Een cameraman (directeur fotografie, DP of DOP) is verantwoordelijk voor het opnemen van een film, televisieproductie, documentaire, muziekvideo of ander soort film. In wezen is het aan hen om het script te vertalen naar bruikbaar beeldmateriaal. Hun primaire doel is om de visie van de regisseur vast te leggen door middel van compositie, belichting, versnellingskeuze, camera-instelling en andere middelen, zoals scherptediepte, zoom, focus, kleur, belichting en filtratie.
Laten we eens kijken naar enkele van de belangrijkste rollen en verantwoordelijkheden van de director of photography.
Bepaalt de visuele stijl van de film
Een cameraman bepaalt samen met de regisseur en andere afdelingshoofden de visuele stijl en het gevoel van de film. De relatie tussen een cameraman en de regisseur kan vele vormen aannemen. Sommige regisseurs zullen hun cinematografen meer artistieke vrijheid geven, terwijl anderen toezicht houden op elke beslissing. Ongeacht de opstelling beantwoordt de cameraman altijd aan de visie van de regisseur.
In Ridley Scotts veelgeprezen cultfilm "Blade Runner" (1982), opgenomen door de in Los Angeles geboren Jordan Cronenweth, werkte Cronenweth bijvoorbeeld samen met Scott om de stijl te realiseren die hij voor de film wilde hebben.
Cronenweth legt uit:"Ridley voelde dat de stijl van fotografie in "Citizen Kane" het dichtst in de buurt kwam van de look die hij voor Blade Runner wilde hebben. Dit omvatte onder meer een hoog contrast, ongebruikelijke camerahoeken en het gebruik van lichtbundels.”
Om de futuristische esthetiek van de film te bereiken, plaatste Cronenweth veel neonlichten over de hele set. Hij plaatste ze waar hij maar kon - in etalages, in bussen en zelfs in de schacht van de paraplu's van mensen. Hij zette zelfs wat buiten de camera om de straattaferelen te verlichten.
Een lens kiezen
Zoals filmregisseur Sidney Lumet ooit zei:"Verschillende lenzen zullen een verhaal anders vertellen." Het type lens en de brandpuntsafstand die een cameraman kiest om te fotograferen, heeft invloed op de algehele look en feel van de scène. Bij het kiezen van een lens kijken ze naar de brandpuntsafstand, die we meten in millimeters. Veelgebruikte groothoeklenzen zijn 18 mm, 24 mm en 27 mm. Mensen beschouwen een 50 mm-lens als 'standaard' en velen denken dat het gelijk is aan wat het menselijk oog ziet. Deze lenzen zijn populair bij veel regisseurs en cinematografen omdat ze het publiek helpen te informeren waar de scène zich bevindt, wie erin zit en wat er om hen heen is. Meestal laten ze je meer van de achtergrond zien met meer van de afbeelding in focus.
Veelgebruikte lange brandpuntsafstanden zijn 85 mm, 100 mm en 135 mm. Langere lenzen comprimeren de achtergrond en hebben vaak een kleinere scherptediepte. Cinematografen gebruiken ze om een persoon te isoleren en de blik van de kijker op een bepaald onderwerp te concentreren.
Cinematografen werken samen met de regisseur om te bepalen welke brandpuntsafstand het beste is voor de scène die ze opnemen.
Compositie en kadrering
Een cameraman is verantwoordelijk voor het beslissen welk type camera's, cameralenzen, camerahoeken en camerabewegingen het beste zijn om de visie van de regisseur tot leven te brengen.
Spike Lee's "Do The Right Thing" (1989) werd opgenomen door Lee's oude medewerker Ernest Dickerson. Dickerson benadrukte de kracht of machteloosheid van een personage door opnamen vanuit een lage hoek of vanuit een hoge hoek te maken. Hij vermenigvuldigde de kracht van het meer dan levensgrote personage van de film, Radio Raheem, door hem vanuit een lage hoek te filmen. Op dezelfde manier fotografeerde Dickerson de eigenaar van de pizzeria, Sal, vanuit een hoge hoek om hem het gevoel te geven dat hij minder belangrijk was.
Terwijl de film belijdt en de spanning oploopt, filmt Dickerson de binnenkort strijdende personages met een Nederlandse inslag, waardoor de kijker het gevoel krijgt van chaos, terreur en woede.
Verlichting
Terwijl de cameraman de camera's van de set bedient, houdt hij ook toezicht op de verlichting van de set. Cinematografen op grotere sets werken nauw samen met het hoofd van de elektrische afdeling, bekend als de gaffer, om licht te creëren, te manipuleren en te regelen om de gewenste sfeer te creëren.
Hoe de cameraman een film belicht, heeft grote invloed op het uiterlijk van de film. Toen hij in 1972 aan "The Godfather" werkte, besloot cameraman Gordon Willis bijvoorbeeld om de film op een andere manier te belichten dan elke andere film in die tijd. De meeste studio's doordrenkt hun films op dit moment in de geschiedenis met gelijkmatig verlichte scènes. In close-ups hadden personages echter vaak een ooglicht over hun gezicht om hun ogen te accentueren. Deze techniek toonde duidelijk hun emoties. Willis ging de andere kant op en schilderde met schaduwen om de donkere kant van de zolen van deze gangsters te laten zien. Hij creëerde schaduwen om de ogen van personages te verbergen of zelfs de helft van hun gezicht met een hoog of zijlicht.
De film zag bijna het daglicht niet omdat de studio geschokt was door het gebruik van schaduwen en duisternis. Ironisch genoeg won de film drie Academy Awards en werd het een van de meest winstgevende films tot nu toe.
Repetities bijwonen
De director of photography woont repetities bij met de regisseur en de acteurs om de blokkering te begrijpen - hoe de personages door een scène bewegen en omgaan met hun omgeving. Ze plannen ook de enscenering van de scène - de plaatsing en de beweging van de camera in relatie tot de blokkering. De cameraman, regisseur en acteurs voeren vaak een ingewikkelde dans uit om erachter te komen wat de beste manier is om het verhaal van de regisseur te vertellen.
Een goed voorbeeld van deze complexe blokkering en enscenering is te zien in een scène uit Martin Scorsese's "Goodfellas" (1990). Drie minuten durende single-take Steadicam shot, Henry Hill (Ray Liotta) leidt zijn date Karen Friedman (Lorraine Bracco) door de achterdeur van de Copacabana nachtclub, beneden, door meerdere donkere gangen, door een chaotische keuken naar het interieur van de club. Hier beveelt de maître d’ een ober om een tafel naar de voorkant van de club te dragen voor de gangster en zijn date. Elke keer dat we het gezicht van een personage of het gezicht van een figurant moeten zien, is de verlichting perfect. Extra's vliegen voortdurend tussen de bewegende camera en de acteurs terwijl ze naar hun bestemming gaan. Het is buitengewoon boeiend.
"Die Copa-opname is nog steeds beroemd onder bioscoopbezoekers en legendarisch voor duizenden Steadicam-operators en niet voor niets:het is perfect!" Garrett Brown, cameraman en uitvinder van de Steadicam, zei over de "Copa-opname" van Steadicam-operator Larry McConkey.
Bepalen welke beeldverhouding te gebruiken
De cameraman bespreekt met de regisseur met welke beeldverhouding de film wordt opgenomen. De term aspect ratio beschrijft de wiskundige relatie tussen de horizontale zijde van het schermbeeld en de verticale. De verhouding die voor onze moderne televisietoestellen wordt gebruikt, is 16×9. Dit betekent dat de verhouding tussen breedte en hoogte altijd 1,78 op 1 zal zijn, meestal geschreven als 1,78:1. Hoewel dit tegenwoordig misschien wel de meest voorkomende beeldverhouding is, is het niet de enige. "2001:A Space Odyssey" (1968) werd opgenomen met een verhouding van 2,20:1, terwijl "How the West Was Won" (1962) werd opgenomen in 2,59:1. "Ben Hur" (1959) ging nog verder met een beeldverhouding van 2,76:1.
Wes Anderson ging nog een stap verder met “The Grand Budapest Hotel” (2014). Anderson besloot voor elke tijdlijn in de film een specifieke beeldverhouding te gebruiken. De film begint in 1932 met een beeldverhouding van 1.37.1. Scènes uit 1968 werden opgenomen in 2,35:1 en de hedendaagse scènes werden ingekaderd in een verhouding van 1,85:1.
De verantwoordelijkheden van een cameraman zijn eindeloos
De verantwoordelijkheden van een cameraman zijn enorm en gevarieerd. Sommige hebben we nog niet eens genoemd, zoals de opnamegrootte, diafragmabeslissingen en focuskeuzes. Je kunt meer leren over de vele rollen van de regisseur van fotografie door boeken te lezen, YouTube-video's te bekijken of een filmschool te volgen. Je kunt ook meer te weten komen over de rol die de meeste filmmakers in de afgelopen 100 jaar hebben geleerd:door je omhoog te werken in de hiërarchie van de camera-afdeling.