De 50 tips voor videobewerking die volgen zijn het resultaat van vele jaren videobewerking, vele uren onderzoek en het leren van talloze fouten. Ik hoop dat u deze tips kunt toepassen op uw eigen bewerkingsprojecten om de kwaliteit van uw werk te verbeteren en uw snelheid en efficiëntie te verhogen.
Als u de tips liever als e-book in pdf-formaat wilt downloaden, kunt u ze hier openen.
Veel plezier!
1. Houd het tempo gepast - te snel en je verliest mensen, te langzaam en je zult ze vervelen
Als algemene regel geldt dat het beter is om een scène te snel te knippen dan te langzaam. Er is niets erger dan je publiek te vervelen. Dat gezegd hebbende, mensen verwarren door een scène te snel af te spelen is een goede tweede.
2. Bepaal wat de scène drijft en begin met het bewerken ervan
Wanneer je iets begint te bewerken, zoek dan uit welk element het naar voren zal stuwen en gebruik het als de ruggengraat van je stuk. Soms is het het ritme van de muziek, soms is het een dialooggesprek, soms is het een opeenvolging van shots en soms is het een motief zoals een insert-shot van een tikkende klok die om de paar seconden verschijnt. Wat het ook is, plaats eerst de "driver" in uw tijdlijn en laat deze de rest van het bewerkingsproces informeren.
3. Gebruik reactieschoten
Reactieshots doen meer dan alleen laten zien wat een personage denkt of voelt over een bepaalde gebeurtenis. Ze suggereren ook wat de kijker zelf zou moeten voelen - of het nu angst, shock, lust etc. is. Bovendien geven reactieshots de kijker een moment om de dingen te verwerken terwijl ze zich voordoen. Als op de beelden alleen twee boksers te zien waren die het in een ring uitsloegen zonder af en toe een reactie van het publiek te maken, zou de kijker snel ofwel overweldigd worden door de constante actie of er gewoon immuun voor zijn.
Geen van beide is goed. Dit geldt voor comedy, horror en zowat elk ander genre dat je maar kunt bedenken.
4. Tijd comprimeren om verveling te voorkomen
Niemand wil iemand helemaal door een kamer zien lopen, een hele trap beklimmen of een hele maaltijd eten. Knip tussen verschillende camerahoeken om de tijd te comprimeren en de actie sneller gedaan te krijgen.
5. Breid de tijd uit om een dramatisch moment, grap, actiestuk, enz. te intensiveren.
Soms is een moment zo interessant, belangrijk of krachtig dat het logisch is om het een beetje uit te rekken. Op dezelfde manier dat het snijden tussen verschillende camerahoeken de tijd kan comprimeren, kan het ook worden gebruikt om het uit te breiden. Door hetzelfde evenement vanuit meerdere hoeken te laten zien, kun je het effectief uitspelen op een manier die langer duurt dan het in werkelijkheid kostte. Een goed voorbeeld hiervan kan een honkbalspeler zijn die op de plaat stapt en een homerun slaat. De tijd en opwinding van het hele evenement kan worden verlengd door veel verschillende shots van de slagman, zijn gezichtsuitdrukkingen, de werper, het publiek en verschillende hoeken van het veld, de swing en de hit te gebruiken. Veel spannender dan het in "realtime" te spelen.
6. Onthoud de verhaal- en karakterbogen
Onthoud altijd wat er is gebeurd, op dit moment gebeurt en nog steeds niet is gebeurd, terwijl je tijdens een film lijnen en takes van je personages aan het bewerken en selecteren bent. Zorg ervoor dat de ontwikkeling van een personage goed door het verhaal stroomt.
Je wilt bijvoorbeeld niet dat een personage te zelfverzekerd lijkt als hij die eigenschap nog niet heeft ontwikkeld door de gebeurtenissen in de film. Als je ooit een beetje hulp nodig hebt om bij te houden hoe je verhaal verloopt en je personages zich ontwikkelen, volgen hier enkele handige tips voor het bewerken van films. Vind alle scènes die je al hebt geknipt, samen met het personage waaraan je werkt. Leg ze naast elkaar in de volgorde waarin je ze in de film hebt en bekijk ze. Op deze manier zie je heel snel de voortgang en ontwikkeling van een personage, zonder dat je je hele film hoeft te kijken en heb je snel een idee of de volgorde van ontwikkeling zinvol is of moet worden aangepast.
7. Gewoon blijven knippen
Soms beginnen de ideeën pas te stromen als je iets op je tijdlijn begint te zien. Als je een creatieve wegversperring tegenkomt, geef dan niet op. Blijf gewoon bewerken en verschillende manieren proberen om een scène, promo, wat dan ook aan te pakken. Uiteindelijk zul je iets doen dat je zal inspireren en je op het juiste pad zal brengen.
8. Match cuts werken voor zowel beeld als audio
Iedereen heeft wel eens een foto gezien van de ene scène met een close-up op een oogbol naar een andere scène met een foto van vergelijkbare grootte van de zon - of een variatie op dit type foto-match-cut. Maar vergeet niet dat je ook gesneden audio kunt matchen. Hier is een voorbeeld.
In scène A zegt een vrouw:"Ik zou nooit iets uit uw winkel stelen, meneer. Welnu, de enige persoon die ik zelfs ken die iets heeft gestolen is ..." - cut naar scène B waar een man "Fletcher!" roept, wijzend op de jongere broer van de vrouw terwijl hij een winkel uit rent met een tv-toestel. Match cuts voor audio zijn een geweldige manier om ideeën tussen scènes met elkaar te verbinden. Wees creatief — er zijn veel mogelijkheden.
9. Eerst ruw snijden, dan verfijnen
Maak je geen zorgen over het werken aan de kleine details van een snit terwijl je het voor het eerst opmaakt. Breng eerst je ruwe structuur in kaart en begin dan met het finetunen van frames en audio. Dit geeft je de meest creatieve snelheid en flexibiliteit terwijl je het stuk maakt, zonder in details vast te lopen.
10. Knip shots in een dialoogscène tussen clausules, ademhalingen of vlak voor intense leveringen
Maak gebruik van pieken in intensiteit tijdens een dialoogscène, maar ook van momenten van pauze of bezinning. Het zijn allemaal goede, natuurlijke punten om van het ene personage naar het andere te knippen, waar de snede grotendeels onopgemerkt zal blijven.
11. Bezuinigen op beweging
Dit is een van de meest fundamentele tips voor videobewerking die er zijn. De eenvoudigste manier om een snede onzichtbaar te maken, is door tijdens een of andere beweging te knippen. Dit kan de beweging van een personage zijn, zoals een hoofdomwenteling, een handgebaar of een stoot. Of u kunt de beweging van de camera zelf verminderen. Vaak zal de camera pannen, dollen, kantelen en rond het scherm draaien. Door deze bewegingen te verminderen, worden je bewerkingen gemaskeerd en ontstaat er een meer naadloze ervaring voor de kijker.
12. Motiveer uw bezuinigingen
Wanneer bezuinigingen gemotiveerd zijn, zullen ze natuurlijker lijken en zullen ze de kijker niet schrikken. Gebruik dit in uw voordeel om een soepel stromend stuk te creëren. Een eenvoudig voorbeeld hiervan is een close-up van het gezicht van een personage terwijl hun ogen buiten het scherm kijken, waardoor ze worden gemotiveerd om iets te snijden waar ze naar kijken.
13. Gebruik opnames invoegen
Insert shots zijn close-up shots van items in een scène (een set sleutels op de toonbank die de hoofdpersoon gewoon vergat mee te nemen toen hij haastig het appartement uitrende) of zeer specifieke acties die plaatsvinden (een met de hand een glas wijn van tafel oppakken). Invoegen van foto's kan helpen om scènes over te zetten, vollediger te definiëren wat er aan de hand is door de aandacht van een kijker te vestigen en informatie over een omgeving te geven door de details te tonen die erin aanwezig zijn. Insert-shots bieden ook een grote diversiteit aan shotcomposities binnen een cut, waardoor de eentonigheid van medium shots die een stuk kunnen plagen, wordt doorbroken.
14. Kijk naar de ogen van een acteur om te weten wanneer je moet snijden
Over het algemeen geven de ogen van een acteur je een goede indicatie wanneer het tijd is om weg te snijden naar een ander personage, een object in de scène of gewoon naar een andere camerahoek. Een oogbeweging kan worden gezien als een kleine versie van het snijden op beweging, maar ook als een manier om een bewerking te motiveren. Als je niet zeker weet wanneer je moet knippen, kijk dan naar de ogen!
15. Gebruik camerabewegingen voor sneller tempo
Een geweldige manier om de indruk van intensiteit en actie te wekken, is door gebruik te maken van camerabewegingen. Het is duidelijk dat de beschikbaarheid van opnamen met een bewegende camera tijdens het filmen wordt bepaald, maar als je ze tot je beschikking hebt en de actie een beetje wilt opvoeren, vergeet dan niet om ze te gebruiken. Bovendien, wanneer u van de ene bewegende opname naar de andere knipt, snijdt u automatisch altijd op beweging en heeft u dus meer mogelijkheden om soepele bewerkingen uit te voeren. Als gevolg hiervan kunt u de duur van individuele opnamen verkorten en het tempo ook op die manier versnellen.
16. Jump cuts zijn niet altijd slecht
Het publiek is nu vergevingsgezinder. Een decennium of twee geleden was het een vaste regel dat je nooit een sprongetje moest maken. Niet meer zo. Natuurlijk kan een sprong in een emotionele, dramatische scène nog steeds een beetje ongemakkelijk en afleidend zijn. Maar jump-cuts in actie, horror en zelfs komedie zijn veel acceptabeler geworden dan voorheen. Jump-cuts kunnen je stuk een edgy, stilistisch gevoel geven en ook dienen als een middel om het publiek bang te maken of te verrassen. Maar zoals met de meeste dingen, is de truc om ze niet te veel te gebruiken.
17. Knippen als je kijker wordt afgeleid
Deze videobewerkingstip is een beetje algemeen, maar ik wilde hem toch opnemen omdat hij een belangrijk overkoepelend concept illustreert. Of je nu snijdt in beweging, grote geluiden of intense momenten, de sleutel is om over het algemeen te snijden wanneer je kijker wordt afgeleid. Zie het als een goochelaar die zijn publiek afleidt met uitspattingen en verhalen, en hun aandacht afleidt van de vingervlugheid achter de schermen die zijn truc opzet. Deze tip zal je uitstekend begeleiden in talloze bewerkingssituaties.
18. Fades naar zwart starten nieuwe scènes — cross-dissolves geven aan dat de tijd verstrijkt
Dit is een vrij eenvoudige tip, maar goed om te onthouden. Er zijn veel editors die een van deze effecten proberen te vermijden - omdat ze geloven dat een goede bewerking kan worden gemaakt met goed gemotiveerde rechte sneden. Ik geloof echter dat vervaging en oplost nog steeds hun plaats hebben in de juiste omstandigheden. Zorg er wel voor dat je ze spaarzaam en correct gebruikt.
19. Zorg ervoor dat de camerahoeken tussen vergelijkbare opnamen ten minste 45° veranderen
Als u van een opname naar een andere opname van hetzelfde onderwerp moet knippen, zorg er dan voor dat de hoek van de nieuwe opname minimaal 45° verschilt van de eerste. Anders zal de snede schokkend zijn en eruitzien als een vergissing. Als je niet in een voldoende andere hoek kunt knippen, probeer dan weg te snijden naar een ander onderwerp - of overbrug de kloof met een invoegopname.
20. Varieer uw camera-afstand bij het maken van opnamen van hetzelfde onderwerp
Dit is vergelijkbaar met de vorige regel. Tenzij je stilistisch iets snijdt, is het het beste om een substantiële verandering in de camera-afstand te hebben wanneer je in of uit hetzelfde onderwerp snijdt. Probeer bijvoorbeeld niet van een extreme close-up naar een close-up te knippen. Probeer in plaats daarvan van een ECU naar een medium of wide shot te gaan. Het zal een beetje natuurlijker aanvoelen en helpen om de snit dichter bij onzichtbaar te houden - wat meestal het doel is.
21. Gebruik oplost op kop en staart van audio om ploffen te voorkomen
Bijna alle bewerkingssoftware heeft een vrij snelle manier om audio-fades en -oplossingen toe te passen. Gebruik deze aan de randen van je audioclips om geluidseffecten, dialogen, kamergeluiden, muziek enz. vloeiend in en uit te laten gaan. Zelfs als je alleen ruimte hebt om een 1 of 2 frame-oplossing toe te passen nadat een woord is uitgesproken, gebruik het dan. Deze oplossingen maken je audiomix gladder en voorkomen "ploffen".
22. Dip muziek en geluidseffecten onder dialoog
Als je dialoog en vertelling moeilijk te horen zijn, zal de kijker even in de war raken als ze proberen te begrijpen wat er net is gezegd. Dit is vermoeiend voor de kijker en leidt uiteindelijk tot frustratie, verlies van interesse en moeite om helemaal op te gaan in het stuk.
23. Gebruik geen goedkope VFX
Niets schreeuwt meer "amateur" dan sterrendoekjes, glitterflares en paginakrullen. Vermijd deze effecten als de pest, tenzij je video bedoeld is om er retro/cheesy uit te zien.
24. Time je muziekbewerking voor maximale impact
Sla je muziek op tot belangrijke momenten en begin deze dan af te spelen - of bewerk de muziek zodat de grootste, meest intense delen ervan op de juiste momenten in de opname voorkomen. Het zal de kijker aansporen en hen laten weten dat wat ze kijken op de een of andere manier belangrijk is, of het nu is omdat een moment spannend is en er iets engs staat te gebeuren of dat wat ze zien een belangrijk onderdeel van het verhaal is.
Natuurlijk zijn er tal van uitzonderingen op deze regel, maar als je je best kunt doen om wat spaarzaam met muziek om te gaan, zal het veel meer impact hebben in je stuk.
25. Gebruik indien nodig compressoren voor dialoog en gesproken tekst
Compressoren dienen om de hoogte- en dieptepunten van een stukje audio te egaliseren. Ze hebben veel toepassingen, maar een van mijn favorieten is om een lichte compressor toe te passen op dialoog- en verhaallijnen die anders moeilijk te horen zouden zijn in secties met veel andere geluidseffecten of muziek. De compressor versterkt enkele van de lagere niveaus in de dialoog, zodat woorden niet verloren gaan of verkeerd worden verstaan. Pas wel op dat je de compressor niet te hoog draait, anders krijg je een heel kunstmatig klinkende robotspraak.
26. Zorg ervoor dat uw audioniveaus niet pieken
Dit is een van de basistips voor het bewerken van films, maar het is gemakkelijk om het uit het oog te verliezen. Let vooral op tijdens scènes met veel actie of angst, omdat de onvermijdelijke meerdere audiotracks je mix heel snel in het rood kunnen duwen.
27. Mix altijd in stereo of beter — nooit mono
Mixen in stereo geeft je de mogelijkheid om audio naar links en rechts te pannen voor koelere geluidseffecten (auto's die voorbij rijden, een spraakoproep van buiten het scherm, enz.). Stereomixen hebben over het algemeen ook de neiging om minder modderig te klinken en je wat meer audioruimte te geven voordat het begint te pieken.
28. Gebruik reverb en d-werkwoord om beltonen te creëren bij muziekstops
Dit is echt een coole truc die altijd in de trailerindustrie wordt gebruikt, maar het is handig voor alle soorten bewerkingen. Als je wilt dat je muziek stopt op een punt voor het natuurlijke einde, maar je wilt niet dat het te abrupt klinkt, probeer dit dan. Zoek een downbeat van de muziek in het gebied waar je wilt dat de muziek eindigt. Haal alles uit dat muzieknummer na de beat en pas een d-werkwoord of reverb-effect toe op de nu laatste beat. Verander de lengte en het type van het werkwoordseffect, afhankelijk van hoe lang je wilt dat de ring-out duurt. Dit geeft je een mooie, schone muziekstop die oplost en niet abrupt klinkt. Geweldig om te stoppen op een moment van impact of vlak voordat een grap wordt geleverd.
29. Gebruik audio om scènes over te zetten
Een goede video-overgangstip is om de audio van de volgende scène onder het einde van de stroming vooraf te laten lopen. Als twee mensen bijvoorbeeld een gesprek in hun appartement beëindigen en besluiten een reis naar Parijs te maken, vervaagt geleidelijk het geluid van een vliegtuig dat landt onder de video van het einde van hun gesprek. Dan kun je naar het vliegtuig gaan dat landt in Parijs zonder dat het te plotseling of onverwacht lijkt. Dit lijkt erg op het motiveren van een snit, in die zin dat het je kijker een signaal geeft en laat weten wat ze kunnen verwachten, zodat ze niet verwarrend of onbedoeld verrast worden.
Er zijn veel meer creatieve manieren om audio te gebruiken om tussen scènes over te schakelen, maar dit is een van de meest elementaire en nuttige manieren.
30. Gebruik geluidsontwerp om momenten vorm te geven en spanning op te bouwen en los te laten
Je hoeft niet altijd alleen op je muziek te vertrouwen om de sfeer van een scène te ontwikkelen. Wees niet bang om drones, hits, metalen gekreun en andere nuttige geluidsontwerpelementen te gebruiken om de sfeer van een scène op te bouwen en de emoties van je kijker te sturen. Het effectief gebruiken van geluidsontwerp vergt wat oefening, maar het stelt je in staat om in wezen als componist te fungeren terwijl je aan het bewerken bent en echt controle te krijgen over stemming en toon.
31. Sneltoetsen aanpassen en gebruiken
Iedereen heeft zijn eigen manier om met een computer te werken, maar sommige zijn gewoon sneller. Ik heb altijd gemerkt dat het gebruik van sneltoetsen bij het bewerken - of iets doen op de computer - de snelheid waarmee een editor kan werken DRASTISCH zal verhogen.
Over the years, I have gradually fine-tuned my method for setting up my hot-keys in a particular software package. Now, the general rule I try to follow is to map all of my shortcuts to one half of the keyboard. That way, my left hand can stay in the same location on the keyboard and have access to all my keyboard shortcuts without having to move. My right hand will always be on the mouse, clicking and dragging around the timeline as needed. For maximum speed, I try to eliminate 95% of mouse clicking whenever possible. It takes a bit of getting use to but you’ll be amazed how much more quickly and effortlessly you can work.
32. Organize your source materials
This is crucial.
Unless you’re working on a very small project, you MUST organize your source materials. This includes all your video footage, your music, your narration, your sound effects, your graphics and anything else you might need. Particularly with the footage, you’ll want to organize it either by scene, character, location — whatever makes the most sense depending on your project and the type of piece you’re cutting. For a feature, it makes the most sense to organize by scene numbers. For promos, you’ll probably want to organize by types of shots and characters, since the footage will serve as more of a painter’s palette than a chronological storyboard.
However you choose to do it, just make sure you’re organized. Otherwise you’ll quickly become overwhelmed, make weaker editing decisions and miss out on editing opportunities that you may have seen if you had better access to your source materials. Trust me, it’s worth the initial time investment.
33. Mark your favorites
As you look through and organize your footage, keep notes of your favorite lines, takes, shots etc. Your initial reaction to seeing these materials will often be the most genuine and unbiased, most closely-reflected how the audience will perceive it. It’s important for you to make notes on your thoughts and impressions during this objective phase to help guide you later on in the process when things get a bit more…messy.
34. Save commonly used effects and plugin settings to a bin
Often when working on a project, you’ll find that you need to use the same types of effects multiple times. These could be time-warps, picture zooms, white flashes, audio effects etc. Rather than recreate them from scratch each type, create a bin or folder contain the presets for each of these effects so you can just drag them onto your clips as needed. This will save you quite a bit of time while editing, allowing you to focus on more important things.
35. Zoom in on the timeline
A common mistake many editors make is forgetting they can zoom in on their timeline. To properly fine-tune a cut, a music edit, whatever…you need to zoom in. By trying to work on a section of your piece without focusing the timeline on it, you’ll create two main problems.
First, you’ll become distracted by everything else that’s going on within your field of view. Sounds crazy, but it’s true. Editing can be very overwhelming at times because of the large amount of materials and edits that you’ll have going on. Zooming in not only focuses your timeline but your attention as well. Second, in order to make the small adjustments and tweaks to picture and audio you need to having a fine level of control. You don’t have that frame by frame accuracy when zoomed out and you’ll end up making incorrect adjustments to things and messing with an edit far longer than you need to.
Even after editing for many years, I still sometimes catch myself forgetting to focus in on a section I’m working. Get into the habit of zooming in and you’ll be surprised how many problems it solves.
36. Use two monitors when possible
For a long time, I edited using only on one monitor. I crammed my timeline, my bins, audio meters, and video windows all on the same screen. When I finally decided to add a second monitor and space things out a bit, there was no turning back. A good two monitor setup involves placing all of your clips, music, bins, audio meters and other tools on the left monitor. On the right monitor, put your timeline and your video windows. The extra screen space will help you with organization as well as provide more room to manipulate the materials on your timeline.
On many projects, I end up with up to 5 video tracks and 24 audio tracks. While the extra monitor is not a necessity, without it things would get a bit tight!
37. Avoid parallel edits
This is one of the classic video editing tips that bears repeating. Cutting from one shot to another at the exact same moment you cut the associated audio is often a bad idea. Since the goal of most edits is to create a smooth, uninterrupted experience for the viewer, you want to minimize jolts and bumps along the way. By cutting both picture and audio at the same time, you’re causing the viewer to adjust to two changes at once, which they’ll often notice. Instead, do what’s referred to as an L cut or J cut — also called pre-lapping and post-lapping.
This means, start the audio for the next shot slightly before you cut the picture to it. Or, cut to your next shot, slightly before the audio begins — this is good to capture reactions of the listener during a dialogue scene. It takes a little practice to get right but will give your cuts a much more professional feel.
38. Use multiple camera angles and shots with fast cutting to build intensity and impact
A great way to create a frenetic and fast-paced sequence is to show the action from multiple angles. Cut quickly from wide to medium to close shots as movement occurs to give a sense of speed and impact. This is particularly important in action scenes like fights or car chases. Just make sure to give your viewer a chance to rest every once in a while by cutting to a wide shot or the reactions of other people watching the action.
39. Vary your pacing and sound levels to create contrasts
A great deal of what makes things interesting in life is contrast. Video editing follows the same rules. By varying the pacing of scenes or the intensity of moments, you’ll create a rhythm in your piece that prevents the viewer from becoming over or under-stimulated. Audio works the same way. A loud scene or moment will have more impact when it follows a quiet one. Conversely, a whispered comment between characters will seem that much more intimate and personal when it follows loud action or music.
Use contrast to accentuate moments and really carve out the peaks and valleys of your cut.
40. Duplicate your timeline and save multiple versions
Any time you’re going to make substantial changes to a sequence — which might not end up working well — try to remember to duplicate your sequence. There’s nothing worse than making a bunch of edits, realizing that you just messed up something that was already working and finding that you can’t “undo” back far enough to restore it. If you make multiple copies of your sequence, you’ll rarely lose work and will have less fear of trying new things. And don’t forget to label them with what’s unique about them. A simple note like “different opening scene – no music” will help you remember what is different about the sequence in case you need to reference it later on.
41. Fake camera movement when necessary
Sometimes you really wish a shot had a slow push in on a character’s face during a dramatic moment but it wasn’t shot that way on the set. Don’t be afraid to add a slow animated resize or zoom to the clip to fake it. Something like 100% zoom to 103% zoom. Just make sure you don’t zoom in so far that the quality of the image starts to degrade. Experiment with faking lots of different types of camera movement.
You’ll be surprised at how much production value and impact you can add to shots that were otherwise a bit boring.
42. Use cross-cutting to build intensity
A great way to create suspense and anticipation is to make sure of cross-cutting. Cross-cutting is simply when you cut back and forth in between two events occurring in different locations or at different times. A great example of using this technique to build intensity would be to show a burglar creeping around outside a house at night and breaking in. In between shots of him approaching, entering and stalking through the house, you’d cut to shots of the homeowner asleep in their bed or perhaps in the shower, unaware of the danger that’s approaching.
43. Use room-tone and ambiance to smooth out your dialogue
When a character has finished delivering a line and another character is about to speak, there is often a bit of space or “dead air”. Depending on how the audio was recorded, there can be a noticeable absence of background hum and noise in between the lines. A good way of smoothing out these gaps is to find a section of the recorded audio track where the characters aren’t speaking but the microphone still picked up the general ambiance of the room or environment. Take a piece of this background noise and cut it in between the lines from the two characters and put small audio dissolves in-between everything. This will create a more seamless transition from one line to the next.
44. Turn up the volume when mixing
When it comes time to mix your audio, turn up the volume a bit. You shouldn’t be straining at all to hear your piece. In fact, you’ll want it to be pretty loud so you can really feel the impact of certain moments and make sure they’re playing as you intended. If you don’t want to disturb those around you, invest in a good pair of closed-ear headphones.
45. Give the audience time to laugh or think after jokes and important moments
After a funny joke is delivered, the audience will probably laugh a bit. In the case of really funny moments, the laughter might be so loud that any lines occurring directly after the joke will go unheard. Be sure to allow ample time for the audience to regain composure before presenting any additional important information or dialogue. The same goes for moments that might require the audience to think about something or realize what’s going on. For example, if a boy gets an angry phone call from his girlfriend and she breaks up with him, give the audience a chance to watch his reaction to the news and discover whether he’s upset — or relieved.
46. Total silence feels unnatural
Silence is anything but silent. When you’re mixing audio, remember that there is almost always some sort of noise in the real world and a complete absence of sound in a section of a cut will feel very unnatural.
A great example of this would be a war scene when a grenade explodes close to a character. It doesn’t injure the soldier but it’s so loud that he temporarily goes deaf. A complete absence of sound here would feel strange, but a high-pitched ringing in his ears and the muffled, quiet, echoed sounds of gunfire and yelling around him would give the impression of silence but in a much more natural way.
Even when human beings are placed in completely quiet anechoic chambers, they can still hear the high-pitched sound of their own nervous system and their heartbeat. To human perception, is no such thing is 100% silence.
47. Scene audio and sound effects should describe the setting or further the story
When deciding what elements of a scene’s audio to include in your mix, remember you don’t have include everything. Only include the ambiance and sounds needed to establish your environment and also to give the viewer clues as to the story you are telling.
If the scene opens in a room with a woman sitting in a chair looking uneasy and mildly annoyed, we might hear the sounds of traffic outside her window and the clock ticking. What we would soon find out is that she has been waiting for her husband to come home for dinner for over an hour and the passing of time is the relevant story point we should be aware of.
48. Edit a documentary with only audio at first
A great video editing tip when editing a documentary is to almost treat it like a radio cut at first. That is, find the narration and dialogue lines that tell the story you’re trying to get across and assemble them all on your timeline. Once you’ve got your story told effectively, then you can start adding in video footage of the interviewees on camera, b-roll of related imagery, graphics and beauty shots. By editing a documentary with only audio at first, it allows you to focus on what’s most important, the message.
49. Stay objective
Remember what your audience knows and doesn’t know. It’s easy to get so familiar with your material that you forget your audience might need a bit of extra information and hand holding to know what’s going on. Providing too little information will leave you viewer confused and important moments won’t have the desired impact. Conversely, too much information will make your film or piece feel unintelligent or made for children — so find the right balance.
50. Carefully sync your sound and music to picture
The human brain is amazing adept at detecting mismatches between audio and video. Even the difference of 1 frame — or 1/30th of a second — is noticeable under certain circumstances.
Be very careful when using sound effects and music that have very sharp attacks or well-defined beats. When these sounds and beats are meant to sync up with a particular visual such as a punch or a baseball hit, being off by even a frame can feel strange and detract from the impact of the event. Some software will even allow you to edit audio on the perf level, which can be as fine as 1/4 of a frame.
These details may seem insignificant but a sync problem causes your viewer to lose focus on the scene and takes them out of the immersive experience of your cut — which is a big problem.
————
Thanks for taking the time to read through these video editing tips. I hope these rules will be as helpful to you as they have been to me over the years.
Got any great video editing tips you’d like to share?
Please post them in the comments below!