Continuïteitsfouten zijn een van de gemakkelijkste manieren om de aandacht van uw publiek te verbreken. Laten we bespreken hoe we continuïteitsproblemen in de postproductie kunnen oplossen.
Waar denk jij aan als je het woord “continuïteit” hoort?
Je zou kunnen denken aan een Starbucks-beker die op een tafel in Westeros staat, of misschien aan een hand die een velociraptor een motiverende duw naar voren geeft. Maar een van de belangrijkste technische aspecten van een film is continuïteitsmontage. Dit is uiteraard het geval wanneer een opname wordt gevolgd door een andere opname die zowel tijdelijk als ruimtelijk zinvol is in de scène.
Wat betreft de blunders bij het bewerken van de continuïteit, heb je misschien flagrante visuele verschillen opgemerkt tussen de opnames van grote blockbusters als gevolg van nieuwe opnames die maanden na de oorspronkelijke opnames zijn gemaakt. Er zijn talloze redenen waarom de continuïteit van de montage van een film eronder lijdt. Bijna altijd is het echter niet de redacteur die de schuld krijgt.
Productieproblemen en logistieke problemen kunnen het leven van een redacteur tot een hel maken als je al het onsamenhangende beeldmateriaal krijgt. Toch zijn er een paar technieken en tips die u moet onthouden over de continuïteit voordat u aan uw volgende bewerking begint. Laten we beginnen!
Scriptsupervisor versus editor
Je denkt misschien:maar is er niet iemand op de set die ervoor moet zorgen dat deze flagrante, niet-overeenkomende problemen niet optreden ?
Reken maar dat dat zo is. De scriptsupervisor is er voor het grootste deel verantwoordelijk voor dat de continuïteit consistent is, van de ene opname en scène tot de volgende. Het is dus specifiek hun taak om rekening te houden met wat personages doen en waar ze zich bevinden in alle berichtgeving die in een scène plaatsvindt.
Als je ooit eerder op een set hebt gestaan, weet je hoe chaotisch, ongeorganiseerd en snel elk aspect kan zijn. Het is alleen maar logisch dat de scriptsupervisor af en toe een fout maakt, waardoor er iets langs hem heen kan komen terwijl de scène wordt opgenomen.
Over het algemeen let de scriptsupervisor op kleding, rekwisieten, styling en setveranderingen die tussen de opnames door kunnen plaatsvinden. Vanity Fair publiceerde een paar jaar geleden een ongelooflijk voorbeeld en overzicht van het belang van een scriptsupervisor. Bekijk het hieronder.
Denk aan een personage dat tijdens een gesprek een cheeseburger eet. Stel je voor dat tijdens het heen en weer praten tussen de twee personages de hoeveelheid geconsumeerde cheeseburger gedurende de scène toeneemt en afneemt. We praten van één hap tot bijna klaar zijn met de burger en terug.
Een ander uitstekend voorbeeld van iets dat opvalt is een personage dat een sigaret rookt. Het gesprek begint en het personage steekt de sigaret op en rookt de sigaret gedurende het verloop van het gesprek. De scène eindigt met dat personage dat de sigaret in een asbak uitdooft.
Laten we dus zeggen dat de regisseur de acteur tien keer de scène laat spelen. Nu zouden ze meer dan één sigaret roken in de tijd die nodig is om die scène tien keer te filmen. Je moet dus de opnames kiezen (hopelijk zijn het goede, bruikbare opnames) die logisch zijn, opeenvolgend voor hoe lang de sigaret tijdens het gesprek zou branden.
- 7 veelvoorkomende (en vermijdbare) continuïteitsfouten
Je krijgt vrijwel wat je krijgt met de beelden. Maar dit soort continuïteit is alleen vanuit het standpunt van een redacteur controleerbaar. Dus hoe kunnen wij als redactie zorgen voor samenhangende continuïteit op andere gebieden?
Verschillende soorten continuïteit
De verschillende soorten knippen die je kunt doen, zijn waar het leuk wordt. Naast fysieke rekwisieten, decordecoratie, haar en make-up en garderobe zijn er andere, meer technische vormen van continuïteit. Deze elementen omvatten ooglijn, bijpassende snitten met beweging en scènewisselingen. Je voorkomt ook dat het publiek gedesoriënteerd raakt door het overtreden van de 30- en 180-gradenregels.
- De 180-gradenregel begrijpen (en soms negeren)
Dit zijn allemaal dingen waarmee u kunt helpen tijdens uw bewerking. Er zijn verschillende manieren waarop je van de ene scène naar de andere kunt gaan, zoals fade-ins of fade-outs.
Sneden en beweging
Echter, volgens Moving Image Theory:Ecologische overwegingen door J. D. Anderson &B. F. Anderson:“Ongeveer 95% van de bewerkingsgrenzen zijn uitsnijdingen, wat neerkomt op het samenvoegen van twee cameraframes.” De eenvoudigste vorm van knippen is dus de belangrijkste en meest effectieve manier om je verhaal te vertellen.
Het beperken van actie en beweging houdt in dat er van het ene schot naar het volgende wordt geknipt zodra een personage een actie uitvoert.
Laten we zeggen dat een man naar een auto loopt en zijn hand uitstrekt om naar de deurklink te reiken. Op het moment dat zijn hand de deurklink raakt, maak je een close-up van zijn hand die de deur opent, in plaats van dat je midden in hem snijdt door de deur te openen en vervolgens naar hem toe te snijden terwijl hij in de auto zit.
Voor meer informatie over de verschillende soorten cuts die je aan je repertoire kunt toevoegen, bekijk hieronder onze tutorial over de negen essentiële cuts die elke editor zou moeten kennen!
Bijpassende ooglijnen
Het matchen van de ooglijnen is van cruciaal belang, omdat dit non-verbaal communiceert dat twee personages een gesprek voeren.
Wat dit betekent is dat als je een opname opneemt van een personage dat buiten het scherm en naar rechts kijkt, je, om samenhangende continuïteit te hebben, moet overgaan naar het tweede personage dat buiten het scherm kijkt, maar dan naar links (terug naar het eerste personage).
Deze ruimtelijke continuïteit is misschien wel een van de meest bijzondere regels bij het maken van films. Het zorgt ervoor dat alles natuurlijk aanvoelt voor onze ogen.
Regels van 30 en 180 graden
Over oriëntatie gesproken, laten we de 30- en 180-gradenregels nemen, die stellen dat de camera nooit een onzichtbare lijn van 180 graden mag overschrijden bij het bestrijken van een scène. Dit zorgt ervoor dat je publiek begrijpt waar de personages zich bevinden in relatie tot elkaar en de omgeving om hen heen.
Als u doorgaat naar de volgende opname die korter is dan 30 graden of meer dan 180 graden, raakt de kijker gedesoriënteerd en voelt er iets niet goed. Een goed visueel voorbeeld van waar we het over hebben, komt van Film Riot, met een uitstekende top-downhoek om precies te demonstreren hoe de regel moet worden gevolgd.
Hoe u uw bewerking aanpakt
De eenvoudigste vorm van continuïteitsmontage volgt het idee dat het publiek moet zien wat er in een scène gebeurt, vanuit een duidelijke opeenvolgende volgorde van shot tot shot. Ze mogen nooit in de war raken over de basisbewegingen, lijnen en ruimtelijke verblijfplaats van de personages.
- Hoe u continuïteit kunt creëren bij het gebruik van beeldmateriaal
Montage is een van de leukste soorten scènes om te bewerken. Hoogstwaarschijnlijk krijg je een heleboel beelden van personages die op de een of andere manier vooruitgang boeken, zodat het lijkt alsof het een grote hoeveelheid tijd in beslag neemt of snel gebeurt. Dit kan dus betekenen dat je een montage aan het bewerken bent van een kind dat zich in de loop van een schooljaar klaarmaakt voor school of leert basketballen.
Wanneer u de scène bewerkt, zorg er dan voor dat de opnamen de tijdlijn volgen die u nodig heeft. Ga niet van een opname in de herfst naar een opname in de zomer en vervolgens terug naar een opname in de winter. Hoewel de montage overal voelt, heeft het publiek die continuïteit nodig om het verhaal te geloven.
Wat is discontinuïteit bewerken?
Maar discontinuïteit is niet altijd een slechte zaak. Flashbacks zijn bijvoorbeeld een zeer effectieve manier om het verhaal vooruit te helpen door uit te leggen wat er momenteel gebeurt door naar de personages uit het verleden te kijken.
Houd bij het bewerken rekening met waar u naar toe snijdt. Gebruik bijvoorbeeld een opname van een locatie of plaats die de kijkers onmiddellijke context geeft voordat ze in een gesprek of actie duiken. Snijd naar objecten en locaties uit het verleden en knip vervolgens naar het begin van de scène.
Het maken van shots en B-roll is de beste vriend van een redacteur. Beschouw ze nooit als vanzelfsprekend!
De discontinuïteit kan ook een meesterlijke manier zijn om het publiek te misleiden. Je zou een situatie voor deze aanpak kunnen vinden als een personage verward, gedesoriënteerd of uit de hand loopt.
Snel heen en weer springen in tijd en ruimte is een geweldige manier om chaos te laten zien op een manier die de kijker niet uit het verhaal trekt. Het komt het verhaal eigenlijk heel goed ten goede, vooral als je deze reeks beëindigt op een manier die het publiek opnieuw centreert, zoals een opname of een overgang naar een zwart scherm.
Is het je opgevallen dat het maken van shots steeds weer opduikt? Ze zijn een uitstekende manier om alles te resetten of opnieuw te aarden.
De kunst van parallel bewerken onder de knie
Parallelle bewerking betekent tegelijkertijd heen en weer schakelen tussen twee karakters of locaties. Dit is een leuke manier om de actie te laten zien die overal ter wereld plaatsvindt in de film waar uw publiek naar kijkt. Dit geeft het publiek ook context voor waar en wat andere personages doen in relatie tot elkaar.
Wanneer je redactionele beslissingen neemt met dit soort aanpak, zorg er dan voor dat je altijd context geeft aan de ‘nieuwe’ scène, zodat het publiek precies weet wiens verhaal ze zien spelen.
Een andere vorm van continuïteit is het vinden van een consistente stroom in uw bewerking. Je wilt bijvoorbeeld nooit dat de kijker uit het verhaal wordt gegooid vanwege inconsistent knippen. Als je een opname achterlaat van een personage dat een zin zegt, ga dan naar het andere personage om te laten zien hoe deze reageert op wat er wordt gezegd.
Als je eenmaal op die reactie ingaat, zorg er dan voor dat je het publiek de tijd geeft om te begrijpen wat er wordt gecommuniceerd, zowel non-verbaal als met woorden. Zorg ervoor dat het personage niet te snel spreekt.
De beste manier om ervoor te zorgen dat je de juiste timing hebt, is door de scène te bewerken en terug te kijken als een objectieve kijker. Bekijk de onderstaande video als je een uitstekend voorbeeld wilt van wat niet te doen.
Wat is overlappende bewerking?
Deze continuïteitsmontagestijl wordt voornamelijk gebruikt bij actiescènes en benadrukt een bepaald moment of een bepaalde actie. Het volgt de actie die plaatsvindt en snijdt vervolgens onmiddellijk naar een andere camerahoek van dezelfde actie.
Het klinkt alsof het visueel gezien raar en onaangenaam zou zijn. Maar als het met veel moeite in een scène wordt gegooid, is het logisch. Je realiseert je misschien niet eens dat je dezelfde actie twee keer hebt zien plaatsvinden.
Deze achtervolgingsscène uit Mission Impossible 2 is een goed voorbeeld van dit soort bewerkingen.
Tenslotte
Continuïteitsbewerking gaat meer over gevoel en intuïtie dan over berekening en precisie. De scènes die je monteert moeten op een manier in elkaar overlopen die zinvol is in de context van het verhaal, en die het publiek betrokken houdt zonder ze te vervreemden.
Of het nu gaat om ervoor zorgen dat je personages tussen de cuts door de goede kant op kijken of eraan denken om actie te ondernemen, montage speelt een cruciale rol bij het samenhangend vertellen van het verhaal.
Houd er rekening mee dat, net als bij elk aspect van het maken van films, het soms een groepsinspanning is waarvoor meningen en stemmen van buitenaf nodig zijn om je te helpen de finish te bereiken. Soms is een tweede paar ogen de beste hulp die je als video-editor kunt krijgen.
Omslagafbeelding door Fabio Pagani .
Bekijk de onderstaande lijst voor meer bewerkingstechnieken:
- Het Kuleshov-effect en de impact ervan op de emoties van de kijker
- 8 essentiële tips die elke redacteur moet kennen
- Uw gids voor het werken met projectbestanden in DaVinci Resolve
- Tips voor het bewerken van een animatieserie met Felipe Salazar van Big Mouth