Kunstwerken fotograferen? Deze tips zullen het proces veel gemakkelijker maken!

Het fotograferen van kunstwerken lijkt misschien een eenvoudige taak, maar het is vaak moeilijk om het goed te doen. Er zijn technische obstakels die moeten worden overwonnen, zoals het bereiken van een gelijkmatige belichting, het vermijden van reflecties, nauwkeurig scherpstellen, het kiezen van het juiste diafragma, enzovoort. In dit artikel geef ik je enkele tips voor het fotograferen van kunstwerken die het proces veel gemakkelijker maken!

Detail uit 'The Ninth Wave' (1850) door Ivan Aivazovsky. Russisch Museum, Sint-Petersburg.

Tips voor het fotograferen van kunstwerken

De tips die ik ga geven hebben voornamelijk betrekking op 2D-kunst, dat wil zeggen schilderijen, tekeningen of prints in welke vorm dan ook. Ik heb de meeste ervan gefotografeerd, variërend van grote olieverfschilderijen in nationale musea tot antieke krantenillustraties thuis.

Ik zal ook een paar tips geven over het fotograferen van sculpturen. Het maken van succesvolle foto's van 3D-kunst is niet altijd eenvoudig.

Witbalans

Bij het fotograferen van kunstwerken is witbalans niet objectief - er moet een creatieve beslissing worden genomen. Wil je de kleur van de kunst behouden zoals je die ziet of moet je deze neutraliseren en het wit wit maken? Word je historicus of restaurateur?

Ik kon de witheid en originele kleur in deze Victoriaanse krant met een enkele klik herstellen, maar met een grijskaart heb ik de 125 jaar oude staat gereproduceerd. Verlichting is daglicht boven het hoofd.

Papier en verf hebben de neiging om met de jaren te verkleuren, meestal met vergeling. U moet dus beslissen of u wilt kopiëren wat u ziet of de klok terug wilt draaien. Dat veronderstelt dat je gelijk hebt in je aannames over de originele kleur.

Om de witbalans te "corrigeren" zijn er twee hoofdbenaderingen:

1. Om wit er wit uit te laten zien:kies een gebied binnen het kunstwerk dat neutraal van toon moet zijn - bij voorkeur middengrijs als dat bestaat. Door met een witbalanstool op dit gebied te klikken, egaliseert u de RGB-waarden en corrigeert u met een beetje geluk de kleur in de rest van het beeld. Er ontstaan ​​problemen wanneer het kunstwerk op sommige plaatsen meer is verouderd dan op andere, wat de neiging heeft om lelijke gele vlekken te creëren wanneer u een WB-aanpassing uitvoert.
2. Om tekenen van veroudering te behouden:gebruik een grijskaart om te corrigeren voor het licht dat de kunst verlicht, waardoor de bestaande kleur van het kunstwerk behouden blijft, inclusief tekenen van veroudering. Er zal nog steeds een lichte verschuiving in kleur zijn, aangezien het uiterlijk van alle objecten wordt beïnvloed door het licht waaronder ze vallen. Maar u behoudt het algehele uiterlijk van leeftijd. Je kunt de foto altijd een beetje opwarmen als je de antieke look wilt benadrukken.

Een derde optie, als je geen neutrale tinten in het beeld hebt of een grijskaart, is om te spelen met kleurtemperatuur- en tintschuifregelaars totdat je denkt dat de witbalans correct is. Het corrigeren van kleuren door het gezichtsvermogen is echter wisselvallig en nooit zo nauwkeurig als het gebruik van cijfers.

Een ding dat we weten over sneeuw is dat het er beter wit uitziet. Kunstmatige verlichting en/of veroudering maken dit schilderij geel op een foto. Een witbalanstool herstelt het snel, hoewel het moeilijk is om altijd te weten hoe een schilderij er vers uitzag. Kunstenaar:Ferdinand Schmidt (ca.1900), La Piscine Museum, Roubaix.

De lichtbron maakt een enorm verschil voor de witbalans. Vermijd gemengde verlichting als je kunt. In musea vind je niet vaak schilderijen onder gemengde lichtbronnen, maar dat geldt niet voor beeldhouwkunst. Een mengsel van warm kunstlicht en raamlicht veroorzaakt sterke oranje of blauwe kleurzweem in lokale delen van het beeld. Dit kan moeilijk zijn om mee om te gaan tijdens de nabewerking.

Kunstmusea hebben de neiging om schilderijen niet onder gemengd licht weer te geven, maar misschien vind je sculpturen bij een raam. Dat resulteert vaak in blauwe highlights en oranje schaduwen. Sculptuur:Epicurus en Metrodorus, Louvre Museum.

Kleurcorrectie, DNG-profielen, lichtbronnen

We hebben het gehad over het corrigeren van de witbalans bij het fotograferen van illustraties, maar je kunt kleurcorrectie verder brengen dan dat. U kunt ook corrigeren voor de kenmerken van de lichtbron.

Fluorescerende en LED-lichtbronnen zijn energiezuiniger dan oude gloeilampen en geven geen warmte af aan de buitenkant. LED-verlichting is tegenwoordig heel gewoon in kunstmusea. En toch is het licht vanuit fotografisch oogpunt van mindere kwaliteit dan dat van halogeen.

Moderne lichtbronnen zenden ofwel een onderbroken of smalbandig spectrum uit, wat betekent dat ze kleuren inconsistent en soms helemaal niet over het zichtbare spectrum reproduceren.

Kunstmusea en galerieën gebruiken één lichtbron om schilderijen te verlichten. Het kan diffuus licht boven het hoofd zijn of schijnwerpers op een railverlichtingssysteem. Foto door Riccardo Bresciani van Pexels

Tot op zekere hoogte kunt u de kwaliteit van LED-/fluorescentielampen beoordelen aan de hand van hun CRI-classificatie. Je hebt 90+ nodig als je ze koopt, maar een hoge rating maakt ze niet gelijk aan traditionele lichtbronnen. De CRI-test is een milde, niet-gestandaardiseerde test waarbij gebruik wordt gemaakt van enkele kleurvlakken, waardoor het verschil tussen 95% en 100% groter is dan de cijfers suggereren. Gloei- en halogeenlampen scoren standaard 100%.

Een manier waarop u de kleur van uw foto's kunt verbeteren wanneer u kunst maakt onder moderne lichtbronnen, is door een DNG-profiel te maken. Hiervoor gebruikt u een product als de X-Rite Color Checker en ofwel X-Rite ofwel Adobe software. U past dit profiel vervolgens toe in de ruwe-conversiefase als de software dit ondersteunt.

Deze pagina uit een antiek WW1 geschiedenisboek wordt duidelijk van rechts belicht. Merk op dat de X-Rite Color Checker neutrale patches bevat voor het corrigeren van de witbalans en kleurpatches voor DNG-profielen.

Als u met het oog probeert te corrigeren voor led- of tl-verlichting, heeft u waarschijnlijk de schuifregelaar "tint" nodig in onbewerkte converters. Deze lichtbronnen variëren sterk in hun output langs een groene tot magenta as. Oude gloeilampen gedragen zich niet op dezelfde manier - hun output ligt altijd langs de oranjeblauwe Kelvin-schaal.

Vensterlicht – voor- en nadelen

Deze oude advertentie stond buiten te pronken. Hoewel de kleurtemperatuur van daglicht varieert, geeft geen enkele andere lichtbron kleur zo volledig weer over het zichtbare spectrum. KattenKabinet Museum, Amsterdam.

U zult het daglicht nooit verslaan vanwege het vermogen om alle kleuren van het zichtbare spectrum met weinig vooringenomenheid weer te geven. Het is een ideale lichtbron voor kunst. Het enige probleem is dat je het niet goed onder controle hebt. Als u raamlicht gebruikt om een ​​kunstwerk te fotograferen, zal de belichting waarschijnlijk ongelijkmatig zijn van links naar rechts. Er kan een stop of meer verschil zijn. Je kunt dit terugbrengen tot ongeveer een halve stop of minder als je een reflector gebruikt.

Natuurlijk kunt u de belichting zelfs verhogen in de nabewerking. Een ding dat u kunt doen, is een blanco kaart of een stuk wit papier fotograferen onder hetzelfde licht, waardoor ongelijkmatige belichting duidelijk wordt wanneer u het op de computer ziet. Gebruik wat je daar ziet om andere foto's in de shoot te corrigeren.

Als u een ansichtkaart bij raamlicht fotografeert, maakt het omdraaien van de ansichtkaart een ongelijkmatige belichting duidelijker. De rechterkant van deze foto is 25% helderder dan de linkerkant.

Gebruik aanpassingspenselen, lagen en laagmaskers of een gegradueerd filter met neutrale dichtheid om ongelijkmatige belichting over een afbeelding te corrigeren. Lokale aanpassingen op de afbeelding, zoals die in DxO PhotoLab, zijn goed. Een gegradueerd filter is een vlotte manier om ermee om te gaan, maar je kunt net zo goed penselen met veel bevedering gebruiken.

Perspectief:kunst positioneren voor een foto

Wanneer u een 2D-kunstwerk fotografeert, plaatst u het plat tegen een muur of tafel en probeert u de camerasensor er perfect op uit te lijnen. Anders zie je hetzelfde 'keystone'-effect dat je krijgt met architectuur, waar verticale lijnen uiteenlopen. Het onderwerp van de kunst wordt enigszins vervormd als je het vanuit een hoek bekijkt, hoewel niet altijd in een mate dat iemand het zal opmerken.

Een manier waarop u een camera kunt afstemmen op kunst, is door op beide een waterpas te gebruiken. Test het oppervlak waartegen de kunst ligt om te zien of het egaal is, indien nodig aanpassingen met rekwisieten (net zoals je zou doen met een tafelpoot op een ongelijke vloer). Doe hetzelfde met de camera, met een waterpas op de hotshoe of op een plat deel van de camera op een statief. Het hoeft er niet professioneel uit te zien als het zijn werk doet.

In het ideale geval wil je dat de camera gelijk staat met het midden van de foto wanneer je kunst fotografeert. Ik heb het niet slecht gedaan met deze opname uit de hand, hoewel hij een beetje wankel naar rechts is (schilderijen aan de muur kunnen aan de bovenkant enigszins kantelen). De correctie zal matig zijn. Kunstenaar:Lucien Jonas (1880-1947), La Piscine Museum, Roubaix.

Waterpassen variëren in nauwkeurigheid, maar je zult snel zien of je methode werkt of niet met rechthoekige illustraties. Als dit het geval is, worden de horizontale en verticale randen uitgelijnd met de hoeken van 90 graden van uw foto. Als je niet goed in je vel zit, zie je het lichte keystone-effect.

Maakt dit uit? Je kunt perspectief corrigeren in bewerkingssoftware, maar alleen met verlies van rand-tot-rand scherpte.

Hoe minder u hoeft te corrigeren, hoe beter.

Gebruik waterpassen samen met eventuele loodrechte lijnen in het kunstwerk om het best mogelijke perspectief te bereiken. Zware correcties voor keystone-effecten achteraf hebben een nadelig effect op de beeldkwaliteit, die al dan niet merkbaar is, afhankelijk van het beoogde gebruik.

Als je alleen maar een foto van een schilderij op Facebook deelt, hoef je niet kieskeurig te zijn over het uitlijnen van illustraties en camera. Het gebruik van voldoende scherptediepte compenseert kleine scherpstelfouten en niemand zal je oppikken op onvolmaakte verticalen! Aan de andere kant, als je online kunst verkoopt, wil je zo goed mogelijk je best doen met de foto's.

Lenskeuze en scherptediepte

Een goede lenskeuze voor het fotograferen van kunst is een 50 mm of 100 mm prime-lens met behoorlijke close-focusmogelijkheden. Veel mensen gebruiken macrolenzen, niet in de laatste plaats omdat ze van dichtbij heel weinig vervorming veroorzaken. Een zoomlens van hoge kwaliteit is voldoende op ongeveer portretlengte.

Bij het fotograferen van 2D-art hoef je geen klein diafragma te kiezen, omdat je niet veel scherptediepte nodig hebt. Als je de lens twee of drie stops sluit tot f/8, krijg je vaak een optimale scherpte, terwijl veel meer de scherpte door diffractie vermindert.

Nauwkeurigheid scherpstellen en liveweergave

Zonder twijfel is de meest nauwkeurige manier om op bijna alles scherp te stellen, uw camera op een statief te zetten en de liveweergavemodus met handmatige scherpstelling te gebruiken. Onnodig te zeggen dat het niet zo goed werkt voor bewegende onderwerpen, maar het is de perfecte techniek voor kunstwerken.

Het gebruik van livebeeld werkt goed voor 2D-onderwerpen, maar is niet cruciaal, tenzij je perfecte scherpte wilt. Je kunt goed scherpstellen door een optische zoeker en de scherptediepte laat je zorgen voor kleine fouten.

Voor 3D-onderwerpen zoals standbeelden is livebeeld van onschatbare waarde. Het lost problemen op zoals veldkromming, onnauwkeurige matglazen of scherpstelpunten en verkeerd uitgelijnde spiegels en sensoren.

Ik ben nog lang niet klaar om hier een foto te maken, maar ik leg een antieke ansichtkaart in de liveweergavemodus op het statief. Een probleem met platte kunstwerken is om ze plat te houden voor de foto. Je kunt stukjes afplaktape van hoge kwaliteit gebruiken en ze daarna klonen, maar pas op dat je het papieroppervlak bij het verwijderen niet afscheurt.

Technische problemen maken het vaak moeilijk om kritische scherpte te bereiken waar je het nodig hebt in beelden - meestal het gezicht en de ogen. Je merkt dit misschien niet, tenzij je 100% inzoomt op je foto's, maar het is gemakkelijk om iets afwijkend te focussen, vooral bij grote beelden waar je naar boven fotografeert.

Je kunt niet vertrouwen op focuspunten of focus/refocus-technieken, omdat ze niet altijd werken. Livebeeld en handmatig scherpstellen overwinnen dat.

Reflecties vermijden

Wanneer je een foto maakt van 2D-kunst achter glas, zijn reflecties een van de grootste hindernissen die je moet nemen.

Soms is het makkelijker om naar een ander onderwerp te gaan, maar er zijn manieren om reflecties in je artworkfoto's te voorkomen. Hier zijn er enkele:

• Gebruik geen directe flitser op de camera. Het zal een afschuwelijke hotspot in het glas creëren die achteraf onmogelijk te verwijderen is.
• Gebruik gerichte lichtbronnen vanaf de zijkant – bij voorkeur twee op gelijke afstand (één aan weerszijden van het kunstwerk). Niet-gericht licht is zachter, maar veroorzaakt reflecties van andere voorwerpen in de kamer.
• In een museum kan het dragen van zwarte kleding helpen bij het fotograferen van kleine kunstwerken, omdat deze minder opvalt in reflecties en licht van andere lichtbronnen absorbeert.
• Laat vrienden of familieleden in donkere kleding bij de kunst staan ​​en blokkeer reflecties.
• Gebruik een groot zwart doek/scherm en duw je lens erdoorheen om het object te fotograferen - dezelfde redenen als zwarte kleding, maar effectiever.
• Gebruik een polarisatiefilter om een ​​groot deel van de schittering weg te nemen (verhoogt de belichtingstijd of ISO, dus niet ideaal voor opnamen uit de hand in schemerige musea).
• Fotografeer onder een kleine hoek om reflecties weg te nemen en het perspectief aan te passen tijdens de nabewerking. Als u dit te veel doet, neemt de scherpte van rand tot rand merkbaar af.
• Bekijk het kunstwerk zorgvuldig op reflecties die misschien niet meteen duidelijk zijn - ze hebben de gewoonte om meer op te vallen op een pc.

Textuur vastleggen

Als je textuur in een kunstwerk (bijvoorbeeld olieverfschilderij) wilt vastleggen, is een diffuse lichtbron zoals een TL-lamp het laatste wat je wilt. Wat je nodig hebt, is een gerichte lichtbron van één kant.

In olieverfschilderijen betekent het onthullen van textuur meestal dat er wat licht in de lens wordt gereflecteerd, wat storend kan zijn. Het is een kwestie van het effect beheersen, zodat spectrale hooglichten het beeld niet verpesten. Een polarisatiefilter helpt zolang het andere opnameparameters niet onbruikbaar maakt.

De reflecties in dit met olie geschilderde portret benadrukken de textuur, maar leiden af. Zoals alle spectrale hoogtepunten, moeten reflecties in kunst subtiel zijn en weggehouden van brandpunten.

Houd er rekening mee dat LED-verlichting van nature gericht is. Je kunt thuis improviseren door LED-smalle stralende G50-spots of iets dergelijks op te zetten. Anders kun je diffuus kunstlicht of flitslicht regelen met modifiers zoals een snoot.

Weinig kunstenaars legden verf dikker of wilder neer dan Vincent van Gogh. Je kunt het licht in dit detail van een van zijn schilderijen zien weerkaatsen, maar het is subtiel genoeg om niet af te leiden van het grotere geheel. Foto van rawpixel.com / Yale University Art Gallery (bron)

Kopieerstands, lichttafels en lichttenten

Als je vrij kleine kunstwerken fotografeert, kun je ultraprofessioneel zijn door apparatuur te gebruiken die bedoeld is voor de klus. Persoonlijk vind ik het leuk om geld te besparen door Heath Robinson-methoden te gebruiken, maar niet alle uitrusting die ik ga noemen, is duur. Ik zou mezelf zelfs kunnen overhalen om er wat van te kopen...

Kopieerstandaards

Kopieerstandaards bevatten een basis, twee lichten, een kolom en een arm om de camera vast te houden. Ze zijn ideaal voor het fotograferen van grote hoeveelheden platte kunst omdat ze klaar zijn om te gaan, terwijl het opzetten van een statief, camera en verlichting tijd kost. Kopieerstands kosten meestal rond de $ 200, maar je kunt ze tweedehands ophalen voor minder dan de helft daarvan.

Lichttafels

Lichttafels worden vaak gebruikt om productfoto's te maken met een heldere, egale witte achtergrond. Je zou er net zo goed een kunnen gebruiken voor kleine kunstwerken en ornamenten. Een kopieerstandaard is een betere gok als je platte kunstwerken zonder achtergrond wilt opnemen.

Lichte tent of kubus

Lichte tenten zijn meestal vijfzijdige kubussen die bij elkaar worden gehouden door draad of plastic frames. De zijkanten zijn gemaakt van een doorschijnend materiaal dat diffuus licht doorlaat. Ook worden diverse achtergronden meegeleverd. Sommige tenten hebben een opening aan de bovenkant waarmee je de lens naar beneden kunt richten. Dit is ideaal voor het fotograferen van kleine, platte kunstwerken.

Je hebt een gelijkmatige belichting nodig voor platte kunst, dus lichten van gelijke sterkte en afstand aan weerszijden van de tent zijn goed. Met sculptuur creëert ongelijkmatige verlichting modellering en benadrukt de vorm, dus de opstelling is anders.

Lichte tenten kunnen gemakkelijk thuis worden gemaakt door een eenvoudig frame te construeren en dit te bedekken met doorschijnend materiaal. Foto:Alison Christine uit North Yorkshire, VK [CC BY 2.0] via Wikimedia Commons

Waarom kunstwerken fotograferen in plaats van maken?

Het fotograferen van andermans kunst lijkt misschien zinloos, maar het is een nuttige oefening om je creatieve oog te ontwikkelen. Dat is vooral het geval als je delen van een schilderij of beeldhouwwerk isoleert, wat je dwingt kunst nauwkeurig te bestuderen. Er zijn vaak meerdere afbeeldingen in een afbeelding.

Binnen grotere schilderijen zie je prachtige details. Hier leidt een jong meisje zichzelf af met bloemen terwijl ze zich misschien een beetje verveelt aan een bruiloftstafel. Kunstenaar:Albert Fourié (1854-1937), Musée des beaux-arts de Rouen.

De enige activiteit die ik ten zeerste zou afraden, is het maken van rechtstreekse kopieën van het werk van levende of recent levende kunstenaars (tenzij ze uw klant zijn en ze u de opdracht hebben gegeven) en proberen er geld mee te verdienen. Dan ben je op zeer dun moreel en juridisch ijs (in feite ben je er doorheen gevallen). De duur van auteursrechten verschilt van land tot land.

Natuurlijk fotografeer je misschien je eigen kunst om online te delen of op eBay te verkopen. Er is geen puurder fotografisch motief dan delen. De wens om te delen zit tenslotte in het hart van de meeste artiesten, ongeacht de grootte van het publiek.

Heeft u nog andere tips voor het fotograferen van kunstwerken die u wilt delen? Doe dit alsjeblieft in de reacties .