We bespreken de historische kernprincipes van de Sovjet-montagetheorie en verkennen vervolgens de belangrijkste soorten montage voor uw film- en videoprojecten.
In de enorme geschiedenis van film en video is er misschien geen filmische of montagetechniek die herkenbaarder of krachtiger is dan de montage. Filmliefhebbers zoals wij zien het in goedkope hits uit de jaren 80 en 90 zoals Bloodsport en Dirty Dancing . We zien het in veelgeprezen kunstfilms zoals The Godfather en Burger Kane . We zien zelfs zijn klassieke wortels in Slagschip Potemkin (1925) en herschapen en gehuldigd in The Untouchables (1987).
Maar wat is eigenlijk een montage? En wat maakt deze filmmontagetechniek zo emotioneel en nuttig? De beste manier om het te begrijpen, is door terug te gaan naar de oorsprong en de basisprincipes van de Sovjetmontagetheorie te verkennen. Vanuit deze oorsprong kunnen we de vijf basistypen van montage schetsen. En voor degenen die geïnteresseerd zijn in het gebruik van deze krachtige techniek, kan inzicht in de verschillende benaderingen je helpen de montage beter te benutten voor je film- en videoprojecten.
De montage van attracties
Laten we, voordat we ingaan op de verschillende individuele soorten montage, een stap terug doen om te kijken hoe de filmmontage zich oorspronkelijk ontwikkelde. Hoewel de Sovjetfilmregisseur Sergei Eisenstein wordt gezien als de peetvader van de montage en pionier van de Sovjetmontagetheorie, kunnen we het gebruik van montage ook traceren tot vroege Hollywood-filmmakers als Slavko Vorkapić en Don Siegel in de jaren dertig en veertig.
Maar zoals je in de video hierboven kunt zien, was het echt Eisenstein die de montage zijn creatieve flair gaf. Hij ontwikkelde zijn beroemde "montagemethoden" gedurende zijn hele carrière, met het meest opvallende voorbeeld van elk van zijn methoden voornamelijk in zijn historische prestatie Slagschip Potemkin . Deze vijf basismethoden voor montage (montage is een Frans woord voor "assembleren" of "bewerken") zijn als volgt:
- Metriek
- Ritmisch
- Tonaal
- Overtonaal/Associationeel
- Intellectueel
Laten we elk van deze unieke soorten en stijlen van montage nader bekijken om te ontdekken hoe ze werken en hoe je ze kunt gebruiken in je film- en videoprojecten.
1. Metriek
Hier is een voorbeeld van de "metrische" montage uit de film van Eisenstein October:Ten Days That Shook the World (1927).
Deze eerste montagemethode is misschien wel de meest rudimentaire, of volgens het boekje, in termen van hoe het technisch is bereikt. Met de metrische montagemethode worden verschillende opnamen samengevoegd door een exacte maat of aantal frames te volgen. Deze metingen van frames worden niet gekozen op basis van een gevoel of emotionele connectie. In plaats daarvan gaat de maker door een strikte meting en houdt hij zich eraan. De metrische benadering vertaalt zich ook het meest eenvoudig in het aantal dat een montage zou kunnen bewerken in een digitaal NLE-bewerkingsplatform zoals Premiere Pro of Final Cut Pro.
Het algehele effect is een beetje chaotisch (zoals je kunt zien in het bovenstaande voorbeeld). Bovendien, zoals filmmakers al vroeg leerden, kunnen de effecten van deze methode zowel frustrerend als filmisch schokkend zijn.
2. Ritmisch
Hier is een voorbeeld van de “ritmische” montagemethode uit Eisensteins Slagschip Potemkin 's "Odessa stappen" reeks.
In tegenstelling tot metrisch is de tweede basismethode van montage echter veel filmischer acceptabel. De basisprincipes maken het zelfs tot een belangrijk onderdeel van filmbewerking dat feitelijk bepaalt hoe we film- en video-inhoud bekijken en consumeren, zelfs vandaag de dag. Deze "ritmische" methode wordt gedefinieerd door opnamen samen te bewerken volgens de context van elke opname. Als deze definitie bekend klinkt, beschrijft het in feite hoe we elke manier van opnamen in elk filmproject bewerken. De reeks "Odessa-stappen" (hierboven) is door de jaren heen gehuldigd, gekopieerd en geparodieerd als een hoofdbestanddeel van filmische montage.
Klopt. Van eenvoudige dialoogscènes tot vechtscènes en epische auto-achtervolgingen, als je naar film en televisie kijkt, kijk je eigenlijk naar montagetheorie in actie. Veel scènes en sequenties maken gebruik van deze ritmische montagetechniek door compositiebeslissingen te nemen over hoe lang elke opname speelt voordat de volgende wordt onderbroken. Dit geeft het publiek op zijn beurt de waargenomen ervaring van het volgen van de dialoog, het verhaal en de actie.
3. Tonaal
Hier is nog een voorbeeld uit Eisensteins Slagschip Potemkin , die de "tonale" montagemethode laat zien.
Ik vind het erg leuk om de montagetheorie en deze basismethoden te verkennen. Het is zo'n informatief onderzoek naar hoe filmpioniers in staat waren om problemen op te lossen bij het maken van film als kunstvorm. Voortbordurend op het basisvoorbeeld van metrische en ritmische montagemethoden, brengt tonaal meer factoren in het spel. Het wordt bepaald door hoe het bewerkt op basis van de emotionele betekenis (of toon) van elke opname.
Zoals je in het bovenstaande voorbeeld kunt zien, experimenteerde de filmmaker met hoe het samenknippen van bepaalde shots, in combinatie met de contextbeelden en de muzikale begeleiding, toon kon creëren. We kunnen dit verder zien in voorbeelden uit de originele YouTube-video. Deze toonstijl heeft geholpen bij de montagebeslissingen van filmmakers over decennia van filmklassiekers.
4. Overtonaal/Associationeel
Hier is nog een voorbeeld hieronder van Alfred Hitchcock's Psycho , die de "overtonale/associationele" montagestijl laat zien.
Als we dieper ingaan op niet alleen de montagetheorie, maar ook de filmtheorie zelf, hebben we de boventonale of associatieve methoden van montage. Deze methode combineert verder alle elementen van metrische, ritmische en tonale montagemethoden om montages te creëren die een nog groter effect hebben op hoe het publiek de "tonen" of "boventonen" van een film kan waarnemen.
Nogmaals, met behulp van montagetheorie als een lens om filmtheorie te bekijken en hoe filmmakers cinema als een kunstvorm op zichzelf creëren, laten deze voorbeelden van boventonale en associatieve montage zien hoe filmmakers alle elementen van het filmmaken - compositie, soundtrack en montage - verder kunnen gebruiken om te creëren abstracte thema's en rijke wandtapijten van betekenis. Deze montage van Vsevolod Pudovkin's Moeder is een voorbeeld van hoe deze elementen diepere betekenissen kunnen creëren in opnamen.
5. Intellectueel
Door alle methoden van vroeger te combineren, is hier een voorbeeld van de "intellectuele" montagemethode zoals te zien in Eisensteins oktober .
Ten slotte, in de trant van hoe boventonale en associatieve montagemethoden alle eerdere basismontagetechnieken combineren, is de intellectuele montagemethode misschien wel de laatste - en meest ware - vorm van de filmische montage. Het is echter misschien ook opmerkelijker in zijn eenvoud. De intellectuele benadering is bedoeld om shots samen te monteren om een intellectuele betekenis te creëren - een definitie met brede grenzen met betrekking tot hoe een filmmaker of editor een film of sequentie zou willen vormgeven.
Je kunt voorbeelden van deze intellectuele montagemethode zien in de beroemdste werken van Eisenstein, met name in de bovenstaande clip uit zijn film Oktober . Deze film in het bijzonder is een masterclass over hoe je alle elementen van montage samen kunt gebruiken om een aantal werkelijk mooie, maar verrassende voorbeelden te creëren.
Maar als je door de filmgeschiedenis gaat kijken naar enkele van de beroemdste (en misschien wel beruchte) montagescènes die ooit zijn gemonteerd, zoals de eindmontage van Apocalypse Now , kun je zien dat de intellectuele methode vaak gewoon een weerspiegeling is van het algemene thema of de boodschap van een film. De montage is opnieuw slechts een hulpmiddel in het arsenaal van een filmmaker om karakter, verhaal en betekenis over te brengen.
Over het algemeen kan het een geweldige oefening zijn om deze verschillende montagemethoden te begrijpen en de filmische geschiedenis van de Sovjetmontagetheorie te verkennen. Je vindt er niet alleen meer informatie over het samenstellen van een film of scène, maar het is ook een verdere duik in hoe je je filmische kunst kunt ontwikkelen als een middel om grotere motieven en thema's te verkennen.