Door de zeven principes van kunst en design te gebruiken, kunt u dynamischere en opvallendere foto's maken. Maar je hebt geen diploma in kunstwaardering nodig om deze principes onder de knie te krijgen. Zelfs een korte introductie om uw vaardigheden op het gebied van fotografiecomposities te verbeteren.
In dit artikel kijken we naar de zeven principes van kunst en design. We onderzoeken wat ze zijn en hoe je ze kunt gebruiken in de fotografie. Dit artikel is slechts een introductie, maar let op links naar diepgaande artikelen in de tekst.
AFBEELDING
Wat zijn de 7 principes van kunst en design?
De zeven principes van kunst en design zijn balans, ritme, patroon, nadruk, contrast, eenheid en beweging.
Kunstenaars gebruiken deze principes in meer of mindere mate om hun stukken visueel interessant te maken. Maar deze principes beperken zich niet tot schilders en grafisch ontwerpers. Fotografen kunnen deze principes ook gebruiken om hun visuele stijl te verbeteren.
Je hebt ook elementen van kunst en design. Dit zijn lijn, vorm, vorm, ruimte, waarde, kleur en textuur. Dit zijn de hulpmiddelen die beeldende kunstenaars gebruiken om hun beelden te construeren. Het zijn bouwstenen voor elke vorm van beeldende kunst, inclusief fotografie.
Fotografen kunnen een beeld creëren op basis van de kunsttheorie door de zeven principes van kunst en design toe te passen. Laten we elk principe eens nader bekijken.
Michelangelo's Schepping van Adam toont een scherp begrip van de zeven principes van kunst en design.
1. Saldo
Balans wordt gebruikt om het visuele gewicht van een afbeelding te illustreren. Het kan een foto verenigen of verdeeldheid creëren. Je kunt op drie manieren balans bereiken:
- Symetrie :beide zijden van een afbeelding weerspiegelen hetzelfde onderwerp, zoals een spiegelbeeld.
- Asymmetrie :Contrasterende elementen brengen het beeld in evenwicht. Bijvoorbeeld een gestructureerd oppervlak aan de ene kant van een afbeelding en een glad, mat oppervlak aan de andere kant.
- Radiale balanssymmetrie :Elementen die gelijkmatig rond een centraal punt zijn verdeeld, zoals spaken op een fietswiel.
Een zorgvuldig uitgebalanceerd beeld geeft een gevoel van stabiliteit aan een foto. Een onevenwichtig beeld zorgt voor verdeeldheid of onrust. Beide toepassingen zijn oké, afhankelijk van het gewenste resultaat.
Evenwicht is sensueel in de zin dat het verkeerd of juist ‘voelt’. Probeer uw camera te bewegen om verschillende perspectieven te bereiken en de balans in een beeld te benadrukken.
Je kunt ook proberen verschillende textuur- en kleurgebieden te fotograferen. Wees niet bang om een beetje te experimenteren.
De symmetrische balans van deze loopbrug creëert diepte en leidt het oog van de kijker door het beeld. © Stephen Crane
2. Ritme
In veel opzichten lijkt compositie in de fotografie sterk op wat je in muziek aantreft. Het fotografische concept van ritme leent zwaar van de muziektheorie.
Net zoals een muzikant de noten op een muziekblad leest, bepalen onderwerpen in een ruimte hoe we naar een foto kijken. Het ritme dicteert de terugkerende georganiseerde of ongeorganiseerde distributie van visuele elementen in een beeld.
Probeer muzieknotatie te visualiseren om een gevoel voor ritme in je fotografie te introduceren. De negatieve ruimtes, correlaties en verschillen tussen onderwerpen in een foto zoals hieronder weerspiegelen aantekeningen op een muziekblad.
© Sergej Kotenev
3. Patronen
Patronen geven door middel van regelmaat betekenis aan de visuele wereld. Je kunt patronen vinden in alles, van kunstmatige, abstracte objecten tot organisch materiaal.
Het menselijk oog is gekalibreerd om patronen te ontdekken. Ze kunnen verrassende emotionele reacties bij een kijker oproepen.
Ontwerpelementen kunnen op een voorspelbare manier worden georganiseerd om een patroon te vormen. Simpel gezegd zijn patronen herhalingen van de elementen van kunst en design. Deze werken samen binnen één frame.
Patronen zijn een actief principe van kunst en design. Ze tillen een afbeelding van de pagina. Het gebruik van patronen in je fotografie gaat net zo goed over ontdekken als over fotografische techniek.
Probeer te zoeken naar architecturale en stedelijke kenmerken of organische onderwerpen zoals bloemen. Als je eenmaal begint te kijken, zul je versteld staan van de overvloed aan patronen om je heen.
© Kim Chan
4. Nadruk
Nadruk vormt het middelpunt van de belangstelling in een beeld. Kleur, ruimte, textuur en lijn bepalen samen de focus van een afbeelding.
Er zijn veel manieren om nadruk in een foto te leggen. Ruimtelijke nadruk betreft de oriëntatie van een onderwerp binnen het fotografische kader.
Een eenzaam onderwerp dat zich in het midden van een beeld bevindt, zal de aandacht trekken. Het is het meest beschikbare onderdeel van de foto. Selectieve groepering leidt het oog van de kijker naar bepaalde focuspunten voor een foto met veel onderwerpen.
De grootte van het onderwerp bepaalt ook hoe de kijker een foto zal ‘lezen’. Een groter onderwerp suggereert een nabijheid tot het oppervlak van het beeld.
Het vraagt meer aandacht dan dat van een kleiner onderwerp op de achtergrond. Het tonen van schaal vertelt een verhaal over de lichamelijkheid van de onderwerpen, waardoor diepte en perspectief wordt toegevoegd.
Kleur is een ander hulpmiddel dat nadruk kan cultiveren. Een helder of kleurrijk onderwerp in een donkere scène geeft een beeld een gevoel van levendigheid en leven. Het trekt de aandacht van de kijker.
© Artem Kniaz
5. Contrast
Contrast ontstaat wanneer twee of meer tegengestelde elementen in een foto aanwezig zijn. Licht tegen donker, warm tegen koel. Maar contrast omvat ook fysieke elementen.
Textuur is een andere manier om het principe van contrast in fotografie te gebruiken. Het opnemen van twee of meer texturen in een afbeelding introduceert tactiliteit en creëert een gevoel van plaats.
Een ronde waterdruppel die op de pluizige ranken van een plant rust, is een voorbeeld van een tekstueel contrasterend onderwerp.
Contrasterende onderwerpen brengen het verhaal naar een foto. Je kunt ook proberen eigenschappen zoals scherpte en zachtheid, oud en nieuw, of gebogen en recht naast elkaar te plaatsen.
6. Eenheid
Eenheid beschrijft de visuele relatie tussen elementen in een afbeelding. Het helpt een samenhangend beeld te creëren. Het gebruik van vergelijkbare kleuren, tinten, concepten of elementen cultiveert een gevoel van eenheid.
Verdeeldheid is het tegenovergestelde. Slechte uitsnede, onhandige perspectieven, overbelichting of onderbelichting. Deze verstoren allemaal het beeld en kunnen verdeeldheid veroorzaken.
Een ander aspect dat ten grondslag ligt aan een uniform beeld is het duidelijke idee van een fotografisch resultaat. Een fotografisch resultaat, of doel, is het geïdealiseerde mentale beeld van een beeld voordat het wordt gemaakt.
Door een uitkomst vooraf te visualiseren, kan een fotograaf een duidelijker idee krijgen van het doel van een foto. Hierdoor kan een fotograaf meer controle over het beeld krijgen.
© Jaspinder Singh
7. Beweging
De term ‘beweging’ in de fotografie beschrijft vaak de relatie tussen de sluitertijd van een camera en een onderwerp. Als het om kunst en design gaat, verwijst beweging naar het pad dat de ogen van de kijker afleggen tijdens het lezen van een foto.
De elementen en principes van kunst en design geven beweging vorm. Een fotograaf kan de controle krijgen over de manier waarop een kijker een foto absorbeert. Door bijvoorbeeld lijnen in de fotografie te gebruiken, ontstaan er ‘visuele snelwegen’ die het oog van de kijker begeleiden.
Gekartelde lijnen zorgen voor opwinding en verschuiven de blik van de kijker van het ene punt naar het andere. Gebogen lijnen zijn subtieler. Deze verlagen de snelheid waarmee een foto wordt bekeken.
Het begrijpen van de aard en psychologie van het menselijk zicht is een belangrijk onderdeel van het beheersen van bewegingen.
Het menselijk oog is bijvoorbeeld gevoeliger voor bepaalde kleuren dan andere. Rood trekt de aandacht. Zachte blues zijn zachter en subtieler. Door selectief gebruik van kleur en verzadiging kan beweging worden gestuurd.
Er zijn veel verschillende manieren om het oog van de kijker door een foto te leiden. Beweging bestudeert de aard van het oog en de psychologie achter hoe we visuele informatie absorberen.
Conclusie:principes van kunst en design
De zeven principes van kunst in fotografie zijn balans, ritme, patroon, nadruk, contrast, eenheid en beweging. Deze vormen de basis van de beeldende kunst.
Door deze zeven principes van kunst en design te gebruiken, krijgt u meer controle over uw fotografie. Dit leidt tot betere foto's die opvallen en je helpen fotografische mogelijkheden te herkennen.