Als ik lichttechnieken doceer, leg ik mijn studenten uit dat we bij het begin moeten beginnen om te begrijpen waar en waarom een lamp op een bepaalde manier is geplaatst. Klassieke kunst, in het bijzonder schilderijen, bevat de meeste aanwijzingen die we nodig hebben om onze personages te verlichten. De esthetiek van verlichting is honderden jaren geleden ontstaan.
Hoewel veel grote en getalenteerde kunstenaars hebben bijgedragen aan de fundamentele kwaliteit van het werk dat we doen, is degene die misschien wel het meest wordt toegeschreven, Rembrandt Van Rijn. Rembrandt is de bekendste van de klassieke Nederlandse schilders. Hij werd geboren in 1606, in een stad ten zuidwesten van Amsterdam. In 1625 opende hij een studio en begon hij zijn soulvolle studie van het drama van de menselijke ervaring door middel van schilderen. Hij besteedde bijzondere aandacht aan de gezichten en ogen van zijn onderdanen, omdat dit de plaatsen zijn waar de onmiddellijkheid van openbaring wordt ervaren. Zijn scherpe focus op de vorm en details van de buste - schouders, hoofd en nek - vormde de basis voor een stijl die hem zijn hele carrière bij zou blijven.
Begin met de sleutel
Een van de belangrijkste uitdagingen voor Rembrandt en anderen in het 15e-eeuwse Europa, was de weergave van driedimensionale onderwerpen op een tweedimensionaal canvas en de kwaliteit van het beeld in termen van realisme. In Rembrandts tijd waren er maar weinig manieren om je onderwerp te belichten. Je kon buiten schilderen waar de verlichting het meest overvloedig was, maar het weer was een factor, of in een studio die voldoende raamlicht of een geschikte kunstmatige sfeer nodig had. Toonbereik en kleurkwaliteit geven aan dat de meeste van Rembrandts onderwerpen binnen werden geschilderd onder olielampen of kaarslicht. Let op de warme kwaliteit van figuren 1 tot en met 4.
De vorm van het gezicht wordt volledig gevormd wanneer zorgvuldige plaatsing van de primaire lichtbron op het onderwerp wordt gericht. Door dit te doen, creëren we wat we een "sleutel" licht noemen. Rembrandt maakte tijdens zijn carrière een reeks zelfportretten in een poging deze relatie te begrijpen. Zorgvuldige bestudering van de veranderingen die plaatsvonden in zijn eigen gelijkenis, onthulde hoe verlichting een centrale rol speelde bij het definiëren van de textuur en het karakter van zijn onderwerpen.
Het sleutellicht is het belangrijkste licht in een driepuntsverlichtingsscenario. Zonder dit zou ons onderwerp niet voldoende verlichting hebben om de basisvorm, het volume, de kleur of de textuur van huid en kleding vast te stellen. Plaatsing van het sleutellicht kan demonstratieve effecten hebben op de smalheid of volheid van ons uiterlijk. Een positie loodrecht op ons frame (zijlicht) geeft een dunnere kwaliteit aan het gezicht. Denk aan figuren 1 en 3. 
Als we de hoek van het hoofdlicht verkleinen en het meer naar de voorkant van het onderwerp brengen - dichter bij de cameralens - is het resultaat een vlakker gezicht met minder schaduwen om eventuele oppervlaktekenmerken te definiëren. Let op de rondere effecten van de meer frontale verlichting van figuren 2 en 4. 
Lachlijnen en gouden driehoeken
In de meeste gevallen, wanneer de perfecte reflectiehoek van Rembrandts belangrijkste licht was bereikt, zou er een klein stukje driehoekig licht verschijnen onder het oog van het onderwerp, tegenover de lichtbron. Let op figuren 1 en 4. Dit bijproduct staat bekend als de 'Gouden Driehoek'. Rembrandt begreep dat, als hij de Gouden Driehoek vanuit zijn gezichtspunt kon observeren, het belangrijkste licht de meest flatterende en dramatische vorm aan zijn onderwerp gaf, de uitdrukking effectief omkaderde en de aspecten van de neus- en wangstructuren definieerde. Natuurlijk zijn alle resultaten subjectief, maar als we verlichting in Rembrandt-stijl proberen, is het zien van de Gouden Driehoek een indicatie dat we erin zijn geslaagd. 
Terwijl de rand van de hoed in elk van deze voorbeelden een overvloed aan verlichting nabij de bovenkant van het voorhoofd blokkeert, is het de hoge plaatsing van het sleutellicht dat de kenmerken van het gezicht zelf uitspreekt. Wangbeenderen, lachlijnen, volle lippen, uitpuilende wenkbrauwen, een bolle neus en kinkenmerken worden allemaal beïnvloed door de hoogte van het toetslicht en de nabijheid van de zijkant versus de voorkant van het onderwerp. De beginpositie voor ons hoofdlicht is 45 graden buiten de as van de camera, ten opzichte van het onderwerp, en iets boven ooghoogte. Vanaf dat startpunt verplaatsen we het naar het onderwerp waarmee we werken. 
Clair-obscur:hoge lichten en schaduwen
Zodra we de gewenste Key-kwaliteit hebben bereikt en ons onderwerp voldoende is gevormd en verlicht, moeten we beslissen over een niveau van algemeen contrast voor de weergave. Clair-obscur is een term uit de Renaissance die het niveau van hooglichten versus schaduw impliceert dat we in onze verlichting toestaan. Hoe meer contrast we creëren bij het belichten van onze onderwerpen, hoe meer "stemming" kan worden opgeroepen. Beelden met een hoge mate van schaduw worden gezien als mysterieus of negatief in connotatie. Omgekeerd kan minder contrast dat in onze verlichting wordt gebruikt, duiden op openheid, liefde of bewustzijn.
Let op de mate van belichting op het gezicht van de 'profetes Anna' uit 1631. In de lijst van de kunstenaar leest een oude vrouw een manuscript waarbij het licht van haar sleutel van over haar schouder naar binnen schijnt (afb. 5). 
Let op de mate waarin we details in haar gezicht zien. Ook al is ze weggedraaid van haar lichtbron, haar houding wordt volledig gerealiseerd als het licht van de Bijbel weerkaatst en op haar gezicht valt. Deze kwaliteit van indirecte verlichting wordt "vulling" genoemd en kan vrij eenvoudig worden bereikt door licht op het onderwerp te laten weerkaatsen of door een gerichte secundaire lichtbron te gebruiken. We noemen die extra bron een "vul"-licht, omdat het de schaduwen "vult" en het algehele contrast in de scène verlaagt. Invullichten worden meestal complementair of tegenover hun belangrijkste bron geplaatst met betrekking tot de plaatsing van de camera.
De mate waarin we een invullicht gebruiken, wordt bepaald door persoonlijke smaak of door de subtiele aanwijzingen in ons script. Als het onbekende wordt afgeleid of de suggestie van dood, kwaad of verdriet is vereist, kunnen we een kleine mate van vulling gebruiken. Of helemaal geen, zoals in figuur 2.
Hoe meer we de scène belichten, hoe positiever de implicaties zijn voor onze personages. Let op het niet-confronterende aspect van het zelfportret in figuur 4? Zoals eerder vermeld, kan invullicht worden geïntroduceerd als indirect of gereflecteerd licht, zoals zou worden opgevangen uit heldere kostuums. Invullicht kan ook worden weerkaatst door oppervlakken, zoals tafels, toonbanken en andere decorstukken, of met wit karton dat "Show Cards" of "B-Boards" wordt genoemd. Ze worden over het algemeen gekocht bij winkels voor kunstvoorwerpen of verhuurhuizen voor verlichting. Ze kunnen ook worden gemaakt van piepschuimplaat, zoals de bouwmaterialen die worden gebruikt om huizen te isoleren, en kunnen worden verkregen bij uw plaatselijke bouwmarkt. Licht dat wordt weerkaatst door gekleurde materialen of oppervlakken, behoudt de werkelijke kleur van die oppervlakken. Daarom is het bij het kopen van foamboard of karton noodzakelijk om materiaal te kiezen dat een neutrale witte kleur heeft.
Scheiding beheren
Het laatste kenmerk dat de klassieke verlichting in Rembrandt-stijl belichaamt, is de manier waarop we ons onderwerp van de achtergrond scheiden. Onderwerpen die in een niet-beschrijvende ruimte worden verlicht, kunnen details in hun achtergrond laten uitlopen als we de scheiding niet beheren. Om hierbij te helpen, moeten we een extra lichtbron toepassen op details rond het onderwerp. Hoe we ervoor kiezen om dit te doen, kan ook van invloed zijn op de algemene stemming.
Denk even na over de implicaties van elk van de getoonde afbeeldingen. In figuur 6 verdwijnt de "Man met de Gouden Helm" ofwel in de schaduw of komt eruit te voorschijn. Door de indruk van het opleggen van spanning op zijn gezicht, zou de stemming kunnen worden geïnterpreteerd als sudderend in diepe gedachten, spijt of spanning. Details in de kleding van de man versmelten met de achtergrond en brengen onze blik terug naar zijn gezicht. 
De bewuste keuze om bepaalde details te verdoezelen, is een apparaat om de emotie van de opname te beheersen. Zorg ervoor dat u de minste scheiding opmerkt over de linkerschouder van de gehelmde man. Het is net genoeg om een gevoel van ruimte te creëren, zonder de stemming te verwarren.
Aan de andere kant biedt figuur 7 een heel andere connotatie. Ondanks het feit dat het onderwerp er net zo introspectief uitziet als de figuur in het vorige frame, is de algehele toon minder onheilspellend. De halo-scheiding van de muur suggereert een meer inspirerende toon in het beeld. De thema's verlossing, openbaring en bedachtzaamheid worden vertaald als resultaat van de volledige herkenning van het personage. 
Het instrument dat we gebruiken om deze look te bereiken, wordt het "achtergrondlicht" genoemd. Het is het derde en laatste element in de Rembrandt-stijl van kunstige verluchting. Het wordt over het algemeen boven en achter het onderwerp geplaatst en gericht op details van de set die zich op de achtergrond bevinden. Door helderdere waarden achter het onderwerp te creëren, isoleren we waarden op de voorgrond en maken ze het voor ons oog gemakkelijker om ze te lokaliseren. Variaties in kleur tussen achtergrond en voorgrond kunnen ook een gevoel van scheiding creëren door de mate waarin de tinten tegenover elkaar staan. Zo kunnen warmere waarden voor objecten op de voorgrond worden gemengd met koelere (blauwere) achtergronden voor interieurscènes.
The Edge Light
In moderne tijden, met de komst van films en televisie, zou het achtergrondlicht evolueren naar een gerichte bron van verlichting. In plaats van de omgeving achter een onderwerp te verlichten, werd het licht recht op de achterkant van het onderwerp met hoofd en schouders gericht. Vanuit het perspectief van de camera werd een helder en glinsterend "randlicht" gecreëerd.
Vanwege het rudimentaire karakter van zwart-wit televisie zou een achtergrondverlichting soms niet voldoende zijn. In combinatie met een harder en intenser licht van achteren komt het profiel van een onderwerp echter beter tot zijn recht tegen de achtergrond op een kleiner scherm. Wat begon als een mechanisme om een ruwe elektronische kijkervaring te compenseren, is jaren later naar voren gekomen als een element dat onze hedendaagse esthetiek helpt definiëren.
Intensiteit, vorm, kleur
Samenvattend hebben we gekeken naar de technieken die Rembrandt gebruikte om een geschilderd portret een driedimensionaliteit te geven. De algehele intensiteit, vorm en kleur van het te verlichten onderwerp worden vastgesteld met drie lichtbronnen. Het sleutellicht creëert vorm en algehele helderheid. Het invullicht regelt de hoeveelheid contrast en het detailniveau in de schaduwen, gecreëerd door het hoofdlicht. Er wordt dan een achtergrond- of randlicht gebruikt om het profiel van het onderwerp te scheiden van details in de omgeving of set.
De volgende foto's tonen variaties in vorm met behulp van een Rembrandt-sleutel en randverlichting in een onopvallende "zwarte limbo"-omgeving. Een kleine, zachte vulling is subjectief gebruikt. Merk op hoe de toevoeging van het randlicht min of meer noodzakelijk is op basis van de reflectiviteit van huidtinten. Begrijp ook hoe het gebruik van een randverlichting contra-intuïtief kan zijn voor de sfeer die door onze sleutel wordt gecreëerd. 
Wat interessant is om te overwegen bij het bestuderen van Rembrandts verlichtingsstijl, is het idee dat al deze bevestigingen van de menselijke vorm zijn ontstaan door directe observatie en nauwgezette aandacht voor details. Op geen enkel moment heeft hij geprofiteerd van een modern opnameapparaat. Zijn begrip van dimensionale weergave, door de toepassing van direct of indirect licht en de invalshoek, is niet alleen nauwkeurig, maar wordt nog steeds gebruikt. Zijn stijl is de maatstaf van waaruit alle aspirant-fotografen, cinematografen en gaffers hun eigen stijlen en voorkeuren beginnen te uiten.
Rembrandt Van Rijn stierf in oktober 1669, maar zijn nalatenschap leeft voort elke keer dat creatieve beeldmakers de set betreden. De gereedschappen zijn door de eeuwen heen veranderd, maar dezelfde doelen en hetzelfde niveau van vakmanschap zijn vereist. Onze verwachtingen als creatievelingen en onze waardering als kijkers zijn het product van beredeneerde normen die 350 jaar geleden zijn opgesteld.
Michael Walsh, is een doorgewinterde Hollywood-lichttechnicus met ervaring in 74 speelfilms en meer dan vierhonderd afleveringen van televisie.