Laten we er vijf bekijken anime-films, zowel nieuwkomers als klassiekers, moet je kijken om je visuele verhalen te inspireren.
Afhankelijk van hoeveel cinefiel iemand is, kan er een lichte ontkoppeling zijn in hun relatie met anime, of in ieder geval hun vooropgezette ideeën over wat anime is. Ik weet zeker dat degenen die wegblijven van de anime-afspeellijst op Netflix, anime beschouwen als zoiets als dit, uit de tv-serie Dragonball Z :
Atletische mannen voeren razendsnel acrobatische vechtstunts uit met grote energiestoten. Ik bedoel, je zou niet verkeerd zijn, maar dat is slechts een deel van een specifiek anime-genre als geheel. Het woord anime zelf is slechts een verkorte vorm van animatie, gedefinieerd als afkomstig uit Japan, en we weten allemaal dat animatie meer is dan alleen Disney.
Maar voorbij het bereik van typische Shōnen-achtige vecht-anime, vind je ook een verscheidenheid aan anime-films die verhalen presenteren als een fijne balans tussen kunst en entertainment. Bijvoorbeeld Ghost in the Shell , de film uit 1995 van Mamoru Oshii, bevat een drie minuten durende sequentie die uitsluitend het dystopische stadsbeeld documenteert. Het is onwaarschijnlijk dat we zo'n sequentie zouden zien buiten de Art-House bioscoop.
Laten we met dat in gedachten vijf anime bekijken die je moet bekijken voor visuele inspiratie en wat voor soort inspiratie ze hebben. Aangezien er talloze anime-tv-programma's zijn, beperk ik dit tot alleen films.
1. Paprika – Symbolisch inlijsten en bewerken
Terwijl ik Paprika heb vermeld in de kop is dit hele gedeelte voor alle speelfilms van Satoshi Kon, aangezien er helaas maar een paar zijn. Kon's eerste regiedebuut was in 1997 en de filmmaker zou ons de komende tien jaar slechts vier speelfilms geven voor zijn vroegtijdige dood in 2010.
Als je enige vorm van verhalende inhoud hebt gemaakt, weet je dat met alle mogelijke planning en voorbereiding, de beste resultaten soms op geluk komen. Misschien was de lucht op de avond van het filmen een extra roze tint. Of, kortom, het was die dag extra winderig, waardoor de bomen buiten het raam heftig beefden. In animatie is elk frame zorgvuldig samengesteld en is elk element ingewikkeld geplaatst, in tegenstelling tot elke vorm van toeval. Het werk van Kon is daar de belichaming van.
Elk schot, elke snede en elke beweging is zorgvuldig gepland om in zijn visie te passen. Je zult ontdekken dat met zijn tijdelijke bewerkingen die in zijn catalogus te vinden zijn, elke scène visueel is verbonden met zowel de vorige als volgende scènes. Hij zegt,
Het werk van Kon heeft een consistente visuele presentatie. Zijn gebruik van snitten, kleur en algemeen ontwerp voor zowel symboliek als esthetiek is geniaal. Zelfs als je niet bekend bent met zijn werk, weet ik zeker dat je het door anderen zult zien sijpelen.
Films om naar te kijken:
- Perfect Blauw
- Millenniumactrice
- Tokyo Godfathers
- Paprika
2. Ghost in the Shell – Visuele ruimte
Zelfs degenen die niet zo thuis zijn in anime zullen waarschijnlijk bekend zijn met de film Ghost in the Shell , hetzij door de recente live-action-aanpassing of gewoon vanwege zijn pure aanwezigheid in de animatiegeschiedenis. GiTS , zoals het vaak wordt genoemd, is een meesterwerk in het visualiseren van de conceptuele ruimte tussen mensen en hun omgeving. In het geval van de film, het drukke stadsbeeld van de toekomst.
Met moderne films, vooral blockbusters, lijkt het alsof we altijd meer te zien krijgen als het gaat om het volume van CGI-elementen. Steden zijn oneindig hoog, mensenmassa's zijn dichtbevolkt, legers zijn grenzeloos, enzovoort.
Hoe toon je een enorme stad in een cyberpunk-toekomst? Welnu, in het geval van de anime uit 1995, in plaats van een uitgestrekte stad vanuit een luchtperspectief te laten zien, was het drie minuten van een meditatieve stadsreeks vanaf de grond. Het YouTube-essaykanaal NerdWriter sprak hierover diepgaand, evenals hoe de aanpassing van 2017 de originele versie een slechte dienst deed.
Wanneer live-actiefilms altijd proberen groter te lijken dan het leven, moet je soms teruggaan naar een ander medium om de kleine elementen te waarderen.
3. Anime-architectuur:imaginaire werelden en eindeloze megasteden – Perspectief
Ok, dus dit gaat technisch gezien over verschillende anime. Die zijn Akira , Ghost in the Shell, Patlabor , Neon Genesis Evangelion , en Tekkonkinkreet .
Geschreven door Stefan Riekeles en uitgegeven door Thames and Hudson, Anime Architecture:Imagined Worlds and Endless Megacities is een boek dat treffend gaat over architectuur in anime. Wie had dat kunnen raden uit de titel van het boek?
Hoewel het aanvankelijk duidelijk lijkt dat dit boek bedoeld is voor ontwerpstudenten en liefhebbers van architectuur, dient het ook een secundair doel voor het aanwakkeren van inspiratie bij het ontwerpen van gebouwen en steden. In veel anime is het stadsbeeld - en in het bijzonder megasteden met dystopische cyberpunk-omgevingen - bijna altijd een personage in zichzelf (zoals opgemerkt in de GiTS reeks).
Persoonlijk heb ik vaak moeite met het correct fotograferen van (stilstaande en video) stadsgezichten om hun kenmerken te accentueren. Terwijl het boek ontleedt hoe de gebouwen fysiek worden geconstrueerd en vervolgens worden geanimeerd, stimuleert het de geest voor creatief sap in hoe je het vastleggen van je volgende stadsgezicht kunt benaderen op een manier die filmisch aanvoelt.
4. Uw naam – Schoonheid in elk frame
Er is vaak discussie, een vurig debat, of Makoto Shinkai in de running is om de volgende Hayao Miyazaki te worden. Of je het nu wel of niet eens bent met het sentiment, er is één waarheid die niet kan worden ontkend:de films van Shinkai zijn visueel prachtig.
Uitgebracht in 2016, Uw naam was een kritisch en commercieel succes dat al geruime tijd niet meer is gezien van een originele op zichzelf staande anime (geen film gebaseerd op een reeds bestaande anime-serie). Vanaf 2021 is het wereldwijd de op twee na best scorende anime-film en Japanse film aller tijden.
Buiten de prachtig geweven plot en heerlijke muziek, zijn de visuele elementen wereldvreemd. Shinkai gebruikt veel kenmerken die alleen in live-action voorkomen, zoals lensflare, scherptediepte, spiegelende hooglichten, enzovoort. En een kenmerk dat prominent aanwezig is in het grootste deel van Shinkai's werk, is dat de meeste frames van de film gemakkelijk kunnen worden teruggevonden en gebruikt als een afdruk voor uw huismuur.
In Uw naam , of het nu gaat om het tonen van de natuurlijke schoonheid van Itomori, of om studenten die lunchen op het basketbalveld, alles is prachtig omlijst en geanimeerd. De stijl van Shinkai is een sterk argument om je foto alles te geven om het mooi te maken, zelfs als het zoiets alledaags is als een enkel shot van iemand die de weg vraagt.
Als secundaire noot werd in 2015 een boek gepubliceerd met de titel Sky Longing for Memories:The Art of Makoto Shinkai , waarin enkele van zijn beste composities worden getoond, evenals uitsplitsingen over hoe het team de opnamen heeft samengesteld. Aangezien het in 2015 werd gepubliceerd, dekt het niet Uw naam of het onlangs uitgebrachte Weathering with You , maar je vindt zijn kenmerkende stijl terug in zijn eerdere werk.
5. De rode schildpad – Brandpuntsafstand en minimalisme
Dus De Rode Schildpad is geen echte definitie van anime. De regisseur, Michaël Dudok de Wit, is een Nederlandse en de film is in coproductie met het Franse productiehuis Wild Bunch.
Het andere deel van de coproductiecredits is echter van de beroemde anime-krachtpatser Studio Ghibli. Het heeft ook al lang bestaande Ghibli-namen zoals Toshio Suzuki en Isao Takahata die respectievelijk als producer en artistiek producer dienen. Evenzo vroeg Hayao Miyazaki, misschien wel de beroemdste Studio Ghibli-regisseur aller tijden, voor zijn pensionering om te praten en samen te werken met Dudok de Wit. Dus half-anime? Japans-Frans geproduceerde animatie?
Hoe dan ook, het is beter dan het aanbevelen van de voor de hand liggende anime om te bekijken (Akira ) en de film heeft Ghibli's bekende ecologische thema's, met typische Ghibli-achtige kenmerken die door de film heen opduiken. Maar met name de beelden zijn niet zo herkenbaar als typische door Ghibli geproduceerde films. De rode schildpad neemt je mee naar een tropisch eiland in het midden van de oceaan, en in tegenstelling tot andere films in de Ghibli-bibliotheek, doet het dit zonder je te vragen je te concentreren op verhaal- of karakterontwikkeling.
In plaats daarvan wordt ons gevraagd verliefd te worden op een omgeving, met name een klein tropisch eiland waarop een stomme schipbreukeling schipbreuk lijdt.
Zonder dialoog en alleen focus op beelden, zou men verwachten dat de beelden oogverblindend zouden zijn en gevuld met filmische beweging om het publiek geboeid te houden. Het is echter het tegenovergestelde. Vaak wordt de camera op slot gezet en met een telebrandpuntsafstand op behoorlijke afstand ingekaderd. Dit resulteert in het karakter dat in schaal wordt gewassen door de tropische eilandomgeving.
Tot op zekere hoogte is het bijna theatraal. Het is een goed voorbeeld van visuele verhalen om ons eraan te herinneren dat we niet altijd extravagante camerabewegingen hoeven te maken als een simplistische aanpak ook werkt.