Tot op zekere hoogte heeft animatie, althans in films, altijd geprobeerd dat filmische gevoel vast te leggen. In de laatste paar films die Pixar heeft gemaakt, is er echter een echte poging gedaan om cameratechnieken en lenskenmerken na te bootsen die schijnbaar het grootste deel van het publiek niet zouden opmerken.
Animatie biedt onbeperkte mogelijkheden in visuele weergave. Of het nu gaat om de onrealistische scherptediepte of een onmogelijke trackingshot, animatie hoeft niet afhankelijk te zijn van cameratrucs, lenskeuzes of zelfs opnametechnieken. Dus waarom verwerkt Pixar ze in hun films? Net als in live-actionfilms wekken de look en feel van deze cameratrucs echte emotie of onbehagen op, waardoor de animatie nog krachtiger wordt.
The Nerdwriter gaat in deze video dieper in op verschillende recente Pixar-films en concentreert zich specifiek op één scène in 'Toy Story 4'. Deze specifieke scène repliceert het ongemakkelijke gevoel dat er iets mis is met een gesplitste dioptrie-opname. Nogmaals, deze techniek is er een waarvan maar heel weinig mensen vaak merken dat ze in films worden gebruikt, maar die in feite een onbewust gevoel van onbehagen creëert wanneer ze worden bekeken. Dit, evenals verschillende andere voorbeelden, worden gegeven om te laten zien hoe Pixar de animatiekunst evolueert, om het nog dichter bij echte filmische technieken te brengen.
Een ander voorbeeld is hoe Pixar de camerabewegingen in "Inside Out" gebruikte om een heel ander gevoel te creëren bij het bekijken van het gezichtspunt van het hoofdpersonage versus wat er in haar hoofd omging. Het is zoiets eenvoudigs en wordt vaak gebruikt bij het maken van traditionele films, maar ik heb het nooit opgepikt. Ik leer graag over ingewikkelde details die bij elke vorm van filmmaken passen en die vaak niet worden opgemerkt. Wetende dat het misschien geen verschil maakt of hoogstwaarschijnlijk onopgemerkt blijft, maar het toch doet, inspireert me echt als een creatieveling.