Geïnteresseerd in een noemenswaardige director of photography worden? De beste plaats om te beginnen is door de grote meesters van de cinematografie te bestuderen.
Ik zal beginnen met te zeggen dat de beste manier om elk onderdeel van het filmmaken onder de knie te krijgen, is door erop uit te gaan en het te doen. Doe het en faal en probeer het opnieuw totdat je het goed doet. Hoewel dat misschien de praktische benadering is, is er zeker een meer filosofische benadering:bestudeer de kunst van het filmmaken en leer van degenen die het door de jaren heen onder de knie hebben.
Als we specifiek naar cinematografie kijken, hebben we een uitgebreide en rijke geschiedenis van legendarische regisseurs van fotografie om op terug te kijken. Ze hebben geholpen om het ambacht te ontwikkelen en hebben nieuwe stijlen en technieken gevormd. Ze zijn ook de drijvende kracht achter de innovaties die de kunstvorm bij elk project vooruit helpen.
Ik heb de kans gehad om meer dan een dozijn van de grootste filmmakers aller tijden te beoordelen, hier zijn mijn afhaalrestaurants. Ik heb veel geleerd over hoe ze hun stijl hebben gevonden en ontwikkeld, hoe ze zo vakkundig werken met de contrasten tussen duisternis en licht, en hoe ze de kunst van de cinematografie nog steeds vooruit helpen, zelfs vandaag de dag.
Vind je passie
Een van de meest fascinerende aspecten van het onderzoeken van al deze opmerkelijke cineasten is simpelweg het onderzoeken van wat ze allemaal drijft. Het spreekt voor zich dat het leven van een director of photography nooit gemakkelijk is. Het vereist extreme passie en toewijding. Je moet jezelf volledig onderdompelen in het vak en 24/7 aan projecten werken om je visie tot leven te brengen.
Wanneer je echter een gerenommeerde cameraman als Robert Yeoman in de video hierboven hoort spreken over het vinden van zijn creatieve vonk, begint het een beetje logischer te worden. En als je je verdiept in hoe Yeoman zijn stijl en visie vormgeeft terwijl hij een mede-introverte creatieveling als Wes Anderson koestert, krijg je een duidelijk beeld van hoe diep zijn passie gaat.
Ontwikkel je filmtaal
Evenzo, als je kijkt naar de carrière van een andere opmerkelijke moderne cameraman zoals Rachel Morrison, kun je zien hoe verbonden deze artiesten zijn met hun vak. Zoals veel DP's vertelt Morrison hoe ze opgroeide met een camera in haar hand. Om echt uit te blinken in cinematografie, moet je een passie hebben voor het medium en constant gedreven zijn om je werk te verbeteren.
De reis van een cinematograaf wordt ook gevormd door hoe ze hun eigen taal kunnen ontwikkelen als middel om hun filmische verhalen te vertellen. In het video-essay hierboven over Morrison kun je zien hoe ze op subtiele wijze een unieke stijl heeft weten te creëren en naar veel van haar films heeft gekeken door verschillende van dezelfde opnametechnieken en kleurenpaletten te gebruiken.
Verken verschillende hoeken
Het is ook interessant om de verschillende hoeken en lenzen te verkennen die cinematografen gebruiken om hun werelden tot leven te brengen. Sommigen fotograferen graag heel vlak en macro, waarbij ze de subtiele nuances van gezichten en emoties onderzoeken. Ondertussen werken anderen graag in de groothoek om meer dan levensgrote sets vast te leggen en meer context te geven aan ruimte en actie.
Kijkend naar de groothoekwereld van legendarische DP's zoals Wally Pfister, is de video hierboven een perfect voorbeeld van hoe hij zijn films zal lenzen. In zijn meerdere samenwerkingen met Christopher Nolan, evenals in zijn andere projecten, gebruikt Pfister zijn brede benadering om de grootsheid van zijn onderwerpen vast te leggen en de reikwijdte van de actie tot leven te brengen.
Word een personage in de scène
Een ander leuk advies dat ik echt fascinerend vind, komt van de opkomende DP-regisseur Reed Morano, die haar personages met opmerkelijke oprechtheid en detail heeft weten vast te leggen. Dit is grotendeels te danken aan haar aanpak (die ze hierboven schetst), om "een personage in de scène te worden" met haar camera.
Een goede DP mag niet zomaar een vlieg-op-de-muur zijn of op de achtergrond van het conflict en de actie. Een sterke cameraman als Morano wil midden in de scène staan, met de personages meebewegen, met hen en hun emoties omgaan, en het publiek ook dat POV-perspectief geven alsof ze in de kamer zijn.
Experimenteer vroeg en vaak
In veel opzichten hebben degenen die net beginnen met cinematografie het meeste geluk. In die beginjaren hebben cinematografen de vrijheid om het fascinerende medium film echt te verkennen en ermee te experimenteren. Als we kijken naar de innovatieve cinematografie en carrière van Matthew Libatique, die hielp bij het vormgeven van veel van de meer cerebrale Darren Aronofsky-films die hij regisseerde, dan begin je te zien hoeveel experimenten er in het verleden hebben plaatsgevonden.
Libatique dankt veel van zijn innovatieve stijlen en technieken aan zijn vroegste dagen van rommelen met camera's en sleutelen aan verschillende filmvoorraden en snelheden. Zijn experimenten hebben de vaardigheden waarop hij gedurende zijn hele carrière zou vertrouwen, echt verbeterd.
Een lookbook maken
Van alle cinematografen die we in de loop der jaren hebben gezien en geïnterviewd, geeft Bradford Young misschien wel het beste advies dat ik ooit heb gehoord voor iedereen die op zoek is naar cinematografie, of zelfs alleen filmmaken in het algemeen. Maak een lookbook! Zoals hij in de video hierboven aangeeft, helpt het je niet alleen om je eigen uiterlijk en stijl te ontwikkelen, het bereidt je ook voor op het overwinnen van de zenuwen van het starten in de branche.
Een lookbook hoeft ook niet zo duidelijk en beknopt te zijn als je in bovenstaand voorbeeld ziet, zoals Young uitlegt. Voor praktische doeleinden zal het oefenen van lookbooking je filmische geest en oog daadwerkelijk informeren om looks en stijlen te herkennen die je uiteindelijk in je eigen composities kunt ontwikkelen.
Cinematografie gebruiken om geluid te creëren
Een van mijn favoriete voorbeelden van de kracht van cinematografie komt van The Quiet Place , door DP Charlotte Bruus Christensen. In deze film doet Christensen het ondenkbare door daadwerkelijk geluid te creëren uit de stille praktijk van cinematografie.
Oorspronkelijk opgeleid in de Dogme 95-stijl en filosofie van het filmmaken, ontwikkelde Christensen in de loop der jaren een naturalistische benadering van cinematografie. Haar aanpak geeft de filmmaker de mogelijkheid om beelden te gebruiken om het publiek aan te spreken op manieren die veel dieper en luider zijn dan alleen personages en beweging.
Begrijp het belang van contrast
Een andere belangrijke afleiding van het kijken door de carrières van zoveel gewaardeerde cinematografen is hoe gefocust ze allemaal zijn op contrast en het belang van duisternis en licht. Dit zijn echt de absolute fundamentele bouwstenen van hoe afbeeldingen en opnamen worden geconstrueerd. Dus hoewel een cinematograaf zich misschien concentreert op andere elementen van kleur en compositie, staan contrasten altijd voorop.
Er is misschien geen beter voorbeeld hiervan dan bij Steven Spielbergs oude cameraman Janusz Kamiński. Kamiński maakte beroemde sequenties als de openingsscène van het "kaarsgebed" uit Schindler's List . In het bovenstaande interview legt Kamiński uit hoe belangrijk deze contrasten tussen licht en duisternis zijn cinematografie bepalen, evenals wie hij is als kunstenaar.
Gebruik je camera als een verlengstuk van jezelf
Dit citaat geldt voor elke doorgewinterde DP die een aanzienlijke hoeveelheid tijd achter een camera heeft doorgebracht. Op een gegeven moment houdt de kunst van de cinematografie op een taak te zijn en wordt ze gewoon een verlengstuk van jezelf. De camera wordt in feite een ledemaat, of een derde oog, voor een DP om de wereld om hen heen te bekijken en vast te leggen.
Kijkend naar enkele van de voorbeeldige en geestverruimende cinematografie van Ellen Kuras (die een van mijn favoriete films maakte Eternal Sunshine of the Spotless Mind ) als voorbeeld, kunt u beginnen te begrijpen hoe waar dit concept is. Als je naar haar beroemdste project kijkt, krijg je echt het gevoel dat haar camera verwant is aan haar visie, terwijl we enkele van de betoverende, maar echt menselijke momenten van de film voor onze ogen zien voorbijgaan.
Wees de medewerker van uw directeur
Deze zou waarschijnlijk vanzelfsprekend moeten zijn, maar als je een succesvolle cameraman wilt worden, werk dan met geweldige regisseurs! Dit is zeker het geval met de legendarische Robert Richardson, die heeft gewerkt met grote regisseurs als Oliver Stone en Quentin Tarantino. De truc is echter niet alleen om met geweldige regisseurs te werken. Het is eigenlijk om zelf een geweldige medewerker te zijn.
Richardson heeft keer op keer werk gevonden bij enkele van de grootste namen in de branche vanwege zijn vermogen om een creatieve partner te zijn. Bovendien is hij een scherpzinnige dienaar van het ambacht van cinematografie terwijl hij op de set staat. Er is een perfecte mix van compatibiliteit en communicatie nodig om samen te werken met een geweldige regisseur en hun visie tot leven te brengen.
Vergeet niet om altijd het verhaal te onderhouden
Net als bij het bovenstaande advies, is een ander principe van geweldige cinematografie om altijd te onthouden dat het verhaal op de eerste plaats komt. Terugkijkend op de cinematografie van wijlen Michael Chapman, een van de eerste medewerkers van Martin Scorsese aan films als Taxi Driver en de zwart-witte Raging Bull , we krijgen een sterk gevoel voor verhaal in elk frame.
In de video hierboven schreef Chapman het succes van zijn werk toe aan zijn constante focus op het onderhouden van het verhaal. Hij deelde zijn focus met Scorsese, en deze focus is waarom ze allebei zo'n succes boekten.
Maak deel uit van een cinematografische beweging
Het is ook interessant om terug te kijken in de geschiedenis van de cinematografie om verschillende tijdperken en bewegingen te herkennen. Toen Caleb Deschanel in de jaren '60 en '70 voor het eerst begon in film en cinematografie, was klassiek Hollywood nog steeds de norm. Toen hij echter naar boven ging, merkte hij al snel dat hij deel uitmaakte van een nieuwe beweging. Naast tijdgenoten als Robert Richardson en Roger Deakins, bracht Deschanel cinematografie in een nieuwe en moderne Hollywood-stijl.
Dit betekent niet dat je gewoon moet kopiëren wat je collega's doen. In plaats daarvan betekent het dat het, net als Deschanel, belangrijk is om te erkennen dat je de dingen niet op dezelfde manier hoeft te doen als ze altijd zijn gedaan. Zoek in plaats daarvan bij elke bocht naar nieuwe stijlen en technieken.
Duw de kunst vooruit
Ten slotte is een van de grootste kenmerken van wat een werkende DP tot een echte meester in de cinematografie maakt, hun bereidheid om de kunstvorm vooruit te helpen. Er zijn duizenden super getalenteerde DP's die aan projecten over de hele wereld werken. Maar om op te vallen in een zeer competitieve industrie is een zekere bereidheid nodig om nieuwe technologieën en kansen te omarmen.
Als een echte provocateur van innovatie moeten we de standvastige bereidheid van Steven Soderbergh om de industrie vooruit te helpen noemen. Soderbergh DP's veel van zijn eigen projecten onder het pseudoniem Peter Andrews. Terwijl veel studiomanagers en regisseurs films groter, flitsender en duurder maken, blijft Soderbergh nieuwe videotechnologie voor smartphones omarmen als een manier om het filmmaken open te stellen voor een nieuwe generatie aspirant-cinematografen.