Op zondagavond won 'Moonlight', de prachtige film van regisseur Barry Jenkins over het volwassen worden van een jonge man die zich bezighoudt met kwesties van ras en armoede, terwijl hij tegelijkertijd zijn eigen relatie met seksualiteit ontdekt, de ultieme prijs, de Beste Film trofee bij de Academy Awards. LensCulture heeft zojuist een lang interview gepost met de getalenteerde cameraman van de film, James Laxton. Hier is een beetje wat hij te zeggen had.
Verloren tussen het beslist historische debacle dat de conclusie was van de Academy Awards van 2017, was een simpel feit. "Moonlight", de film die uiteindelijk met de prijs voor beste film naar huis ging (via de producenten van "La La Land") was een geweldig cinematografisch werk.
Barry Jenkins en Tarell Alvin McCraney maakten een hartverscheurend en verhelderend scenario over de volwassenwording van een jonge man die geconfronteerd wordt met wat maatschappelijke drie slagen van zwart, arm en homoseksueel kunnen zijn. Maar door het verhaal van Chiron te vertellen, ging het creatieve team veel verder dan cliché.
De ultieme kracht van “Moonlight” zit niet in de statistieken, maar in wat tussen de regels ligt. De intimiteit waarmee het verhaal wordt verteld, zorgt ervoor dat een verhaal van een heel specifiek individu herkenbaar is voor iedereen in het publiek. Je hoeft niet zwart te zijn om zijn benarde situatie op emotioneel niveau te begrijpen. Je hoeft niet homoseksueel te zijn. Je empathie vereist ook niet dat je uit Miami komt. In feite komt de cameraman van de film, James Laxton, wiens prachtige lensing een buitensporige hoeveelheid intimiteit aan de film geeft, uit een andere wereld.
In een prachtig diepte-interview door Alexander Strecker voor LensCulture, bespreekt Laxton zijn benadering van het onderwerp en de talloze invloeden die hebben bijgedragen aan het definiëren van de visuele stijl van de film.
Ik lijkt een rechttoe rechtaan uitspraak, maar ik denk dat in die woorden een bepaalde waarheid schuilt over alle kunst, bewegend of stilstaand. De dunne lijn tussen heel goed en geweldig ligt vaak in iemands vermogen om dieper te gaan dan de oppervlakte. Een kunstenaar moet verder gaan dan tweedimensionale beelden, hoe mooi het ook aan de oppervlakte is, en naar een dieper niveau gaan.
Laxton begreep dit en wist dat hij een ander niveau moest vinden. Door eerst zonder camera naar Miami te gaan, zoals veel grote documentairefotografen, leerde hij de stemmingen en het ritme van de wereld kennen die hij moest reflecteren.
Dit breidde zich verder uit in de productie. Hoewel de meeste films duidelijk afgebakende lijnen hebben tussen cameraman en cameraman, eisten de kleinere omvang en intieme details van het project dat Laxton een groot deel van de operatie zelf deed.
Het belangrijkste was zijn beslissing om een groot deel van de film uit de hand te schieten. Hoewel dit een veelgebruikte techniek kan zijn in veel films die de camera lijken te schudden alleen maar om een camera te schudden, gebruikt Laxton in 'Moonlight' de vrijheid van de handheld-camera om de tussenliggende momenten vast te leggen die het misschien niet hebben gehaald in een perfect stil frame. Hij kan in en uit bewegen tijdens een scène. Hij kan persoonlijk de ruimte van een acteur binnendringen. Kortom, hij filmt niet alleen het gesprek, maar maakt ook deel uit van het gesprek.
Een duidelijk voorbeeld hiervan is zijn benadering van het filmen van de beroemde doopscène waarin Juan (gespeeld door Academy Award-winnaar Mahershala Ali) Chiron (of Little zoals hij tijdens de openingsact wordt genoemd) leert zweven. In plaats van op stokken te gaan staan vanuit de veiligheid van het droge, ging Laxton met de acteurs het water in. Terwijl ze vochten tegen de tamelijk reële stroming van de Atlantische Oceaan, deed Laxton dat ook. Terwijl ze dit intieme moment deelden, deed Laxton dat ook. En bij uitbreiding ook het publiek.
De cameraman gaat verder met het noemen van de vele inspiratiebronnen voor het uiterlijk van 'Moonlight'. Veel van de geïnspireerde bewegende beelden zijn ontleend aan stilstaande beelden. Een van de genoemde fotografen was Earlie Hudnall Jr., die zijn werk een prachtige authenticiteit geeft.
Laxton werd ook sterk beïnvloed door Vivianne Sassen en haar buitengewone kleuren.
Over kleur gesproken, hij liet zich zelfs inspireren door een bron die elke fotograaf na aan het hart zal liggen. Tenminste degenen die oud genoeg zijn om het zich te herinneren. Film voorraden. Met het verhaal van de film duidelijk opgedeeld in drie afzonderlijke acts die samensmelten tot een compleet verhaal, koos Laxton ervoor om elke sectie zijn eigen unieke look te geven.
Hoe trok hij de grens? Hij besloot slim om elke look te laten beïnvloeden door elk van de drie grote filmproducenten Fuji, Agfa en Kodak.
Fuji, dat neigt naar blauw en groen, vormde het eerste deel.
Overigens wil ik niet zeggen dat Laxton de film daadwerkelijk op film heeft geschoten. Laxton werkte met een aantal niet-professionele acteurs en moest snel onverwachte momenten kunnen vastleggen. In plaats daarvan koos Laxton voor digitaal (waarbij veel van het bovengenoemde kleurenwerk achteraf wordt gedaan).
Wat het medium ook was, Laxton was in staat om de intimiteit en authenticiteit te vinden om beelden te produceren voor wat ongetwijfeld bekend zal worden als een van de meest invloedrijke films in de lange geschiedenis van de cinema. Als je het niet hebt gezien, bekijk het dan. Als je alleen het Oscar-debacle hebt gezien en wilt weten waar alle ophef over ging, bekijk het dan eens. Of, als je het verhaal van Little, Chiron en Black al hebt zien ontvouwen, kijk dan eens met een frisse blik en bewonder hoe een buitenstaander een van de meest insiderportretten maakte die ooit met de Academy Award naar huis gingen.
[via LensCulture]