Goede vechtscènes hebben visie nodig, planning en zorgvuldige choreografie. Maar uiteindelijk zijn ze voor hun kracht afhankelijk van de bewerking.
Een goede vechtscène kan energie en kracht toevoegen aan je film- of videoproject. Het kan een heel spannend en emotioneel moment zijn om de held in opstand te zien komen tegen hun vijanden en ze neer te halen met een uitstekende choreografie. Maar een belangrijk element van elke vechtscène is de montage, dus laten we eens kijken hoe we dat moeten doen.
Pre-productie
Als je je vechtscène nog niet hebt opgenomen, bekijk dan mijn eerdere artikel "Regie van gevechtscinema:de juiste en de verkeerde manier" voor meer informatie over de productiekant van het gevecht. Als je eenmaal bent ingehaald, ben je klaar om een actiestuk van hoge kwaliteit te maken.
Maar misschien heb je je scène al geschoten - of ben je het gevecht van iemand anders aan het bewerken. Wat dan?
Als je het geluk hebt om aan het project deel te nemen voordat de productie begint, praat dan met de regisseur en zorg ervoor dat elke nieuwe opname in de vechtscène begint met de laatste stoot of trap van de vorige opname. Dit zorgt ervoor dat alles goed samenvloeit tijdens de montage en voorkomt dat het talent aan het begin van elke snede vastloopt.
Als de regisseur nog geen ruwe versie van het gevecht heeft gemonteerd op basis van repetitiebeelden, hebben ze misschien geen duidelijk beeld van de bewerking die ze willen zien. Als dat zo is, laat de regisseur dan zoveel mogelijk dekking vanuit verschillende hoeken filmen. Dit geeft je de ruimte om in de montage te spelen en een goed deel van het gevecht te krijgen.
Ritme bewerken
Als je regisseur wel een duidelijke visie heeft op de montage, dan is je werk een stuk eenvoudiger. Volg hun richting en verfijn de strijd. Maar als ze je gewoon uren aan beeldmateriaal uit verschillende hoeken geven met de instructie 'Knip dit in elkaar', dan is het een beetje lastiger.
Na het bekijken van de beelden, kun je vrij snel zien of de artiesten getalenteerde krijgskunstenaars zijn of niet. Als dat zo is, raad ik langere sneden aan om hun vaardigheden te demonstreren. Dat betekent niet dat elke snede tien seconden hoeft te duren, maar geef het een beetje ademruimte als je kunt.
Als de artiesten niet zo geweldig zijn, moet je misschien echt snelkoppelingen en snelle bewerkingen gebruiken. Bekijk de belachelijke opening van xXx:The Return of Xander Cage . Hoewel de montage voor Donnie Yen, een zeer getalenteerde krijgskunstenaar, geen superlange sequenties bevat, zijn de sneden iets langer en is het camerawerk soepel. Maar je zult een schril contrast opmerken in dezelfde scène wanneer zijn Britse cohort uit de lift snelt.
Wanneer Yen's cohort verschijnt, wordt de camera plotseling erg wankel en worden de bewerkingen supersnel. Te snel voor comfort - alles voelt schokkend en gehaast. Maar een vechtscène met snelle sneden hoeft geen slechte zaak te zijn! Als de beelden goed zijn opgenomen, kan het gevecht nog steeds heel goed aanvoelen. We moeten echter rekening houden met ritme en tempo.
Als ik de bewerking nader, zie ik de bewerkingen bijna als muziek. De timing tussen de sneden heeft een natuurlijk ritme. Nee, ik time-out niet elke opname als een stuk bladmuziek; Ik voel het. Als de bewerkingen plotseling supersnel en snel worden, is het alsof iemand de toetsen inslaat in het midden van de Moonlight Sonata . Als je gevecht wordt of moet worden afgebroken met korte takes en snelle bewerkingen, ga er dan gemakkelijk in en uit.
Bekijk deze scène uit Mission:Impossible — Ghost Protocol. Merk op hoe het montagetempo langzaam toeneemt naarmate het gevecht vordert in plaats van plotseling snel te worden met een enkele snede (zoals in de xXx scène).
Tips en trucs
Naast het bewerken van het ritme, moet je het beeldmateriaal misschien wat bijwerken met wat snelheidsregeling. Soms moet je het beeldmateriaal zelfs van zeer bekwame artiesten versnellen om een consistente en meeslepende snelheid tijdens het gevecht te creëren. Maar let op! Ga niet overboord. Door het beeldmateriaal te versnellen tot meer dan 106 procent, weet het publiek zeker dat je iets kunstmatigs hebt gedaan (onthoud dat de editor wil dat hun werk onzichtbaar blijft).
Zelfs Jackie Chan maakt zich hier schuldig aan. Let op de snelheid van het hotelgevecht van Project A . Het is genoeg om je onnatuurlijk te voelen.
Versnel niet elke opname gelijkmatig. In feite hoef je soms alleen bepaalde bewegingen te versnellen. Een goede truc daarvoor is speed ramping. Je kunt online een aantal diepgaande tutorials vinden voor speed ramping, maar hier is een kort overzicht van Premiere Pro CC.
Versnel het niet te veel en ga gemakkelijk in en uit de oprit. Je wilt toch dat de scène natuurlijk aanvoelt.
Een andere techniek die aan populariteit wint, is het verwijderen van een enkel frame rond het impactpunt van een stoot of een trap. Als het goed wordt gedaan, kan de scène sneller en krachtiger aanvoelen. Persoonlijk vind ik dat het vaak visueel schokkend kan zijn (wat sommige regisseurs misschien willen), maar je kunt het nog steeds met groot effect gebruiken. Een uitstekend voorbeeld hiervan is van Freddie Wong's "Whose Gun is it, Anyway?" YouTube-kort.
Als je goed kijkt, zie je nauwelijks een ontbrekend frame om de kopstoot er sneller en bruter uit te laten zien.
Zoals met alle dingen in film, is montage een kunst. Er zijn geen strikte richtlijnen om iets er goed uit te laten zien. Soms, vooral bij een vechtscène, ga je heen en weer op elke clip, waarbij je deze met twee of drie frames inkort of twee of drie frames terug toevoegt, om dat ritme precies goed te krijgen.
Ik wil je met wat inspiratie achterlaten. Dit gevecht is niet alleen prachtig gechoreografeerd en gefilmd, maar de montage is ook top. Het brengt alle emoties en vechttechnieken van de personages duidelijk over, waardoor een snelle scène ontstaat zonder korte, snelle stukken, en het creëert spanning terwijl het met zijn ritme speelt