Eric Alexandrakis wordt in de film- en televisiewereld bekend als een meester in geluid vanwege zijn unieke benadering van filmmuziek. Met een hernieuwde GRAMMY®-nominatie in 2019 voor Best Spoken Word Album (I.V. Catatonia:20 Years as a Two-Time Cancer Survivor), krijgt zijn innovatieve benadering van muziek veel aandacht.
Alexandrakis is geen nieuwkomer. Zijn film "Psychogenic Fugue" met John Malkovich in de hoofdrol, geregisseerd door Sandro Miller, stond in 2017 op de Cannes Lions Shortlist. Psychogenic Fugue (2017) opende in november ook het Festival Internacional de Cine de Cartagena en verovert de wereld stormenderhand. Er is een onmiskenbare visuele aantrekkingskracht op de verschillende herhalingen van de personages van Lynch door Malkovich.
Imitatie, hercreatie of commentaar?
Het is fascinerend om te zien hoe Malkovich naadloos in zoveel persoonlijkheden stapt tegen de score van Eric Alexandrakis, die de hoogte- en dieptepunten van elke scène accentueert. Samen roept de film de vraag op:is imitatie echt de hoogste vorm van vleierij?
In een vroeg vignet verschijnt Malkovich zwaaiend op het podium in een witte jurk en gezichtsprothese. De soundscape roept herinneringen op aan een carnaval en wordt dan donker, terwijl het vibrato van een pijporgel wordt versterkt - het klinkt net als een begrafenisdienst. Malkovich begint te lipsynchroniseren "in de hemel, alles is in orde ”, (Alan Spiet, 1977). Het is een verontrustende recreatie van Lady in the Radiator, maar het is de bedoeling. Het is geen feelgoodfilm, maar wel geniaal.
Net als het origineel is de scène in zwart-wit opgenomen. De bepalende kenmerken zijn bijna identiek, tot aan de gebloemde sjerp aan de linkerkant van Malkovich' jurk. In feite is de enige opvallende verandering de stem van de zanger. In de oude versie had ze een licht zuidelijk accent, maar meegaan met de tijdgeest is dat nu niet meer. Ze klinkt een beetje als Halsey.
The Lady in the Radiator zingt over de hemel, maar kijkers die niet bekend zijn met Lynch' werk kunnen het niet helpen, maar vragen zich af of ze echt in de hel is. Is dat radiatorstof dat hard werd op haar gezicht? Misschien is de hemel gewoon een gemoedstoestand waarin niets je stoort? Maar als dingen die je niet zouden moeten storen, is dat niet een soort hel?
Transcendentie en post-surrealisme
John Malkovich is zowel verontrustend als berekend in zijn genialiteit. De film heeft transcendente kwaliteiten, die veel verder reiken dan het domein van de performancekunst en tot ver in de metafysica. Net als veel van David Lynch' persoonlijke focus op transcendente meditatie, wordt de kijker gedwongen om de realiteit die op het scherm wordt afgebeeld tegen de achtergrond van zijn of haar eigen leven in twijfel te trekken. Eric Alexandrakis doet dit met geluid.
Hoewel sommigen Lynch' films omschrijven als surrealistisch, gebruiken ze ook een gezonde dosis post-surrealisme. Ongetwijfeld is er een brede vertegenwoordiging van wat de meeste film- en kunstcritici het onbewuste noemen (Voorhies, 2004). Zowel Lynch als Alexandrakis creëren verwondering en verkennen analogie, en maken zo de kijker bewust van zijn of haar eigen deconstructie van het kijkproces. Verwondering is een bepalend kenmerk van post-surrealisme, volgens Helen Lundeberg en Lorser Feitelson (Kinkel, 2019).
David Lynch gebruikt deze apparaten aantoonbaar voor het eerst uitvoerig besproken door Helen Lundeberg. Meer specifiek putten zowel Lynch als Alexandrakis uit wat in de kunstliteratuur vaak het nieuwe classicisme wordt genoemd (Fort, 2017). De esthetiek van Lynch vestigt ongetwijfeld de aandacht op de analoge ervaring van de kijkers en de volgorde waarin beelden worden gepresenteerd. Wat nog belangrijker is, de films van Lynch dwingen de kijker om het conceptuele en het perceptuele gelijktijdig te confronteren. Op de een of andere manier slaagt Alexandrakis erin om dit met geluid te doen.
Terecht werd Psychogenic Fugue (2017) gecreëerd om de David Lynch Foundation te ondersteunen. Het laat de kijker zich afvragen door subtiele en directe cinematografische nuances. Achter dit nieuwe werk schuilt in zijn onderbuik het gebruik van film als instrument voor transcendentie:film die film nabootst. Psychogenic Fugue (2017) begon in veel opzichten als een herexploratie (of heruitvinding) van Plato's Allegorie van de Grot.
Het is geen verrassing dat Eric Alexandrakis gehecht zou zijn aan dit baanbrekende project. In 2018 werd Alexandrakis, die samen met Pennan Brae schreef, een Gold Award-winnaar op het Queen Palm International Film Festival. In 2019 sleepte hij een nominatie binnen voor Beste Song op het Solaris Film Festival. Maar als het gaat om het succes van Psychogenic Fugue (2017), lijkt het voorwaartse momentum van Alexandrakis een combinatie van enorme bereidheid, nauwgezette planning, diep talent en het vermogen om zijn omgeving echt in zich op te nemen op een niveau dat veel mensen doen niet.
De man achter de film maken
Een groot deel van Erics leven leest als een log-line naar een populaire film. Zijn grootvader werd vermoord door nazi's en zijn vader stichtte de Universiteit van Kreta. Eric heeft twee keer met Hodgkins gevochten, dus hij weet hoe het is om alles op het spel te zetten. Zijn liedjes zijn soms reflectief, abstract en verhalend. Zijn werk is als een hoorbaar tableau.
IV Catatonia:20 jaar als een tweevoudige kankeroverlevende , waarvoor Alexandrakis een GRAMMY®-nominatie voor 2019 ontving, is niet per se een opbeurend idee (hoewel hij van plan is dat wel te zijn). De soundscape is gevuld met elementen die viscerale, kleurrijke en vaak onaangename emoties oproepen. Toch is niets aan het project ongeïnspireerd of banaal. In Psychogenic Fugue (2017) gebruikt Alexandrakis het medium geluid om de waarheden te versterken die buiten de illusoire elementen van film liggen.
Eric tegen Hodgkins
Alexandrakis vermeldt, wanneer hij herinneringen ophaalt aan zijn eerste gevecht met kanker, dat hoewel hij aanvankelijk geen pijn had, hij ook geen ziektekostenverzekering had. Het album behandelt dus ook maatschappelijk relevante kwesties.
Erics behandeling werd onderbroken door de liefde en zorg van familie en vrienden. Hij merkt echter op:"Mijn grootste metgezel was muziek ... vooral de 4-sporenrecorder waarop ik de muziek heb opgenomen. Ik heb nooit gevraagd 'waarom ik', en ik vraag nog steeds niet ... waarom iemand?"
Er komt veel bij kijken met ziek zijn. Naast de kosten van behandelingen ligt er een aangeboren behoefte om zin en doel te vinden in schijnbaar willekeurige ontberingen. Terwijl veel films kijkers een oplossing bieden voor hun ongeluk (meestal ware liefde), doen de films van David Lynch dat niet altijd. In feite, post-surrealistische films (die een comeback maken), spelen met het ietwat nihilistische idee dat het misschien nergens op slaat. Kijkers moeten betekenissen construeren voor deze films, net zoals ze een doel voor hun eigen leven moeten construeren.
Een deel van Erics audio voor zijn laatste album werd gehaald uit een "microcassetterecorder in mijn borstzak", zoals hij het uitdrukt. Er was geen speciaal proces om het geluid te wassen. Eric heeft echter wel een favoriete microfoon:"Nou, de beste microfoon is natuurlijk een [Neumann] u87, maar geloof het of niet, ik gebruik [Shure] SM57's, meestal SM58's. Ik word over het algemeen gevraagd om dingen voor mijn geluid te doen, in plaats van iets anders, dus ik kan gebruiken wat ik wil, wat een mooie luxe is, en ik hoef niet veel uit te geven aan veel apparatuur. Ik ben heel minimalistisch.”
Vroege Eric
Eric Alexandrakis studeerde aan de Universiteit van Miami, waar hij een dubbele afstudeerrichting public relations en Engelse literatuur volgde. Hij behaalde ook een Masters degree in Music Business. Maar hoe vertaalt zich dat in een carrière achter het geluid van het witte doek?
"In de zesde klas was ik de hoofdrolspeler in het stuk en speelde ik elk instrument in de band en was ik in het refrein", legt Alexandrakis uit. Hij begon ook met het spelen van klassieke piano op zesjarige leeftijd.
"Mijn vroegste herinnering is in mijn wieg toen ik Wendy Carlos Bach hoorde spelen", herinnert Alexandrakis zich.
Muziek en beeld vormden vanaf het begin een aangeboren symbiotische relatie binnen Alexandrakis. “Ik ben een heel creatief karakter en geïnteresseerd in vrijwel alles. Ik ben altijd op zoek naar antwoorden en sta altijd open voor vragen”, grapt Alexandrakis.
Slimme ideeën
“Psychogene Fuga heeft verschillende iteraties doorgemaakt voordat het uiteindelijke product werd geproduceerd. Ik benaderde de David Lynch Foundation met een concept [waaronder Sandro, John en ik] voor hun 10-jarig jubileum. Het begon met John verkleed als David Lynch die een van Davids liedjes live uitvoerde, daarna als een muziekvideo en vervolgens als een droomscenario met John die de personages van David speelde. Toen we groen licht kregen, hebben Sandro en ik binnen een week alle films van David vernieuwd.' Alexandrakis merkt op.
"Ik deed de partituur, maar we hadden ook een paar stukken van Angelo Badalamenti, The Flaming Lips en een paar andere", zegt Alexandrakis. Badalamenti staat bekend om het componeren van de soundtrack van Twin Peaks (1990). "Ik vind het gewoon geweldig hoe Sandro het regisseerde, en natuurlijk de ongelooflijke uitvoeringen van John."
“Psychogenic Fugue is opgenomen in Chicago... Ik heb de muziek gemaakt zoals ik dacht dat een moderne Lynch-film zou gaan, maar met mijn eigen draai. Op de eerste opnamedag stond ik te wachten bij een bagageband en het maakte een knapperig roestig geluid, dat ik op mijn telefoon opnam en in de aftiteling gebruikte', zegt Alexandrakis.
Wie is David Lynch?
David Lynch is driemaal genomineerd voor een Academy Award. Hij is vooral bekend door het maken van surrealistische films als Blue Velvet (1986), Eraserhead (1977), Mulholland Drive (2001) en de vroege jaren 90 Twin Peaks serie. Wat nog belangrijker is, Lynch wordt alom geprezen omdat hij zijn films vult met personages die soms bijna karikaturen lijken.
Lynch verkent regelmatig thema's als geweld tegen de achtergrond van het alledaagse. Toch is zijn werk meer dan een studie van contrasten. In veel gevallen probeert Lynch aantoonbaar opnieuw te definiëren wat we als schoonheid zien, wat op zijn beurt betekent dat hij tegelijkertijd de samenleving hervormt door zijn werk. Alexandrakis doet hetzelfde.
Lynch, Malkovich, Sandro en Alexandrakis lijken allemaal een bijzondere overeenkomst te delen:het zijn essentialisten die kunst maken om de kunst. Zoals David Lynch in de documentaire The Art of Life (2017) zegt:"Ik denk dat als je iets doet, het verleden die ideeën kan oproepen, zoals het verleden ze kleurt."
Alexandrakis creëerde het muzikale equivalent van Lynch' reflecties van uitgestrekte droomlandschappen met surrealistische uitbarstingen. Zijn werk is zowel een recreatie van de wereld zoals die is als de wereld zoals we die zouden willen hebben. De eindeloze nieuwsgierigheid van Alexandrakis vertaalt zich in een levendige, maar ook mysterieuze en schokkende score. Hij lijkt het publiek vaak met onbeantwoorde vragen achter te laten en hen uit te dagen om hun eigen oplossing te vinden.
Scoren voor film en tv
Alexandrakis heeft een unieke benadering van scoren voor film en televisie. Hij put niet alleen uit muziektheorie, maar haalt inspiratie uit alles:abstracte kunst, de geluiden van het dagelijks leven, elke ervaring en elke persoon die hij tegenkomt. Zijn omgeving is een eindeloze bron van experimenten en verwondering.
Zoals de beroemde componist David Glass opmerkt:“Een nieuwe taal vereist een nieuwe techniek. Als wat je zegt geen nieuwe taal vereist, dan is wat je zegt waarschijnlijk niet nieuw.” Alexandrakis biedt de filmwereld een vorm van scoren die we nog nooit eerder hebben gehoord.
Grit en vastberadenheid
Over het algemeen kan het scoren voor film en televisie behoorlijk veeleisend zijn. Terwijl filmeditors vaak een vooraf bepaalde tijdlijn hebben voor het splitsen en herschikken van fragmenten, moeten muzikanten die films scoren dit vaak in slechts een maand of twee doen. Er moet speciale aandacht worden besteed aan het werken aan een reeks opdrachten.
Als je muziek maakt voor film, zijn er een paar dingen waar je rekening mee moet houden. Ten eerste ben je als muzikant niet langer de leading lady. Het is jouw taak om het tempo en de emotionele hoogte- en dieptepunten van de film te accentueren. Je muziek is er om mensen te helpen voelen wat de beelden van de film ook moeten oproepen. Sommige van je hoofdpersonages hebben misschien een melodie of melodie die specifiek voor hen is. Misschien speel je het (met een beetje variatie), elke keer dat ze op het scherm verschijnen. Over het algemeen betekent dit dat je toegang nodig hebt tot — en de mogelijkheid om te spelen — meer dan slechts één of twee instrumenten.
Basisprincipes voor filmscores
Je moet centrale melodieën voor de film bouwen en vervolgens verschillende variaties hiervan in de film gebruiken. Bovendien moet je de film in kaart brengen en uitgebreide aantekeningen maken over gebieden die veel nadruk behoeven. Je werkt samen met de regisseur (en soms ook met producenten) om ervoor te zorgen dat je eindproduct aansluit bij hun visie over hoe de film eruit moet zien en klinken. Wanneer een beweging niet past bij wat er op het scherm staat, moet deze op de plank worden geplaatst (of misschien zelfs worden weggegooid).
Een van de belangrijkste dingen om te onthouden bij het scoren voor film en tv, is om je aantekeningen te voorzien van een tijdstempel. Wanneer begint en eindigt een belangrijke scène? Wanneer begint de climax? Zijn er jump-scares of fake-outs die spanning opbouwen? Je moet stukken schrijven binnen de zeer precieze tijdslimieten van deze evenementen.
Een andere geweldige techniek is het markeren van de plotpunten van de film en het creëren van muzikale begeleiding die in een gelijktijdige boog beweegt. Je moet zaken als tempo en toonsoorten in de voorhoede van je geest hebben. Als je geen muziekliefhebber bent, moet je iemand vinden die dat wel is, evenals een grote bibliotheek met royaltyvrije muziek om uit te putten. Een wijs woord:geef makers altijd de eer en controleer de uploadbron. Met andere woorden, zorg ervoor dat u geen auteursrechtwetten schendt.
Laatste overwegingen
Eric Alexandrakis heeft een paar woorden voor jonge filmmakers en muziekstudenten. "Probeer buitengewoon te zijn", zegt hij. "Iedereen denkt van wel, maar zijn ze echt... Verwerk ook alles in elke kunstvorm, leer het vak zodat je je eigen overeenkomsten kunt ondertekenen, krijg alles op schrift, oefen je vak elke dag, ga pas met een gezin samenwonen als je eenmaal gevestigd bent, want je kunt geen twee echtgenoten hebben, niet iedereen volledig vertrouwen totdat ze dat vertrouwen verdienen, vrienden maken met advocaten en een focus hebben en een stappenplan.'
Tot slot, voor Alexandrakis is muziek voor film en tv meer dan gewoon een beetje emotionele kleur toevoegen aan een paar momenten. “Muziek is niet alleen een penseel, maar het kan ook een personage zijn. Zoals wanneer je John Williams hoort in Star Wars... het zijn thema's, maar ze zijn ook een persoonlijkheid/aanwezigheid die je voelt in de actie', merkt Alexandrakis op.
Of je nu een videomaker bent met een flair voor musical of niet, het leven speelt zich af tegen een soort soundtrack - het geluid van de voetstappen van een minnaar als hij voor de laatste keer wegloopt, de eerste kreet van een baby, zelfs het geluid van een houten honkbalknuppel die op een bal slaat als je jongen zijn eerste homerun maakt. Terwijl we ons leven leiden, worden geluiden gelijktijdig met beelden ervaren, en film onderzoekt en imiteert dit merkwaardige aspect van het dagelijks leven.
Fredrick Nietzsche had gelijk toen hij de beroemde opmerking maakte dat 'zonder muziek het leven een vergissing zou zijn'. Film en muziek zijn voor altijd met elkaar verbonden. Dus, als je je meesterwerk maakt, vergeet dan de partituur niet.