dat hij door het maken van foto's in staat was buiten zichzelf te leven en in een wereld te leven die hij zelf had gecreëerd.
Hij zou uiteindelijk diploma's behalen aan meerdere hogescholen en uiteindelijk merkte hij dat hij begin jaren zestig fotografie doceerde aan de Universiteit van Florida. Zijn carrière kreeg een kickstart in 1967 toen hij een solo-fototentoonstelling kreeg in het Museum of Modern Art in New York City.
Jerry begon zijn werk ongeveer dertig jaar voorafgaand aan de komst van fotobewerkingssoftware zoals Photoshop. Hij werd beroemd door zijn productie van zeer surrealistische en gemanipuleerde zwart-witfoto's. Hij deed alles in de donkere kamer - met behulp van vele verschillende negatieven met maximaal twaalf vergroters, die hij vervolgens letterlijk op elkaar 'laagde' om zijn eindproduct te maken. Veel van zijn afbeeldingen combineren elementen van de natuurlijke wereld, maar ook humanistische voorstellingen en door de mens gemaakte objecten.
Lessen die je kunt leren van Jerry Uelsmann
Wees niet bang om na te visualiseren
Als je net begint met fotografie, heb je waarschijnlijk enkele sleutelzinnen keer op keer gehoord. Een van de belangrijkste is die van pre-visualisatie. Leraren en schrijvers (waaronder ikzelf) houden ervan om poëtische analogieën te verwoorden of te schrijven over wat het betekent om een afbeelding te 'zien' voordat de sluiter wordt ontspannen. Hiermee wordt bedoeld dat je jezelf kunt leren een foto mentaal te componeren, in te lijsten en te verwerken voordat deze ooit is gemaakt. Het maken van foto's geeft zoveel meer voldoening als je eenmaal deze moeilijke, maar essentiële fotografische vaardigheid hebt ontwikkeld.
De keerzijde van die medaille is iets waar zelden over wordt gesproken, maar het is niettemin interessant en zet aan tot nadenken. Waar we het hier over hebben, is de handeling van post-visualisatie. Dit kan worden gezien als precies het tegenovergestelde van het vooraf visualiseren van een foto, maar het is niet zo eenvoudig. Uelsmann is letterlijk de oorspronkelijke meester van dit proces. Hij fotografeerde verschillende objecten en scènes, met de uitdrukkelijke bedoeling om later een voltooid werk te maken waarin elementen van elk samensmelten. In wezen zag hij de voltooide foto nadat hij al een reeks anderszins niet-gerelateerde afbeeldingen had gemaakt.
Probeer post-visualisatie zelf uit. Bekijk enkele van je oude afbeeldingen en kijk of het verstrijken van de tijd je helpt om er op een nieuwe manier naar te kijken. Zoek naar verschillende uitsnedes die de afbeelding sterker kunnen maken. Kijk of een afbeelding het goed doet in zwart-wit en experimenteer met de schaduwen. Tweak de witbalans en verander de sfeer van een foto volledig. Dat is echt alles wat post-visualisatie is; kijken naar iets dat al bestaat en zien wat het nog meer zou kunnen worden.
Een afbeelding die ik meer dan vier jaar geleden heb gemaakt.
Hier zien we het op een heel andere manier na wat recente creatieve verwerking.
Vervul uw visie
Blijf trouw aan je visie. Dat is de sleutelzin die u van dit punt moet wegnemen. Uelsmann maakte beelden die voor sommigen moeilijk te begrijpen waren. Ze werden niet gemakkelijk geaccepteerd en de technieken die hij gebruikte, werden door sommigen als niets anders dan bedrog gezien. Toch produceerde hij de beelden die hij wilde, ongeacht welke manipulatie hij moest doen in de donkere kamer.
Doe wat je moet doen. Of het nu gaat om nabewerking, filters, funky randen, rare kleurselectie - alles. Het is misschien niet naar ieders wens, maar dat is het mooie van fotografie. Doe wat nodig is om het beeld te bereiken dat u wilde maken.
Je zult falen, maar je bent geen mislukkeling.
Jerry Uelsmann is een klassiek geval van iemand die weigerde op te geven. Hij bleef proberen ondanks zijn aanvankelijke moeilijkheden op school en de slechte acceptatie van zijn vroege werk. In plaats van de deuren van zijn donkere kamer voorgoed te sluiten, besloot hij door te gaan. Het maken van beelden die hem ontroerden was zijn doel en hij liet zich niet tegenhouden door de wrijving van het leven.
De aard van zijn werk, dat aanvankelijk onaangenaam was, begon mensen te waarderen. Dus als je vastzit aan een project, problemen hebt met een klant, of zelfs als je camera onleerbaar lijkt, denk er dan aan om door te gaan. Niets dat de moeite waard was om te doen, was ooit gemakkelijk.