Het close-up shot is het geheime wapen van een regisseur, maar het vereist technische knowhow en narratieve timing. Dit is wat je moet weten.
Er is een scène in Five Easy Pieces waarin Bobby Dupea (Jack Nicholson) zijn zieke vader (William Challee) naar buiten rijdt in de kou om de zonsondergang te bekijken, te bekennen, te ontmaskeren en zich te verontschuldigen voor zijn vervreemding van de familie. Het is een krachtige reeks en een rauwe en emotionele onthulling voor ons hoofdpersonage.
De scène vereist intimiteit en Bob Rafelson wist dat er een close-up voor nodig was, maar wel een die het verhaal en het personage diende. Deze mannen hebben een turbulente, koude en verre relatie gehad. De reeks begint het verleden te weerspiegelen met een afstandsschot van Nicholson en Challee tegen een dramatische zonsondergang. Ze zijn zowel klein als onbeduidend tegen de majestueuze lucht.
Ze stoppen midden in het beeld, en op deze cameraafstand legt Nicholson de deken op de schoot van de oude man en zegt hij "Je bent koud" tegen iemand die te ziek is voor woorden. Het is de eerste stap naar verbinding, en bij actie, terwijl Nicholson zich naar zijn niveau buigt, snijdt Rafelson naar een medium tweeschot. Hij houdt deze opname ongeveer 40 seconden vol, totdat Nicholson zijn close-up verdient - totdat het personage klaar is om iets te onthullen. En zelfs dan kadreert Rafelson het schot onder zijn schouders om niet te opdringerig te zijn. Hij laat zijn acteur het kader bepalen.
Rafelson houdt de uitvoering niet in bedwang - als Nicholson zijn hoofd moest laten zakken, bewoog de camera met hem mee. Wanneer Nicholson leunt en bijna het frame verlaat, snijdt Rafelson snel naar een reactieschot van Challee en keert vervolgens terug naar Nicholson die weer naar binnen zwaait. Het is precies op dat moment dat Nicholson het emotioneel verliest en hij het meest kwetsbaar wordt. Dit alles is zo ontworpen, geen geluk of spontaniteit. De mensen in de montagekamer kozen deze momenten precies om de visie van de regisseur op het emotionele resultaat van de scène weer te geven.
De uitbetaling
Net als het bronmateriaal is de close-up (door het ontwerp) het resultaat. Een regel als "Eerlijk gezegd, mijn liefste, het kan me geen moer schelen" in Gone With the Wind heeft alleen macht vanwege de bijna vier uur die we hebben besteed aan het kijken naar Rhett Butler die Scarlett O'Hara achtervolgt, opoffert voor en pijn heeft over Scarlett O'Hara. Als hij die regel zegt, is dat een vrijlating voor het personage en het einde van zijn verhaal.
Hetzelfde principe geldt voor schieten. De close-up shot is een venster in het personage. Het kan het groeimoment van het personage onthullen (John McClane's bekentenis aan Powell dat hij zijn vrouw nooit heeft verteld dat het hem spijt in Die Hard ); het kan een personage uitbeelden dat iets belangrijks ontdekt (Gene Hackman die de waarheid ontrafelt in The Conversation ) of spanning creëren tussen personages (de impasse in The Good, the Bad and the Ugly ). Dit kan allemaal en nog veel meer. Het is een tool die de regisseur gebruikt om het publiek te laten weten dat een bepaald moment belangrijk is.
Als je het te veel gebruikt, loop je het risico de kijker te vermoeien en de echt belangrijke momenten te ondermijnen. Als je het volledig vermijdt, mis je misschien kansen om karakter te onthullen en riskeer je het verhaal emotioneel te vervreemden.
Technische overwegingen
Gebruik een langere lens (70 mm-100 mm) voor een close-up. Een langere lens maakt de scherptediepte ondieper en werpt de achtergrond onscherp. Een bredere lens heeft de neiging om gezichten te vervormen, waardoor ze er abnormaal uitzien. Langere lenzen verminderen dat effect. Als je een 24 mm-lens zou gebruiken, zou je de camera heel dicht bij je onderwerp moeten plaatsen om de acteur een close-up te geven en met veel meer achtergrond te kampen dan met een 70- of 85 mm-lens.
Wat het vertellen van verhalen betreft, kan het overmatig gebruik van de close-up de artistieke visie ondermijnen. Als je elke scène als speciaal markeert, is niets bijzonders. Bovendien kan het overmatig gebruik van de close-up de kijker desoriënteren. Als er geen vaste shots of master- of mediumshots zijn die de kijker laten zien waar ze zich bevinden in de context van de gebeurtenissen in de film, kunt u een frustrerende ervaring creëren die het verhaal niet ten goede komt.
Continuïteit is ook een belangrijk aandachtspunt. Je bent misschien zo gefocust op de scherptediepte dat subtiele aspecten van continuïteit verloren kunnen gaan. Als u bijvoorbeeld buiten aan het fotograferen was, was er dan een briesje bij de totstandkoming of groothoekopname die later, wanneer u de close-up fotografeert, ontbreekt? Is het natuurlijke licht drastisch veranderd en moet je het kunstmatig afstemmen op de master? De temperatuur? Als dat zo is, let dan goed op zodat de acteur niet koud lijkt in de master, maar comfortabel in de close-up.
Van dichtbij en persoonlijk
De close-up is een krachtig ontwerphulpmiddel voor de regisseur. Het moet voortkomen uit het scenario en de kijker aanwijzingen en inzicht geven in verhaal en karakter.
Probeer je het krachtige verhaal van Ellen Burstyn voor te stellen over het dragen van de rode jurk in Requiem for a Dream van de andere kant van de kamer. En kijk wat de regisseur (Aronofsky) overbrengt door uit de close-up te stappen zodra het personage van Jared Leto begint te liegen. Hij staat, gaat weg, en eindigt ingelijst aan de rand. Hij is zo ver verwijderd van de vorige intimiteit dat hij praktisch buiten beeld is. Dat is filmmaken die het verhaal dient en resoneert met het publiek.